miércoles, 22 de enero de 2014

Cristina Lucas en Matadero Madrid

Cristina Lucas (Jaén, 1973) se enfrenta a la antigua cámara frigorífica del matadero de Legazpi con un trabajo contexto específico que analiza algunas de las principales incógnitas, paradojas y retos del actual sistema capitalista. La exposición Es Capital, comisariada por Manuela Villa, está compuesta por cuatro trabajos de nueva creación realizados en colaboración con Acción Cultural Española (AC/E), el Centro Galego de Arte Contemporáneo y el Museo Patio Herreriano de Valladolid, y con el apoyo de DKV. Para realizar esta muestra se ha contado con la inestimable colaboración de 68 entidades y entrevistados.

Plusvalía, primera de las cuatro piezas, documenta la investigación de la artista para conocer el precio actual del manuscrito de El Capital que escribió Karl Marx a finales del siglo XIX y que supone uno de los tratados de política económica más influyentes de nuestra época. En el mismo, Marx populariza el término plusvalía, que define como la ganancia que obtiene el capitalista de la fuerza de trabajo: “sin este beneficio no habría sociedad capitalista”, advierte.

La relación entre el valor de uso y el valor de cambio en una sociedad regida por las normas del capitalismo financiero también está en la base del trabajo Montaña de oro, dos fotografías de la totalidad de oro que hay almacenado en la Reserva del Banco de España. Recordemos que, mientras imperó el sistema patrón oro, este metal precioso fijaba el valor de la unidad monetaria de un país.

La serie de entrevistas Capitalismo filosófico es una búsqueda por comprender la relación existente entre los conceptos filosóficos con los que comercian las empresas y su actividad comercial. ¿Qué es la Muerte para una empresa funeraria? ¿Qué es la Belleza para una clínica de cirugía estética? ¿Qué es la Verdad para una notaría?

En El superbien común, la artista analiza una de las principales paradojas del sistema capitalista: la escasez de recursos y la incapacidad de nuestro planeta para generar riqueza suficiente, si bien todos sus habitantes aspiran a un modelo de vida basado en el consumo ilimitado de bienes y servicios.

Es Capital se podrá ver en Abierto x Obras de Matadero Madrid del 1 de febrero al 11 de mayo de 2014, en verano de 2014 en el Museo Patio Herreriano de Valladolid y en otoño en el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela.

martes, 21 de enero de 2014

50 Aniversario de la Galería Edurne

FUENTE: EL PAIS
En el césped del número 52 de la avenida de la Constitución, en el Escorial, se planta arte. Margarita de Lucas y Antonio de Navascuás han cumplido uno de sus sueños 50 años después de abrir la primera Galería Edurne: crear un jardín de esculturas. Las obras de artistas nacionales e internacionales engalanan la propia residencia de estos pioneros españoles de la cultura contemporánea.

“El arte es una vivencia, no una posesión”, explica De Lucas ante una de sus obras expuesta al aire libre: tres pilares de hierro que sostienen un caos de edificaciones que parecen navegar en suspensión aérea. Son Las casas flotantes, de Fernando Suárez.. El Jardín de Esculturas nace de sus experiencias en el extranjero, al estilo del museo Insel Hombroich, en Alemania, o de la Galería Maeght, en Francia, donde el arte y la naturaleza se asocian en una simbiosis perfecta. La lluvia, el viento y el sol infunden aliento a unas esculturas que permanecerían inertes en un espacio interior.

De Lucas y De Navascuás apostaron desde el principio por artistas que hacían “algo diferente”. Recuerdan con pasión los grandes nombres del arte contemporáneo que han tenido colgados de sus paredes: Jordi Teixidor, Enrique Salamanca, Millares o Luis Gordillo, al que presentaron en el año 64, recién abierta la galería, cuando todavía nadie había puesto su mira en él. Pero también recitan los que ahora se muestran en su parque escultórico: Diego Canogar, Juan Ugalde, Marcela Navascuás o el japonés Yamaoka.

Los 50 años de galería han dado para mucho. De Navascués afirma que fueron la primera galería ecléctica de España. Apostaron por el arte cuando pocos lo hacían e incluso tuvieron que "untar" a un policía para que hiciera la vista gorda con las obras de acondicionamiento del primer local (un semisótano en el centro de Madrid). "Entonces las cosas funcionaban así", apunta. Vivieron buenas épocas, en los 60 y después también en los 80, pero califican como "milagro" el haber sobrevivido.

Ambos se muestran enfadados por el olvido al que está sometida la pintura, la escultura y la innovación cultural en general. “Ser artista es una heroicidad”, sentencia De Lucas. Sus críticas contra el sistema son firmes. La galerista se enerva al hablar de los fallos de base en la educación y en la sociedad: “Una cosa es la crisis en economía y otra el ostracismo al que nos están condenando”. Los datos no dejan muchas dudas de la devacle: las ventas de arte contemporáneo cayeron un 62% en 2012, según la publicación Artprice.

Quienes han paseado con Jorge Oteiza y convivido con Eduardo Chillida, ven con rabia e impotencia la huida de artistas nacionales hacia el extranjero en busca de un reconocimiento “impensable aquí”. “Es algo endémico en los españoles no saber reconocer nuestra valía”, se lamenta la también artista. De Navascuás habla de la crisis del arte, pero de una crisis consigo misma. Considera que el artista debe cuestionar continuamente la creación, el concepto, para no caer en convencionalismos monótonos y letales. “El resto” no lo llama crisis, sino “dejadez por parte de quien no tiene interés por nada que vaya más allá de lo práctico”.

domingo, 12 de enero de 2014

Un artista catalán confecciona una bandera independentista con retales de una bandera franquista

El artista Marc Montijano (Vic, Barcelona, 1978), se encierra durante doce horas para reflexionar sobre el independentismo y la situación política en Cataluña, el día que se inician los actos de conmemoración del Tricentenario de 1714. La performance que lleva por título Una, gran i lliure! (¡Una, grande y libre!), pretende denunciar la manipulación que está sufriendo la sociedad catalana.

Durante doce horas interrumpidas, el artista ha permanecido aislado en un reducido espacio con el material recopilado en la preparación del proyecto, acompañado únicamente de la persona que documentaba la acción.
Desde las diez de la mañana hasta las diez de la noche del pasado 11 de enero, Marc Montijano situado dentro de un círculo de cuerdas y con uno de sus característicos sacos cubriéndole el rostro, ha estado interactuando con diversos objetos relacionados con el independentismo (documentos, fotografías, folletos, carteles, banderas, etc). Dicho material lo fue reuniendo entre noviembre y diciembre de 2013 durante la primera fase de documentación del proyecto.

El resultado ha sido una polémica performance a modo de catarsis, como el propio artista ha explicado: "Mi intención era plasmar, expresar sin filtros, mi punto de vista sobre el independentismo. Soy catalán y es un tema que me preocupa. Sé que es una obra polémica y que me va a traer problemas, pero los artistas estamos para invitar a pensar, no para hacer amigos".

Uno de los momentos más destacados de la acción, ha sido la realización de una estelada, bandera independentista, tomando como base la bandera catalana, senyera, utilizando para ello retales de una franquista.

Tras dibujar el perfil de la estelada sobre la bandera catalana, ha recortado trozos de una bandera franquista y los ha ido pegando poco a poco, muy lentamente, hasta trasformar la senyera en una bandera independentista. Una metáfora visual del proceso que según el artista está viviendo Cataluña.

Según el autor: "con este proyecto pretendo denunciar la manipulación que está sufriendo la sociedad catalana y el delicado camino al que se dirige. He empleado como título uno de los lemas del franquismo traducido al catalán (Una, gran i lliure!), porque
quiero subrayar los paralelismos entre el independentismo y la dictadura de Franco. El nacionalismo independentista es la política oficial y gota a gota están logrando que sea la única línea de pensamiento socialmente aceptada. Intentan crear una única opinión válida en Cataluña, y en consecuencia un clima cada vez más cerrado e intolerante con las opiniones contrarias al independentismo. El independentismo catalán se basa en dos elementos absolutamente fascistas: un nacionalismo con componentes victimitas y un eficaz aparato de propaganda".

La performance ha tenido lugar el sábado 11 de enero, coincidiendo con el acto inaugural de la conmemoración del Tricentenario de 1714, en Hidden Gallery, un espacio alternativo, fuera de los circuitos comerciales, centrado en el arte de acción.

sábado, 11 de enero de 2014

Angela Bulloch en la Galería Helga de Alvear

Angela Bulloch (1966, Ontario, Canada), presenta su tercera exposición Pentagon Principle en la Galería Helga de Alvear en Madrid.

Bulloch es una artista consolidada internacionalmente en el campo de la escultura y la instalación. Con esta nueva exposición, Angela Bulloch presenta una serie nueve esculturas, una de trabajos de pared y un video en el que un avatar nos explica la exposición.

Las esculturas de Pentagon Principle consisten en formas pentagonales regulares e irregulares, que a través de la distorsión y la correccion, redefinen la figura clásica del pentágono, que es un sólido platónico. Algunas esculturas en la exposición constituyen obras animadas a través de una luz que varia su intensidad, creando una ola irregular de patrones difíciles de seguir por el ojo humano. Además de las esculturas, habrá algunos elementos colgados en la pared de la galería, que crean la ilusión de un espacio tridimensional a partir de imágenes bidimensionales de pentágonos.

En resumen, las formas primarias geométricas han sido un elemento de interés constante en el trabajo de Angela Bulloch. Podemos concluir también que el objeto de estudio en la obra de Angela, parte de las constantes de la ciencia occidental, las cuales sufren alteraciones e irregularidades que devienen en esculturas animadas. La obra de Bulloch se caracteriza desde sus inicios por instalaciones que parten de sistemas complejos. Su obra sigue un orden matemático complejo que contradicen su aparente simplicidad.


Angela Bulloch ha sido nominada al premio Turner. La artista ha participado en exposiciones en el Guggenheim de Nueva York, La Power Plant en Toronto, El Palais de Tokyo en Paris, y La Serpentine Gallery en Londres. Recientemente ha tenido exposiciones individuales: Short Big Drama, Witte De With, Rotterdam (2012) y Time & Line. Art Award Of City Wolfsburg, Städtische Galerie, Wolfsburg (2011). Angela Bulloch ha expuesto en la Bienal de Venecia, Shanghai, Lyon y Valencia, entre otros.

Del 16 de enero al 15 de marzo de 2014

Abierta convocatoria para la selección del director de la Fundación Luis Seoan


La Fundación Luis Seoane convoca el concurso público para la selección del Director/a de la Fundación Luis Seoane, con sede en A Coruña.
La convocatoria y las correspondientes bases del concurso público están disponibles para los interesados en su página web.
Fechas: 22 Diciembre 2013 - 17 Enero 2014
Bases de la convocatoria:

Fundación Luis Seoane
San Francisco, 27, 15001
A Coruña (España)

viernes, 10 de enero de 2014

BIG, colectiva conmemorativa del 5º aniversario de La Fresh Gallery

Exposición colectiva comisariada por Topacio Fresh, conmemorativa del 5º aniversario de La Fresh Gallery (Madrid), que se celebrará del 13 de febrero al 28 de marzo de 2014.

Publicamos el texto íntegro remitido por la galería sobre la muestra, en la que hace un breve repaso de los ocho artistas que participan en ella:
“Big” es un guiño a los 5 primeros años de vida  de nuestra galería y el festejo visual que eso implica. Este cumpleaños es una celebración donde la pintura, la fotografía y el dibujo serán nuestros invitados de lujo. “Big” es hacernos grandes, cumplir metas y fijar nuevos objetivos, y para eso contamos con la colaboración de los siguientes artistas:

Juan Gatti: […] Juan Gatti, como filosofía de trabajo, parte de entender que el mundo está repleto de imágenes y estéticas a las que puede constantemente recurrir para configurar la suya propia. No se trata de inventar sino de saber mirar y repensar el trabajo que miles y miles de profesionales del diseño y de la fotografía han realizado a lo largo de todo el siglo XX para saber acoplar sus logros en la concepción de una obra que, aún con esta clara visión recurrente, sea capaz de aparecer ante nuestros ojos como nueva, brillante y siempre acoplada perfectamente a su objetivo de comunicar a través de su contemplación […]
(extracto del texto de Rafael Doctor escrito para la exposición “Ciencias Naturales”)

Fabio McNamara: [….] La pintura de Fabio McNamara (Madrid) es producto de sus más de 30 años dedicándose al oficio pictórico. Sus más de 700 cuadros reflejan el estilo de un verdadero e interesante pintor que se ha caracterizado por el color más absoluto, el flúor y el trazo original.Con un sentido del humor del que solo alguien como Fabio Mcnamara está provisto, este artista, el único ser nacional al que Andy Warhol dirigió la palabra en su visita a España (el rey midas del Pop le espetó “YOU ARE A STAR”) […]
(extracto del texto de Mario Vaquerizo escrito para la exposición “Como Dios manda”)

Gorka Postigo: […] nos enseña  una instalación de imágenes continua en la  línea comenzada en Delusions, donde a través de la luz y el color transformo la realidad hacia un mundo imposible y colorista, la naturaleza se convierte en algo alucinógeno y fantástico. Delusión, melancolía, alucinación, dualidad, temor... nada más cercano a la realidad, y esta, como todos sabemos, no es más que un guión que con mayor o menor fortuna cada uno nos construimos. […]
(extracto del texto de Pablo del Val escrito para la exposición “Delusions”)

Rubenimichi: Las nuevas obras que presentamos en La Fresh Gallery componen un tríptico "vanitas". Un Vanitas atípico que incorpora la figura humana, una especie de "regina" intermediaria entre la vida y la muerte, entre el bien y el mal. Un tríptico alegórico de la fragilidad y la brevedad del tiempo. Un memento mori simbólico: la naturaleza se descompone pero el alma es inmortal.

Alberto de las Heras: […] Pues he tenido la suerte (la delicia) de ser una de las personas a quien De las Heras ha conducido por, precisamente, el gran mapa-mural (2,5x2,5), perteneciente a la serie Urbis, de la ciudad imaginaria que él ha concebido como uno de esos milagros de la imaginación: con el dedo sobre el papel ha ido señalándome, contándome, dándome detalles de palacios y casas señoriales, de barrios que han ido cambiando de identidad o la han conservado, callejuelas populares, catedrales, museos, viejos y nuevos hospitales, parques, cárcel, universidad. La representación, en un mapa de inspiración cartográfica dieciochesca, de todo cuanto conforma cualquier ciudad real. Sólo falta un campo de fútbol, y en esta decisión surge el destello de la mirada libérrima del artista, el centelleo del genio que elige, el resplandor de una propuesta ideológica que supera la mera representación y materializa el ideal […]
(extracto del texto de Ruth Toledano escrito para la exposición “Random”)

Gabriela Bettini: Los dibujos dirigen la mirada al límite que separa un área de césped cuidadosamente recortado respecto a otro lado donde un bosque retoma su desorden. La zona organizada corresponde al perímetro de un monumento: uno de los múltiples monumentos (tan necesarios) que hay diseminados por la geografía de Letonia, dedicados a su convulsa y dura historia reciente. Situada en un claro preciso del bosque de Salaspils –donde transcurrieron los acontecimientos que rememora– una construcción indica qué recordar, cómo hacerlo. Y dónde. Pero la presencia del bosque que fuera testigo directo de los hechos compite con esa propuesta de memoria, procesada y, en cierto modo, inhibida. El bosque desencadena una emoción y se convierte en el verdadero territorio de la catarsis. Los dibujos quieren subrayar esa línea, marcada por algo tan frágil como el césped y la maleza, que sin embargo diferencia dos tipos de experiencias.

Nacho Torra: Un rayo de luz entraba por la ventana y se posaba sobre la mesa del estudio mientras dibujaba los bocetos y las ideas para este cuadro. Un cuadro para una exposición que supone un punto y aparte, en un lugar que para mí es como mi primer hogar después de mi casa. La luz en movimiento que ha sido reflejada intentando desvelar un camino incierto, ha ido cambiando su rumbo a través de la pintura, una vez más ha sido pintada y repintada y finalmente el cuadro reposa sobre una chimenea que por un momento nos hace sentir más cerca del calor de una casa, junto a un fuego fruto del trabajo que nos recuerda que para crear, primero hay que destruir.

Brian Kenny: nos muestra una serie de dibujos realizados sobre dianas de disparo vintage de la policía norteamericana. Composiciones obsesivas e intrincadas que representan fantasías personales, temores y fetiches, así como símbolos esotéricos y signos de manos tomados del lenguaje y la subcultura urbana. Esta nueva técnica de trabajo sirve como diario íntimo del artista y de comentario apasionado sobre el género y la sexualidad, la religión y la culpa, encontrando inspiración en el caos.

jueves, 9 de enero de 2014

Álvaro Laiz en la galería Fúcares


Álvaro Laiz, Wonderland. Los extraños habitantes del Delta Amacuro, en la galería Fúcares de Madrid.
Durante el Neolítico Medio el ser humano colonizó los bosques pantanosos del Delta del Orinoco. Un laberinto de manglares impenetrables y zonas anegadas que desde hace milenios ha sido el refugio de una de las últimas tribus originarias de Sudamérica. Los Warao.

Antes de la llegada de los conquistadores españoles, el Delta era un universo poblado por extrañas y poderosas fuerzas llamadas hebus. Los chamanes eran considerados los mediadores entre el mundo sobrenatural y el de los humanos pero no eran los únicos. Los Tida-Wena o transgénero disfrutaban de una consideración especial debido a su doble naturaleza, llegando en ocasiones a desempeñar el papel de chaman o wisiratu.

Durante ocho mil años el espíritu de los Hijos del Río ha sobrevivido en un universo paralelo, ajeno al paso del tiempo, pero la pérdida de su identidad cultural y la altísima mortandad provocada por la proliferación sin precedentes de enfermedades como el sida y la tuberculosis siembran serias dudas sobre su futuro.

Aisladas en lo más profundo de los pantanos del Delta pequeñas comunidades warao subsisten de la misma forma que sus antepasados. Allí aún es posible vislumbrar por un segundo aquel mundo regido por espíritus antes de que desaparezca del todo. La pervivencia de ciertos ritos animistas y la inclusión de la comunidad transgénero en la sociedad warao quizá sean los últimos vestigios de estas tradiciones precolombinas, nunca antes documentadas visualmente.

Álvaro Laiz "Wonderland"
Hasta el 29 de enero de 2014
Galería Fúcares, Madrid

miércoles, 8 de enero de 2014

Taller de dibujo peformatico en Sant Lluc

Taller de dibujo peformatico a cargo de Joan Morey en Cercle Artistic de Sant Lluc (Barcelona).
A lo largo de la historia del arte la práctica del dibujo se ha desarrollado desde múltiples formas, ya sea al carboncillo o generado por ordenador, hecho por la mano del artista o mediante la utilización de herramientas automatizadas. Pero si de algo no hay duda es de la relación del dibujo con la performance. Este taller, destinado a artistas, pretende abrir líneas de investigación en las cuales el dibujo se entienda como una extensión del discurso y el performance sea su motor de arranque.
A partir del análisis de varios trabajos artísticos se repasará como esta práctica aparece desde las vanguardias a la actualidad; por otro lado se realizarán varios ejercicios de experimentación para finalmente buscar los mecanismos adecuados con los que integrar el “dibujo de raíz performática" en la línea de trabajo de cada asistente.
Este workshop, de naturaleza teórico-práctica, tiene la intención de abrir las capacidades expresivas del dibujo como medio y romper las limitaciones que lo delegan al virtuosismo de la técnica.

DIRIGIDO A:
Estudiantes, artistas y cualquier interesado al conocer las posibilidades del dibujo de carácter performatico. No es necesario saber dibujar ni estar familiarizados con el lenguaje del performance.

martes, 7 de enero de 2014

Taller de creación escénica y performance: Presente Imperfecto


Taller, impartido por Antonio Ramírez en espacio labruc, que tiene el propósito de indagar en los procesos creativos desde el vínculo con nuestro devenir, con nuestra memoria y nuestro presente, asimilando para ello herramientas escénicas que den cauce a la expresión artística.
Se tutoriza el proceso creativo de cada participante que culmina con la composición y ejecución de una performance.

Programa:
Trabajo de Exploración: escuchando el caos.
En la primera parte del taller se realiza un trabajo que estimula la emergencia de la materia prima: los puntos de partida, los primeros vórtices, las imágenes detonadoras que configuran la base del proceso creativo. Para este fin exploraremos:

- Los personajes que habitamos
- Los pensamientos que se escapan al lenguaje
- El presente de los sueños durante la vigilia
- Hara, el centro del ser
- La memoria del cuerpo
- Los procesos autoperceptivos
- Los estados no ordinarios de consciencia

Trabajo de Integración: comprendiendo el caos.
Esta segunda fase del taller se dirige a integrar los materiales caóticos que han emergido. Se trata de asimilar herramientas que nos permitan componer y encontrar el sentido a nuestras obras. Trabajaremos los siguientes aspectos:

- Sensibilidad-inestabilidad-bifurcación Vs. Presentación-nudo-desenlace
- Cartografía de la acción
- La multidimensionalidad del personaje
- Las cuatro ramas: poética, sensorialidad, concepto, dramaturgia.
- La estructura de un rito.
- La acción integradora y resolutiva.

VI TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA Y PERFORMANCE: PRESENTE IMPERFECTO
Del 15 de Enero al 19 de Marzo de 2014, espacio labruc (Madrid)

lunes, 6 de enero de 2014

Antonio Yesa, Por las ramas (Suite de sombras)

Desnudo, 2013. 227 x 113 x 48 cm.
Antonio Yesa (Arcos de la Frontera, 1952) concita diferentes técnicas en una exposición de contrastes en la que se ensamblan conceptos y materiales muy diversos, de manera espontánea e intuitiva.

Su trabajo, pese a tener una clara filiación con la escultura española contemporánea, ostenta un individualismo muy marcado. La paradoja y la confrontación entre conceptos en apariencia opuestos -lo íntimo y lo público, lo transitorio y lo permanente, lo penetrable y lo que impele, lo orgánico y lo inorgánico, lo tecnológico y lo artesanal, lo pequeño y lo grande, lo estable y el equilibrio imposible- forman parte de su particular modo de hacer y entender la vida y el arte. En consecuencia, la obra fluye en el maridaje del plano o la línea recta con la curva o quebrada; de lo blando con lo duro; lo rígido con lo flexible; lo frío con lo cálido o lo rugoso mate con lo pulido brillante, elaborando un lenguaje personal en base a unas variables que administra acorde al discurso, aunque con un orden formal siempre fiel a su estilo.
El diálogo con la materia es indispensable para el artista ya que pasa a ser parte y objeto de su discurso estético. La estructura física como obstáculo, pero también como sugerencia, convierte al material en estímulo ineludible para encontrar el punto de confluencia entre la intención y el soporte. La gama es amplia: maderas y metales en diferentes calidades y texturas, junto a plásticos, cristal o papel; con o sin color.

Asimismo, juega con difuminar los límites entre disciplinas, haciendo complementarios sus trabajos de bulto con el dibujo, el collage o la fotografía, también en perfecta correspondencia.

El artista vuelca en estas piezas su preocupación por el paso del tiempo en primera persona, que le suscita numerosas interrogantes en un contexto pasado, presente y, cómo no, de lo que está por llegar. Plásticamente el punto de partida de este proyecto un árbol ya muerto es, elemento con un amplio abanico de referencias iconográficas en el ámbito antropológico. Icono simbólico, tantas veces imagen de vida y energía de la que es portador aún después de cortado, cobija un secreto que protege con la corteza: los anillos reveladores de su edad, ocultos a la luz. Imagen en si misma del devenir temporal y de la transformación que esta circunstancia imprime en cada ser y objeto que lo experimenta y alegoría de la soledad del individuo. El árbol es modificado una vez más por sus propias manos, ignorantes de si le infieren sufrimiento y recelosas ante esta contingencia, pero esperanzadas en concederle la oportunidad de una segunda vida en virtud de su nueva función como objeto artístico; Proceso que lo marcará con nuevos estigmas que se suman a los de la existencia. Sin piel el árbol se torna vulnerable, como la persona, desnuda exterior e interiormente, mostrándose cómo es en realidad. Por otra parte, la intervención del artista parece proyectar su propia inquietud hacia el sentido de la vida y la certeza de la muerte, con el temor de no dejar huella de su paso por ella. En cualquier caso constatamos que el árbol ha dado otros frutos: los que penden de sus ramas, los del propio artista -¿sus recuerdos?- en una reinterpretación del Cadáver Exquisito –hay más de un guiño a los maestros surrealistas-; así como aquellos que han resultado de reunificar las ramas podadas o de injertar fragmentos de tronco con acero y los dibujos que proyectan sus sombras. Distanciándose en lo sustancial de aquél de los hermanos Chapman, imagen hedionda de la muerte, cadáver poco exquisito, está más cercano al sentido de los que Ugo Rondinone plantó en Manhattan, aunque fundidos en aluminio y lacados en blanco, sintéticos y fríos, a modo de testimonio de la memoria condensada del tiempo.

La escultura de Yesa, siempre sensual y plena de sugerencias, incorpora en esta ocasión un nuevo elemento con la categoría de insoslayable: la sombra, que añade otra dimensión y aporta sobriedad, profundidad y densidad, además de misterio. Parece que el artista haya hecho suyas estas reflexiones de Tanizaki: “...creamos la belleza haciendo nacer sombras...”. “...lo bello no es una sustancia en si, sino tan solo un dibujo de sombras, un juego de claroscuros producido por la yuxtaposición de diferentes sustancias....” Por el contrario: “...la belleza se pierde si se le suprimen los efectos de la sombra...”

Con sutil sentido lúdico engaña a los sentidos a través del juego de luz y sombras, modelando el espacio, tan importante en su obra, como una pieza más, y distribuyendo tinieblas e iluminación en diferentes intensidades, ritmos, tonalidades y sentido dramático. De este modo se crea una auténtica Suite de sombras, melodía inaudible con la que logra no solo realzar la belleza material de las esculturas y desvelar lo que la claridad oculta, sino establecer unos tiempos y recorridos cuya cadencia se ajusta a la del claroscuro.

Realidad y fantasía confundidas en un trampantojo donde no siempre es lo que parece ni parece lo que es. Mundos que transcurren unas veces en paralelo y que en ocasiones se superponen e interactúan, configurando un laberinto de difícil escapatoria. Confusión perceptiva en ese magma espacial del que surge una sucesión de hitos en secuencia cambiante que dan cuerpo a una narración no lineal, como lo es la percepción del tiempo y de los acontecimientos de la vida, con frecuencia en confrontación entre lo sucedido y lo deseado, que manipula la memoria.

Antonio Yesa, Por las ramas (Suite de sombras)
Galería Isabel Hurley, Málaga
Del 8 de Noviembre de 2013 al 4 de Enero de 2014.