Migraciones forzadas vistas por Marc Montijano

El proyecto Hope and Pain de Marc Montijano, podrá verse por primera vez al completo en la Escuela de Arte de San Telmo de Málaga, España.

Del 12 diciembre 2018 al 30 de enero de 2019, el artista Marc Montijano exhibe por primera vez completo el proyecto Hope and Pain (Esperanza y dolor). Un trabajo al que le ha dedicado el último año y con el que busca visibilizar e invita a reflexionar sobre la problemática de las migraciones forzadas.

Migraciones forzadas. Esperanza y dolor, es el título de la exposición que puede verse en la Escuela de Arte de San Telmo a partir del 12 de diciembre. Este proyecto es el fruto de una estancia de trabajo y de investigación de seis meses en las costas de Cádiz del artista Marc Montijano, que se inició en noviembre de 2018. Fecha en la que se cumplían 30 años de la aparición del primer cuerpo de un migrante en las costas españolas, de la primera muerte documentada.

No es la primera vez que este artista trata el tema de la inmigración, en 2013 realizó la acción Welcome to Paradise (Bienvenido al Paraíso). Y desde 2017 estaba trabajando sobre las migraciones con el proyecto Mediterráneo, pero no es hasta que se traslada a Cádiz, para vivir in situ la situación, cuando todo se precipita y toma forma este trabajo. 

El proyecto gira en torno a una tragedia puntual, que Montijano ha empleado como símbolo. El 5 de noviembre de 2018 naufragó una patera en la playa de Los Caños de Meca, en el término municipal de Barbate (Cádiz, España). Su embarcación chocó contra unas rocas a 150 metros de la orilla, en la patera viajaban 45 inmigrantes procedentes de Marruecos, según los supervivientes. La playa se llenó de restos de madera de pateras, vestimenta, calzado y de cuerpos. Día a día iban apareciendo cuerpos de inmigrantes fallecidos, hasta 23 cadáveres, en un goteo dramático.

Durante los seis meses siguientes el artista fue recogiendo restos de naufragios en esa playa y documentándolos con fotografías, dibujos y textos. Producto de esa vivencia y con el material que iba recopilado, principalmente maderas rotas, de colores vivos o desgastadas por el mar, comenzó a elaborar las obras que componen la exposición.

El eje central de este proyecto es la pieza Hope and Pain (Esperanza y Dolor). Una instalación compuesta por 23 cruces en forma de aspa de diversos tamaños confeccionadas con restos de pateras devueltos por el mar. 

 

Podrían ser miles de cruces, se han contabilizado casi 8.000 muertos en treinta años en la Frontera Sur, pero Montijano ha escogido el 23 para que no sea simplemente un número frío y distante. Quiere visibilizar y subrayar una tragedia, pero también humanizarla, más allá de los datos o cifras que nos insensibilizan. Esas cruces, una por cada persona fallecida en el naufragio del 5 de noviembre, remarca su ausencia real, como símbolo de todos los migrantes que han fallecido y seguirán muriendo intentando llegar a Europa.

En palabras del artista: “Hope and Pain, es el fruto de un proceso reflexivo y maduro de investigación. No son obras de digestión fácil, es un proyecto duro. Para su elaboración he dedicado un año, seis meses en Cádiz y otros seis en mi estudio en Málaga. Son unas piezas cargadas de energía, porque están hechas con objetos reales, con una historia muy dura detrás. Hablan de valentía, de dolor, de esperanza y de supervivencia y, a veces, de falta de empatía y de poca humanidad. 

En un momento en el que el arte tiende cada vez más al decorativismo y a la superficialidad, reivindico el papel comprometido del artista. El artista como cronista de su tiempo, aunque sea un aguafiestas. Siempre he creído en el arte como herramienta social, planteo un trabajo que invita a pensar, una obra que no está ideada para que cuelgue en el salón de nadie, ni para obtener muchos likes en las redes sociales”.

Marc Montijano no plantea su trabajo desde el buenismo, ni la candidez. Es un problema que no tiene soluciones fáciles. Con piezas como La frágil memoria del privilegiado o 23 almas, obras que podrán verse en la muestra, nos habla de la falta de empatía y personifican una tragedia, para alejarnos de la frialdad de los números. Esta exposición nos acerca a todas las personas que intentan llegar a Europa por la frontera sur y, en general, a todos los emigrantes que tienen que abandonar su tierra forzados por las duras circunstancias económicas, sociales o políticas en todo el mundo. Algo que, por nuestro pasado, deberíamos entender especialmente bien en España. E incluso por nuestro futuro. Si se cumplen las predicciones, “tal vez pronto todos seamos migrantes climáticos”, como ha escrito el artista en una de las obras que integran la exposición.

El arte en vivo se instala en Málaga de la mano de JM Galería y Marc Montijano

JMGalería presenta JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa. 

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería. A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual. 

No sólo se trata de performances en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El live art es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales. 

Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la performance, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la performance o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”. 

JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería. La primera performance que lleva por título Santa Águeda en el burdel, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano. 

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

La exposición 'Brancusi' en el Centre Pompidou Málaga

La exposición Brancusi presenta toda la diversidad de la obra del artista a través de la selección de un centenar de fotografías, negativos y grabaciones, así como algunas esculturas y dibujos. La presentación de estas obras, todas ellas pertenecientes a la colección del Centre Pompidou, se ha dividido en cinco partes: la figura de Brancusi, su taller, el diálogo entre la forma en bruto y la forma lisa, lo orgánico y finalmente un homenaje a La columna sin fin. 

De origen rumano, parisino de adopción y nacionalizado francés al final de su vida, Constantin Brancusi (1876, Hobita – 1957, París) destaca como uno de los artistas más singulares de su generación. A pesar de trabajar solo, sin asistente, el artista no se encuentra aislado de los creadores de su época: cuando se muda a París en 1907, se hace íntimo amigo de personalidades de la talla de Erik Satie, Marcel Duchamp, Tristan Tzara o del fotógrafo Edward Steichen, además de frecuentar, de manera regular, a las bailarinas contemporáneas Lizica Codrano o Florence Meyer.

Sensible a las artes no occidentales, así como a las artes tradicionales rumanas, el artista ha ido combinando, sin cesar, algunas de estas referencias con la expresión más moderna de la escultura. La obra completa de Brancusi, repleta de estas confluencias, sorprende por su aparente simplicidad, y es ahí donde reside el misterio, el genio y la modernidad de este artista artesano.

Ya en 1914, Brancusi dice no estar satisfecho con las reproducciones fotográficas de sus obras, por lo que decide ser él mismo quien tome sus propias fotografías. En los años 20, Man Ray lo ayuda a instalar una cámara fotográfica en su taller y a perfeccionar sus métodos de revelado, iniciándolo también en la técnica de la filmación. Cámara en mano, Brancusi siempre ha jugado con las luces y sombras que emergen al impactar la luz en las superficies de sus obras.

Moviéndose alrededor de las esculturas, graba todos sus ángulos, para inmortalizar los “grupos móviles”, esas efímeras configuraciones de esculturas y pedestales en el taller. De cada negativo, Brancusi realiza al menos dos revelados –a veces hasta una veintena-, con diferentes tamaños o encuadres. Muchas de sus fotografías en realidad son fotogramas que obtiene a partir de la película expuesta.

Del mismo modo que las esculturas y el taller son los principales temas fotográficos y fílmicos de Brancusi, también hace de modelo para sus obras muy a menudo. Se filma mientras trabaja, con su mono blanco, dentro y fuera del taller, despeinado, recubierto de yeso o de polvo.

Brancusi aparece como la encarnación del artista-artesano-obrero, perfectamente consciente y actor de su imagen. Abre su taller a su amplio círculo social, compuesto de artistas (Man Ray, Tristan Tzara, Amedeo Modigliani, Barbara Hepworth, Marcel Duchamp, etc.), músicos, bailarinas, escritores o coleccionistas. 

El ambiente, entre las obras, es siempre acogedor. Comen platos sencillos de comida tradicional preparados por el artista, que no duda en ofrecer intermedios musicales acompañado a veces por su amigo Erik Satie.

Brancusi

Comisarios: Julie Jones y Philippe-Alain Michaud

Fechas: del 21 de marzo al 24 de junio de 2018.

Lugar: Centre Pompidou Málaga

Dirección: Pasaje Dr. Carrillo Casaux (Muelle Uno), Puerto de Málaga, España 

http://centrepompidou-malaga.eu/

Entrega de Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2016

Los reyes de España han presidido en Málaga el acto de entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes correspondientes a 2016 celebrado en el Centre Pompidou Málaga.

Los reyes de España han presidido en Málaga el acto de entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes correspondientes a 2016, que reconocen a las personas y entidades que han destacado de modo eminente en el campo de la creación artística, prestando servicios señalados o fomentando notoriamente la enseñanza, el desarrollo y difusión del arte o la conservación del patrimonio artístico nacional. 

Al acto, al que también han acudido el ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo; la presidenta de la Junta, Susana Díaz; el presidente del Parlamento andaluz, Juan Pablo Durán; el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; y el presidente de la Diputación, Elías Bendodo, ha sido celebrado en el Centre Pompidou Málaga.

Los premiados con las Medallas de Oro en esta ocasión han sido el diseñador de moda Lorenzo Caprile; los actores José Coronado y Ricardo Darín; la cantante Gloria Estefan; el guitarrista flamenco José Fernández 'Tomatito'; la Fundación Duques de Soria de Ciencia y Cultura Hispánica; el bailarín Rafael Amargo; el cocinero Pedro Subijana; el matador de toros Julián López 'El Juli'; la actriz y directora teatral Magüi Mira y el director de museos Guy Philippe Henri Lannes de Montebello; el Orfeón Pamplonés; la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico Helena Pimenta; la pianista María Martha Argerich; el editor Manuel Borrás; la arpista María Rosa Calvo-Manzano; el director del Festival de Jazz de San Sebastián Miguel Martín; el diseñador industrial Miquel Milà i Sagnier; la poeta Julia Uceda, el editor y promotor cultural Leopoldo Zugaza; y, por último, a título póstumo, el cantante de jota José Iranzo Bielsa, 'Pastor de Andorra'.

Estas medallas corresponden al año 2016, está previsto entregar en la segunda mitad de 2018 las correspondientes al pasado año, entre las que se encuentra, a título póstumo, la otorgada al malagueño Gregorio Sánchez, “Chiquito de la Calzada”.

Stephan Balkenhol en el CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ha presentado (del 19 de enero al 22 de abril de 2018), Stephan Balkenhol, título de la muestra comisariada por Fernando Francés. Más de una treintena de esculturas conforman la exposición, una selección de los trabajos más significativos realizados en los últimos años por el artista alemán. Balkenhol, que lleva más de diez años sin exponer en un museo en España, utiliza la madera como material principal para crear sus personajes cotidianos, manteniendo en sus esculturas las marcas del proceso de la talla directa. La aspereza del desbaste contrasta especialmente en el juego de texturas de su obra. Un peculiar silencio acompaña a los personajes tan característicos y aparentemente comunes de Balkenhol. El artista crea una realidad propia que el espectador trata de descubrir.

Los personajes de Stephan Balkenhol (Fritzlar, Alemania, 1957), generalmente hombres y mujeres anónimos, con frecuencia se dejan ver de pie y vestidos de forma corriente. Sus posturas y apariencia son triviales, mudas y también misteriosas. Elementos tan caprichosos como la posición de las manos, la altura de los hombros o la inclinación de la cabeza se convierten en las claves ocultas que sugieren la relación de estas figuras entre sí y con el espectador. Artista figurativo muy vinculado a los cánones minimalistas, muestra sus personajes cotidianos, sus animales, solitarios o en grupo, y le caracteriza una forma especial de “tallar” la realidad. Busca todas las posibilidades de la escultura figurativa, pero siempre bajo un camino, línea o estilo coherente con su pensamiento. Las huellas, como las virutas, siguen siendo visibles: no se alisa y pule, sino que la superficie permanece viva y abierta.

Balkenhol trabaja la madera desde su infancia. Eligió este material por su facilidad a la hora de ser manipulado, además es liviano y puede trabajarlo de manera independiente, sin necesidad de un equipo, algo impensable a la hora de manejar otros materiales como la piedra o el hierro. La pintura consigue que se olvide hasta del propio material y hace que las esculturas aparenten ser más reales y vivas. Recientemente utiliza la en la mayoría de sus obras madera de wawa para crear sus personajes cotidianos, suele mantener en sus esculturas las marcas del proceso de la talla directa. Juega especialmente con las texturas, sobre todo contrastando la aspereza del desbaste con la finura del pulido. Son maderas astilladas, heridas con las marcas de la herramienta y en las que vemos la huella del proceso de creación. Maderas policromadas en las que el color ayuda a delimitar las formas.

Entre sus referencias: la historia del arte, el cine, la fotografía, la sociedad, la religión, la cultura, la muerte, el sexo, los animales, las imágenes icónicas y legendarias, etc. Cualquier aspecto que incida en la formación del ser contemporáneo tiene cabida en su repertorio de ideas y reflexiones. Sin embargo, hay un común denominador en su trabajo, en su pensamiento y en su obra: el hombre actual. Balkenhol eleva a la máxima consideración la idea del hombre común, del ciudadano de a pie, solitario, relajado y hierático al tiempo.

Balkenhol crea figuras arquetípicas sin individualidad, hombres y mujeres comunes, como Großer Mann mit weißem Hemd und schwarzer Hose (2014) donde un hombre ataviado con camisa blanca y pantalones negros posa su mirada pérdida en el público. Esta figura masculina se repite de forma constante en su trabajo. En la exposición, también se muestran Mann auf Halbkreis (2017), en el que el título hace referencia a la base sobre la que se encuentra la escultura, un semicírculo, “Halbkreis” siempre entendida como parte misma de la obra. En Mann in zwei Kreisen (2017), la figura masculina queda enmarcada dentro de dos círculos, en esta ocasión la figura humana queda minimizada, y la base que parece sustentarla ahora, cobra casi todo el protagonismo como una arquitectura que lo envuelve.

Estas peanas pasan a formar parte de la obra, que solo tienen sentido si se entienden como una unidad junto a la escultura. El motivo nunca queda por encima del material, crea realidades sin que el material caiga en el olvido. Los pedestales ayudan a mostrar la pieza a una cierta altura en el espacio, no tiene intención de aislamiento jerárquico, ni de crear una especie de podio heroico. Ejemplo de ello, la escultura que se expone en el exterior del museo desde su apertura, Moving Man 2 (2002), en el que tres partes forman una escalera, como un basamento hasta llegar a la figura. Otro ejemplo Mann auf schwarzem Würfel (2017) en esta ocasión, la figura desnuda de un hombre, aparece sentada sobre un cuadrado negro a modo de pedestal, le sirve de ambas cosas, como lugar donde sentarse y descansar y como base de la propia escultura, como en anteriores ocasiones, teniendo la misma importancia que la obra en sí. De igual manera, el busto de la mujer Weibliche Büste auf Sockel (2011) queda sustentado por una silla.

Su producción es ingente, el artista alemán puede realizar hasta cien esculturas por año. Entre las treinta y tres obras que componen la muestra, también acompañan la exposición siete obras planas de madera o bajorrelieves. El tipo de relieve predominante en su obra, es el de un panel de madera del que talla sus figuras, dejando la parte posterior del panel como fondo, lo que resulta un efecto altamente pictórico. En Man with fishes, (2017), Relief fliegender Mann (2017) o Relief Mann vor vier Häussern (2017), se aprecia una característica nada común en la obra de Balkenhol. Si para el artista es de suma importancia la relación de la obra en sí con el entorno para poder completarse, en esta ocasión aparecen escenas en la misma obra. Una narración, donde el protagonista vuelve a ser la figura humana del hombre de pantalón negro y camisa blanca, bien nadando en un mar negro entre peces, volando entre las nubes o paseando por una geométrica ciudad, conectada por pasos de peatones. Otros relieves como Man with green shirt (2017), o Relief Mann blauer Hintergrund (2017) tienen apariencia de fotografías de identificación de una persona, por el plano que Balkenhol ha elegido y por la actitud callada, familiar y distante al mismo tiempo de cada una de ellas.

La forma de tratar el material y de concebir el espacio por su mentor Ulrich Rückriem, supuso una gran influencia en su obra. El artista cree que algunos de los credos estéticos de su tutor se han convertido en parte de su trabajo, aunque de manera diferente. Este aspecto inacabado se aprecia en casi toda la obra de Balkenhol, como por ejemplo en el vestido de Frau in Robe (2017).

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La Fundación Picasso ha presentado hoy 'Waldemar - George. Escritos sobre Picasso (1921-1946)'

El director de la Agencia Pública para la gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso José María Luna, ha presentado hoy Waldemar George. Escritos sobre Picasso (1921-1946). El libro consiste en una edición bilingüe a cargo de Carlos Ferrer del centro de Documentación de la Fundación Picasso Museo Casa Natal, que recopila dos monografías y ocho artículos del crítico de arte sobre el genio malagueño. A través de los textos, su autor explora en la figura de Picasso, basculando entre el halago y la crítica. Este título se incluye en la colección Textos Recuperables, editada por la Fundación Picasso, que desde 2007 recoge en sus publicaciones diferentes aspectos sobre la vida y la creatividad del artista. 

En sus primeros artículos, Waldemar – George ensalzaba la figura del pintor malagueño, al que llegó a definir como un genio, aunque más tarde, al no encontrar un patrón fijo en su obra por el afán de libertad y exploración del propio artista, comenzó a ser más ácido en sus escritos y a criticar parte del trabajo del artista. No obstante, el propio giro que tomó el autor en sus últimos años de trabajo, le relegaron a un segundo plano en el mundo artístico y editorial. 

El libro se divide en dos monografías: Pablo Picasso (1924) y Picasso. Dibujos (1926) en edición bilingüe. Los ocho artículos son: Libros de arte. Picasso (1921), Picasso y la crisis actual de la conciencia artística (1929), La Pasión de Picasso (1930), Grandeza y decadencia de Pablo Picasso (1930), Los cincuenta años de Picasso y la muerte de la naturaleza muerta (1931), Aut Caesar aut nihil. Al margen de la exposición de Picasso en las Galerías Georges Petit (1932), El arte de Picasso no es francés (1946) y El affaire Picasso (1946), disponibles en español y francés. 

Waldemar – George 

Waldemar – George es el seudónimo de Jerzy Waldemar Jarocinski (1893–1970), uno de los críticos de arte más influyentes en Europa durante los años veinte. Además de sus artículos publicados en los diarios y revistas de mayor tirada, fue el autor de numerosas monografías de artistas como Chagall, Matisse, De Chirico y el propio Picasso. En aquella época, Waldemar - George se erigió como uno de los líderes de opinión, pero también su crítica ácida le hizo ganarse algunos enemigos en el entorno artístico.

'The Bearles vs The Rolling Stones'. Fotografías de Terry O’Neill y Gered Mankowitz en La Térmica

Hubo una época no muy lejana, allá por el principiar de los años 60, donde Londres era el centro del mundo de la rebeldía juvenil. O, mejor, Londres era el lugar donde se erigieron los iconos juveniles de dos maneras de estar en el mundo diciéndole no me gusta lo que tienes guardado para mí: una más irónica, amable y emocional, y otra más rabiosa, desafiante y sexual. Los iconos no eran individuos sino grupos, como los equipos de fútbol. Hoy siguen siendo las principales referencias en el mundo de la música pop & rock contemporánea: Los Beatles y Los Rolling Stones. De la importancia de sus comienzos y el contexto donde surgieron hubo algunos fotógrafos, jóvenes como ellos, que dejaron constancia. Esta exposición es una oportunidad de ver cómo dos fotógrafos ingleses fueron inmortalizando el nacimiento de algunos de los personajes más famosos y conocidos de la Historia contemporánea.

La exposición 'The Beatles vs. The Rolling Stones', una muestra comisariada por la prestigiosa crítica de arte, curadora y escritora Cristina Carrillo de Albornoz, recopila fotografías realizadas por Terry O´Neill y Gered Mankowitz. Ambos fotógrafos británicos están considerados grandes fotógrafos contemporáneos cuyo éxito se fraguó en los años 60 en Londres, siendo testigo de cómo esta ciudad se convertía en la capital mundial de la cultura y la moda juvenil. La exposición reúne principalmente imágenes de los comienzos de los dos míticos grupos, aunque también recoge algunas instantáneas de los trabajos posteriores de O’Neill y Mankowitz.

Al igual que los protagonistas de sus instantáneas, ambos fotógrafos fueron pioneros en lo suyo: O’Neill fue el primero en fotografiar a los Beatles y a los Rolling Stones al comienzo de sus carreras musicales publicando el material en prensa. Gered Mankowitz, uno de los más famosos fotógrafos de toda la historia del r&r, fue asimismo uno de los que más contribuyó a crear la imagen peligrosa asociada a la banda de Jagger, Richards, Jones, Wyman y Watts con la portada del mítico álbum Between the Buttons.

Terry O’Neill asegura que las tres reglas imprescindibles de un fotógrafo son: “ser invisible, tener paciencia y saber combinar la discreción y relaciones públicas”. Le ha valido un éxito indiscutible plasmando imágenes espontáneas y cercanas. Durante la muestra, además, se proyectará diariamente en vídeo el documental “Eight days a Week”, un trabajo de Ron Howard nominado y ganador de varios premios este año (grammy, bafta, satellite awards…) que recoge los primeros años de la carrera del grupo de John, Paul, George y Ringo desde sus comienzos en el pub The Cavern de Liverpool hasta la actuación que hicieron en 1966 en San Francisco.

Además en la muestra se incluyen proyecciones de los documentales Charlie is my Darling – Ireland 1965 de Mick Gochanour, sobre The Rolling Stones, (ABKCO Films,Music & Records) y The Beatles: Eight days a week de Ron Howard (A Contracorriente Films). 

THE BEATLES VS. THE ROLLING STONES. FOTOGRAFÍAS DE TERRY O’NEILL Y GERED MANKOWITZ

Del 10 de noviembre de 2017 hasta el 18 de junio de 2018 , en La Térmica.

Avenida de Los Guindos 48, Málaga, España.

Más información: http://www.latermicamalaga.com

Rubén Guerrero en el CAC Málaga hasta el 28 de enero

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presentó el pasado 10 de noviembre Familias mínimas (Rojo, amarillo y azul), título de la muestra comisariada por Fernando Francés. En la exposición, diez pinturas explorarán el espacio pictórico como asunto de reflexión centrándose en conceptos como el marco, el soporte o los extremos. La pintura del artista andaluz Rubén Guerrero (Utrera, Sevilla, 1976), es anti-narrativa, construye arquitecturas imposibles y engaña al ojo mediante trampantojos. Con cada capa crea una opacidad donde representa imágenes de lugares, construcciones, números y letras. Crea un mundo intuitivo, paralelo al mundo real y tangible donde lo lleno y lo vacío se intercambian. Frente a sus obras, el espectador debe decidir si se encuentra ante el anverso o el reverso de la realidad.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “la obra de Guerrero se caracteriza por un organizado trabajo de capas de color superpuestas en pinceladas espesas, con una trama dividida. Interesado por las posibilidades del proceso creativo, cada obra de Guerrero tiene su condición individual y se defiende por sí misma. Estas renuncian a la representación del espacio, no son cuadros “ventana”. Interesado por ese punto donde coinciden la realidad figurativa y la propia realidad de la superficie del cuadro, es un artista muy minucioso y puede estar una larga temporada con la misma obra, cambiando pequeñas parcelas hasta que alcance la perfección que necesita para que considere la obra como finalizada. Toda ella está llena de trampas de pintor, de trucos para crear múltiples vías de escape a la interpretación desde planos inusuales y realidades inverosímiles”.

La muestra que se exhibe en el CAC Málaga en el Espacio Proyectos (del 10 de noviembre de 2017 al 28 de enero de 2018); tiene unas claras nociones de recapitulación. Esta exposición es una oportunidad para Rubén Guerrero de presentar de forma más clara los motivos y referentes más representativos que han sido una constante en su obra en los últimos años. Estas “Familias” de motivos se pueden aglutinar en varios grupos: por un lado, estructuras pseudo arquitectónicas como S/t (a(b(c))) (2015) o S/t (la medición) (2016); por otro, pliegues como S/t(la mitad de lo que ves) (2016) o Composición con amarillo P.M. (2015) y paramentos, más herméticos y que cierran casi completamente la superficie representada como S/t (línea de área) (2015) o S/t (bucchi trasversale) (2014). De ahí el nombre de la exposición Familias mínimas (Rojo, amarillo y azul).

Guerrero ha creado desde hace años un archivo de imágenes que nunca deja de aumentar, donde reúne documentos de una realidad fragmentaria que, una vez han llamado la atención del artista convencido de su fuerza como promotores del proceso creativo, son manipuladas digital y manualmente para luego ir conviviendo y relacionándose con otras, apareciendo y desapareciendo en el proceso compositivo y transformándose. El artista recopila en su obra con la libertad más absoluta los aspectos más diversos y más contradictorios, contraponiendo estructuras formales que amplían con una metáfora el universo del artista. Construye un mundo intuitivo, paralelo al mundo real y tangible. El espacio pictórico de Guerrero es a la vez palpablemente físico y profundamente psicológico, proviene de una observación arraigada en la experiencia personal.

Sus imágenes intercambian lleno y vacío, componen realidades fragmentadas que trasladadas a las dos dimensiones, construyen una realidad paralela en la que cada plano se compone de cientos de capas, realidades y materia. Para Guerrero los valores de la pintura son todos los parámetros que se extraen de su lectura, la propia idea del planteamiento previo, la confrontación frente al espectador, además de la ejecución de la misma.

Diversas son las referencias que ha ido tomando en sus obras como fuentes, recursos de aprendizaje y resolución de problemas, de expresiones como las derivadas del Mínimal, del Hard Edge o del Pop. Además, son muchos los artistas con los que ha compartido cierta afinidad en algún momento de su carrera, desde los pintores flamencos hasta artistas actuales como Heimo Zobernig, Richard Aldrich, Raoul de Keyser o Daniel Buren, quién hace confundir el motivo con el fondo de la obra, idea que fue el hilo conductor en su trabajo. En este contexto surge la idea de Buren de utilizar la línea como “herramienta visual”, que en su acción repetitiva y regular sitúa a la pintura en un grado cero, la convierte en una imagen neutra y anti-narrativa. Es así como desde 1965, Buren utiliza telas rayadas para crear cuadros que le restan a la pintura todo su contenido narrativo. La tensión entre sentimiento y sensación, expresividad e inexpresividad, entre la voluntad del artista por eliminar su rastro y el interés del espectador por perseguirlo, son un hecho sobre el cual discurre la obra de Rubén Guerrero. En adición, algunos autores han definido su pintura como una lógica desdoblada que bascula sin principios ni finales entre lo abstracto y lo figurativo, aunque el artista se sienta más cercano a la figuración.

Más información: http://cacmalaga.eu

IV Taller Experimental sobre Picasso

El Taller Experimental de Investigación sobre Picasso es un proyecto del Centro de Documentación de la Fundación Picasso que se propone incentivar el trabajo intelectual en torno a la figura del artista malagueño. Se trata de una actividad dinámica, abierta y en proceso, en la que se pretende profundizar en el conocimiento de Picasso y la recepción de su obra a lo largo del siglo XX, proporcionando las herramientas necesarias para formular nuevas ideas y conclusiones. Con el apoyo de la Biblioteca de la Fundación, se ofrecerá un material documental especializado para que los participantes puedan revisar con espíritu crítico interpretaciones anteriores y sugerir nuevos puntos de vista.

METODOLOGÍA

El formato busca crear un grupo de trabajo capaz de colaborar hacia unos resultados individuales y de conjunto, aportarle la motivación y ofrecer la posibilidad de una publicación online que será visible en la web de la Fundación Picasso.

El plan de trabajo partirá de unas conferencias iniciales y un reparto de material documental –bibliografía, lista de temas propuestos, textos, etc. – que será objeto de estudio; y acabaremos con un debate a modo de mesa redonda donde se propondrán las conclusiones y posibles líneas de investigación futuras.

La asistencia a las conferencias es libre hasta completar aforo, con prioridad para los participantes en el Taller. Cualquier persona interesada en inscribirse a la actividad completa –que consistirá en la presentación de un trabajo para su debate en la última sesión y su posterior publicación en la página web de la Fundación Picasso– debe dirigir su petición a biblioteca.fundacionpicasso@malaga.eu, especificando sus datos personales y un breve currículum. El número de participantes en el Taller es limitado y se responderá a la mayor brevedad posible. Los trabajos seleccionados serán incluidos en una publicación en línea, alojada en la página web de la Fundación.

PROGRAMA

Martes 17 de octubre – Auditorio Centre Pompidou Málaga *

17:00. Conferencia: Transfiguraciones. Picasso y La flauta de Pan, por Eugenio Carmona, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga, crítico de arte y comisario de exposiciones.

18:30. Mesa redonda: Warburg y Freud: la melancolía como espacio de pensamiento en la obra de Picasso, propuesta de Javier Cuevas del Barrio, investigador y profesor del Departamento de Historia del Arte de la UMA , y posterior debate con Eugenio Carmona y Carlos Ferrer Barrera.

Miércoles 18 de octubre – Auditorio Centre Pompidou Málaga

17:00. Conferencia: En busca del Minotauro. De la Antigüedad griega a Picasso, por Fátima Díez Platas, profesora de la Universidad de Santiago de Compostela e investigadora principal del proyecto Biblioteca Digital Ovidiana.

18:30. Conferencia: Picasso-Orfeo. Claves para una regeneración de la identidad del artista (1925-1937), por Carlos Ferrer Barrera, Doctor en Historia del Arte y documentalista de la Fundación Picasso.

Martes 14 de noviembre – Casa Natal de Picasso

17:00. Presentación de conclusiones. Debate en torno a las propuestas.

* Al estar cerrado el Centre Pompidou el martes 17 de octubre, las puertas se cerrarán a las 17:15, por lo que toda persona que quiera acceder a la sesión tendrá que hacerlo antes de esa hora.

CERTIFICADO

Se emitirá una acreditación de aprovechamiento (10 horas). Para ello será obligatoria la asistencia a todas las sesiones y la presentación de un trabajo escrito, susceptible de ser publicado.

Más información: http://fundacionpicasso.malaga.eu/

El Museo Carmen Thyssen Málaga revisa la segunda etapa del cubismo con Juan Gris y María Blanchard

El Museo Carmen Thyssen Málaga ha presentadosu nueva exposición temporal Juan Gris. María Blachard y los cubismos (1916-1927), en la que se analiza la segunda etapa que vivió el cubismo, creado por Picasso y Braque entre los años 1906 y 1914, a través de la obra de artistas como Juan Gris, referente indiscutible del giro experimentado por este movimiento artístico a partir de 1914 hasta finales de los años veinte; y María Blanchard, la gran desconocida del grupo de artistas que dieron lugar al nacimiento de esta vanguardia, cuyo papel principal quiere destacar esta muestra.

La exposición, que podrá visitarse desde el 6 de octubre hasta el próximo 25 de febrero de 2018, ha sido presentada por el vicepresidente de la Fundación Palacio de Villalón y alcalde de la ciudad, Francisco de la Torre; el patrono de la Fundación Palacio de Villalón Guillermo Cervera; la directora general adjunta de la Fundación Bancaria ‘la Caixa’, Elisa Durán; y el presidente de la Fundación Cajasol, Antonio Pulido. Acompañados por los comisarios de la muestra Eugenio Carmona, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga; y Lourdes Moreno, directora Artística del Museo Carmen Thyssen Málaga.

El visitante tiene la oportunidad de acercarse y conocer de primera mano esta ‘segunda vida’ del cubismo a través de una exposición con un relato inédito compuesta por más de 60 obras, entre pinturas, esculturas, dibujos y documentos, estructurado en tres secciones comienza con un diálogo entre Gris y Blanchard, a través de numerosos ejemplos sobresalientes de su pintura sintética, geométrica y plana.

La exposición Juan Gris, María Blanchard y los cubismos, muestra “la complejidad de la obra de Juan Gris y, por ello la complejidad del cubismo y de la propia modernidad artística”, señala el comisario de la muestra, a la vez que añade que “en los medios artísticos cubistas se asumía que Gris tenía capacidad para reformular la experiencia cubista. Antes de que estallase la Primera Guerra Mundial el milieu cubista originario se estaba disolviendo”.

“Este ‘segundo cubismo’ es comprendido en el presente como uno de los grandes capítulos de la modernidad artística, aunque hasta fechas relativamente recientes no había sido bien conocido, ni bien comprendido, pues no se llegaba a captar su propuesta por la imposición dominante del paradigma del arte abstracto absoluto”, explica Carmona, que además indica que “hoy se considera que, en este momento Juan Gris, Jacques Lipchitz y María Blanchard desarrollaron sus aportaciones fundamentales al arte moderno”.

“Siempre se ha incidido en las relaciones entre este segundo cubismo y los años de la Primera Guerra Mundial, pero nosotros desbordamos este marco y reunimos un cubismo ‘expandido’ que se adentra en los años veinte y que aparece implicado de lleno en la renovación cultural española anterior a la Guerra Civil”, afirma.

El recorrido de la exposición comienza con un diálogo entre Gris y Blanchard entre los años 1916 y 1918. Etapa en la que el artista madrileño alcanza la cumbre en su pintura sintética, geométrica, plana y pura, convirtiéndose en un indiscutible referente del giro experimentado por el cubismo; y en la que Blanchard, en plena madurez creativa, aporta un estilo personal, dinámico y colorista.

Más información: www.carmenthyssenmalaga.org

Francisco Leiro en el CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presentó el pasado 6 de octubre Leiro, título de la muestra comisariada por Fernando Francés sobre el artista Francisco Leiro. Entre esculturas y dibujos, la exposición reúne más de cuarenta obras del artista gallego más internacional que puede visitarse hasta el 7 de enero de 2018.

“Un tronco de árbol es el fuste del árbol. Es la columna. La columna es un árbol y la columna es un hombre y el hombre es el árbol. La madera es un ser vivo y la hay de colores como los hombres [...] y la hay blanda o dura, como los hombres [...]”, declaraba Leiro sobre el binomio entre madera-escultura y su relación con el hombre. “Mis esculturas giran en torno al cuerpo humano y generalmente son narrativas. En algunos casos se acercan a las fábulas y narraciones populares. También hago interpretaciones desacralizadas de temas mitológicos o religiosos”.

Para Fernando Francés, Francisco Leiro “es claramente uno de los firmes ejemplos de cuando el arte es compromiso con la vivencia y el pensamiento autobiográfico. Leiro se compromete, se empapa de la realidad, de las masacres, de las injusticias, de los asesinatos, de la desmesurada violencia que existe para trasladarlo a sus esculturas, donde nos encontramos, queriéndolo o no, con la cruda realidad, personas muertas apiladas, inocentes que reciben palizas, trabajadores que recogen restos humanos del suelo, o limpian un desastre causado por los propios hombres”.

Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957) formó parte en la década de los setenta del grupo surrealista Foga, acentuándose en estos momentos en su escultura la mezcla de elementos surrealistas y de una figuración más lánguida que mostraba la parte más sarcástica de la condición humana. En estos años, celebrará su primera exposición individual en la Sociedad Cultural de Cambados en 1975, con tan solo dieciocho años. A comienzos de los 80 participó en la última exposición colectiva de Atlántica. Surgió no como un movimiento, sino como un grupo de personas que pretendían “discutir el país”, y que protagonizaron un cambio de dirección en el arte español.

A finales de los 80 se traslada a Nueva York y su trabajo se dinamiza hacia un cada vez mayor interés en la abstracción de la figura y el cuerpo. En los noventa se producirá una progresiva desaceleración de elementos oníricos, la imaginación se pone al servicio de resultados más formales que efectistas o narrativos y va abriendo el camino hacia los cambios producidos en el 2.000, donde se impone un ritmo más atento a la realidad.

Entre las exposiciones de Francisco Leiro cabe destacar: Francisco Leiro. Human Resources, Marlborough Gallery, Nueva York, EE.UU. , 2013; Retaule, Palau de la Música Catalana, Barcelona (2008); Wit & Whimsy, Marlborough Gallery, Nueva York, EE.UU. 2007; Diálogos de Silencio, Dag Hammarskjold Plaza, Instituto Cervantes, Nueva York, EE.UU., 2005; Francisco Leiro, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Palacio de Cristal, Madrid, 2004; Francisco Leiro. Museo de Arte Moderna da Bahía, 2004; Francisco Leiro. Marlborough Chelsea, Nueva York, EE.UU., 1997. Su obra está presente en colecciones de todo el mundo: Akron Art Museum, Ohio, EE.UU., Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela, Colección Fundación La Caixa, Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo, Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, Valladolid o el Museo Marugame Hirai, Kagawe, Japón. También ha participado en las ferias de ARCO, a la que asiste desde 1986 todos los años), Art Basilea y FIAC de París.

Más información: http://cacmalaga.eu

El CAC Málaga presenta el vídeo Children’s Crusade del artista austriaco Markus Schinwald

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el vídeo del artista austriaco Markus Schinwald titulado Children’s Crusade, 2004. El Espacio 5 del centro acoge esta obra que puede visionarse hasta el 5 de noviembre de 2017. Children’s Crusade, 2004 describe el fenómeno del histerismo de masas a través de una marioneta creada por el artista que es seguida por un grupo de niños cantores totalmente aturdidos.

La obra de Markus Schinwald (Salzburgo, Austria, 1973) es interdisciplinar, abarca la danza, el teatro, el vídeo, la pintura, la performance y la escultura. El trabajo del artista austriaco está muy influenciado por los mitos, el psicoanálisis y por la propia Historia del Arte. Su obra es amplia y se centra en diferentes significados tanto culturales como sociales, tomando siempre como referencia el cuerpo humano. Este estudio del cuerpo tiene como fruto la perfección de sus famosos personajes que expresan tristeza o enfado, interés o abandono, o simplemente nada, una falta total de emociones.

El vídeo expuesto Children’s Crusade, 2004, de 2’30’’ minutos de duración, se inspira en el cuento popular de El flautista de Hamelín. En la proyección de Markus Schinwald se aprecia una ciudad contemporánea, donde una marioneta trajeada (obra del artista) pasea por la ciudad mientras sus expresiones faciales van cambiando. Mediante una intervención en su cara, se aprecia una ventana que gira mostrando los sentimientos de la marioneta. Un grupo de niños persigue a este extraño personaje a través de ciudades, llanos, bosques, mientras cantan la pieza de Benjamin Britten Opus 82 (Children’s Crusade). Schinwald escoge para su obra la versión original de la leyenda, en la que el flautista por venganza, dirige a los niños al agua, donde morirán ahogados como las ratas. Así, el último fotograma que el artista muestra en el vídeo es un óleo de pinceladas muy gruesas que muestran un mar agitado.

La Cruzada de los niños es un tema que a Schinwald siempre le ha interesado. La Cruzada Infantil o Cruzada de los Niños fueron una serie de acontecimientos reales y ficticios sucedidos en 1212, tras la Cuarta Cruzada de 1202-1204. Existen muchos testimonios contradictorios y los hechos reales son aún objeto de debate entre los historiadores. Investigaciones recientes demuestran que existieron dos expediciones o desplazamientos de personas (de todas las edades) en 1212 en Alemania y Francia, cuya similitud pudieron inspirar a los cronistas para elaborar el mito. Para el artista, ciertos detalles de las diferentes versiones coinciden con precisión, mientras las otros no lo hacen, creando una especie de “hueco" que le interesó. Entonces unió el “cuento histórico” con el mito de El flautista de Hamelín, ya que se encuentran muy cercanos demográfica y cronológicamente. Children’s Crusade, 2004, describe el fenómeno del histerismo de masas. Macabro y, al mismo tiempo, sumamente delicado. Las obras de Markus Schinwald siempre tienen un fuerte efecto psicológico que intriga a quien lo observa, originando preguntas sin respuesta.

Schinwald ha expuesto de manera individual en la Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, Francia, 2016; Magasin III, Estocolmo, Suecia, 2015; CCA Wattis Institute for contemporary arts, San Franscisco, California, Estados Unidos, 2014; La Triennale di Milano, Milán, Italia, 2014; M museum Leuven, Leuven, Bélgica, 2014; CAPC, Burdeos, Francia, 2013; Palais de Tokyo, Paris, Francia, 2013; Gallery Yvon Lambert, Paris, Francia, 2012; La Conservera Centro de Arte Contemporáneo, Murcia, España, 2012; Gallery Gió Marconi, Milán, Italia, 2012; Lentos Museum, Linz, Austria, 2011; Kunstverein Hannover, Hannover, Alemania, 2011; Yvon Lambert, New York, Estados Unidos, 2010; el Kunsthaus Bregenz, Austria, 2009; en el Hall of Art, Budapest, Hungría, 2009; Migros Museum of Contemporary Art, Zúrich, Suiza, 2008; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Viena, Austria, 2007; Museo de arte de Aspen, Colorado, EEUU, 2006 Y Frankfurter Kunstverein, Fráncfort, Alemania, 2004. Además de sus marionetas son muy conocidas las obras pictóricas y grabados antiguos que interviene sumándoles máscaras, vendas y todo tipo de artefactos metálicos que parecen joyas ortopédicas que le dan un toque inquietante a la obra. Sus trabajos se encuentran en numerosas colecciones internacionales, como en la Tate Modern de Londres, Musée d'Art Moderne, París, Kunsthaus en Zúrich, Museo de Israel en Jerusalén y en el MUMOK de Viena. Representó a Austria en 2011 en la 54 edición de la Bienal de Venecia.

Más información: http://cacmalaga.eu/

Danielle van Zadelhoff en el CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga muestra Relatos del alma hasta 15 de octubre. La exposición reune cincuenta y cinco fotografías de Danielle van Zadelhoff que revelan la extrema sensibilidad que la caracteriza en su primera exposición en España, donde puede apreciarse sus fotografías existencialistas y de temática religiosa. Influenciada por los pintores del Renacimiento y el Barroco como Rembrandt, Caravaggio o Murillo, van Zadelhoff se centra en el claroscuro, el contraste entre la luz y la sombra. La artista emergente holandesa cuida cada detalle mostrando la luz que incide en los cuerpos y las miradas que retrata, consiguiendo que los personajes de sus obras miren en lo más profundo del espectador, descubriendo lo que parecen sus propias almas, pero que, en realidad, se trata del alma reflejada como en un espejo de la fotógrafa.

El trabajo de la artista neerlandesa se basa en el existencialismo de Sartre, Simone De Beauvoir o Willem Frederik Hermans, todos ellos, autores que la artista ha estudiado y leído. Cree firmemente, que cada persona es única, responsable de sus propios actos y del sentido personal que le da a su vida.

Los retratos de Danielle van Zadelhoff están marcados por la inspiración y el misticismo. Recuerdan a los retratos flamencos al óleo del s. XVII. El gran entendimiento del dilema de la humanidad es capturado por las cámaras y presentado por la fotógrafa. Danielle quiere mostrar las emociones de los humanos. Para ella, el arte es algo tan habitual y normal como el respirar, algo que puede parecer simple a primera instancia, pero que realmente si reparamos en todo lo necesario para respirar, además del aire, los músculos y órganos que toman parte, caemos en la cuenta en que es un hecho nada sencillo. Su fotografía es sencilla y compleja a la vez, y sus modelos no usan apenas maquillaje ni ella utiliza Photoshop para el retoque de los mismos.

Danielle retrata su personalidad, su forma de ser, sus preocupaciones y sus obsesiones. Su trabajo tiene una cualidad autobiográfica verdaderamente excepcional, tienen mucha importancia tanto el modelo como la idea de un autorretrato a través de un modelo distinto al autor. Prepara los vestidos y los peinados con la pretensión de distanciar el momento temporal del retratado. Trabaja de una manera muy instintiva, se fija en una persona que le dé buena sensación y después, intenta captar su espíritu.

Relatos del alma se divide principalmente en fotografías de temática religiosa, por un lado, y de sentimientos por otro. Pero, las fotografías de temática religiosa no solo representan personajes bíblicos, sino que Danielle retrata los sentimientos de los mismos. Admite que su trabajo está influenciado claramente por la religión, y es que ella estudió en un colegio protestante y pasaba mucho tiempo con su abuela, de religión católica.

Sus personajes nos exponen, bien con sus gestos o sus posturas, las diferentes emociones que la fotógrafa ha querido retratar. El rostro humano es capaz de expresar una inmensa gama de emociones y sentimientos mediante diminutas acciones musculares, la mayoría de las cuales son involuntarias y corresponden a emociones efímeras. Hasta las emociones extremas de júbilo, ira o dolor, se expresan espontáneamente, y es muy difícil fingirlas de modo convincente. Los pintores académicos del s. XIX habían aprendido a observar los efectos de la luz sobre rostros vaciados en yeso, por lo que era habitual entre ellos pintar los modelos vivos partiendo de ideas preconcebidas sobre la luz. Quizá en muchos casos el convencionalismo pictórico pasará desapercibido, pero cuando el artista intentaba un retrato al exterior aparecían a menudo discrepancias entre las convenciones de la iluminación de la cara y el efecto aparentemente natural de la luz sobre el paisaje. La percepción del rostro humano en la vida diaria implica a menudo muchas fuentes de luz simultáneas. De igual modo, el retratista puede enfrentarse a un motivo iluminado desde múltiples puntos. Ello producirá una plétora de sombras proyectadas y tal vez complique la representación de los volúmenes en determinados rostros.

Para Danielle, el huevo es el origen de la vida. En Fragility, 2016, la primera foto de una serie, la modelo está tratando de proteger el huevo, y en la segunda fotografía está tomando distancia de él. Por fin, la tercera imagen muestra que el huevo está roto. De esta manera, Danielle, quiere mostrar que en este mundo no se puede proteger nada, no se puede evitar que sucedan las cosas, como es inevitable perder a los seres queridos. Todos necesitamos aprender el difícil arte de dejar ir las cosas.

Para Danielle, el uso del retrato y la escena es una disculpa para explorarse a sí misma, para filtrar sus opiniones y sus dudas, sus deseos y sus aspiraciones, lo que hace que sea la misma artista quien se autorretrate en cada una de esas escenas. Recuerda vagamente al transformismo de Cindy Sherman que se convierte en su propio alter ego, a la manera duchampiana de Rrose Sélavy. El origen de su teoría artística se acerca más al de la artista Louise Bourgeois que impregna con sus preocupaciones, inquietudes, ideas, sentimientos y deseos cada una de sus esculturas. De ahí que la temática principal de Relatos del alma sea la mujer, mujeres del pasado, y las preocupaciones de la mujer del presente, de la propia artista. 

Danielle van Zadelhoff nace en 1963 en Amsterdam, Países Bajos. Ha realizado exposiciones individuales en Persmuseum, Amsterdam, Países Bajos en 2014; “From deep within” en Fotogalerie Utrecht , Países Bajos en 2014; “From deep within” NUNC Contemporary Antwerpen, Bélgica en 2015 o Memling museum St Janshospitaal, Brujas, Bélgica en 2016. También ha participado en exposiciones y proyectos de manera grupal en London design museum UK “Fear and Love Reactions to a complex world” en 2016 y próximamente en CRAF Udine Italy Woman and photography, Údine, Italia en septiembre de 2017.

Comienza la cuenta atrás para Art & Breakfast 3

Dentro de una semana, las habitaciones del céntrico hotel Room Mate Larios se volverán a convertir en la sede principal de la Feria Internacional de Arte Emergente Art & Breakfast, cuya tercera edición se celebrará del 9 al 11 de junio en Málaga.

Tras reunir a más de 3.000 personas en sus ediciones anteriores, el evento organizado por la empresa Factoría de Arte y Desarrollo con la colaboración del Área de Cultura del Ayuntamiento de Málaga se ha convertido en un referente del arte joven e independiente de todo el país. Su finalidad es revitalizar el mercado del arte, el intercambio de experiencias y fomento del trabajo en red entre gestores culturales, galeristas, comisarios y artistas de todas las disciplinas. En esta ocasión, el artista invitado será el malagueño José Luis Puche.

Art & Breakfast/3 incluye un amplio programa de actividades que se desarrollarán tanto en la sede principal (el hotel Room Mate Larios) como en distintos espacios e instituciones culturales de la ciudad, entre ellos el Museo Carmen Thyssen, el Centre Pompidou Málaga, la Colección del Museo Ruso, Museo Picasso Málaga, y el Ateneo.

Una de las actividades principales de la feria es Breakfast Meeting, unas jornadas formativas y de fomento del emprendimiento en el entorno artístico y cultural, además de un espacio para el intercambio y presentación de productos artísticos y culturales generados por los integrantes del tejido cultural más joven de la ciudad. Esta programación incluye entre otros el taller infantil ‘Arte jurásico’ dirigido a niños de 5 a 8 años e impartido por el artista Carlos Alberto Domínguez Vega; un taller de lettering a cargo de Estudio Santa Rita, y diversos workshops sobre cultura innovadora enmarcados en el Málaga Innovation Festival que se celebrará paralelamente en el Palacio de Ferias y Congresos de la capital.

Esta agenda se completa con la performance El Demiurgo a cargo del artista Marc Montijano y diferentes talleres, conferencias, mesas redondas, encuentros profesionales, visitas culturales y fiestas. Como novedad este año, formarán parte del equipo de gestión de la feria los alumnos del Curso de Experto en Gestión Cultural de Factoría de Arte y Desarrollo. Asimismo, realizarán varias intervenciones artísticas los alumnos de la Facultad de Bellas Artes y de la Escuela Superior de Arte Dramático. También en el marco de Art & Breakfast/3, la profesora de la Universidad Nebrija, Marta Pérez Ibáñez, y el artista y profesor de la Universidad de Granada, Isidro López Aparicio, presentarán su libro La Actividad Económica de los/las Artistas en España, un exhaustivo estudio sobre la realidad del sector del arte contemporáneo en nuestro país en el que han participado más de un millar de creadores.

Marc Montijano retoma su vía más poética con la performance Celebratio vacuum

Marc Montijano (Vic, Barcelona, 1978), retoma su vía más poética con la performance Celebratio vacuum (La celebración del vacío), en la Galería JM de Málaga, planteando una reflexión sobre los mecanismos que rigen el mundo del arte y los artistas. 

Tres modelos yacen tumbados en el suelo de la galería, rodeados de cuerdas y con la cabeza cubierta por un saco, acurrucados unos junto a otros. Al lado de este grupo una modelo de pie, con la misma estética, permanece inmóvil observando un cuadro del artista Matías Sánchez (Tübingen, Alemania, 1972). Sobre la espalda de este último personaje, Marc Montijano ha escrito seis palabras: “Arte, cicatrices, alma. Arte, veneno, burdel”. Finalmente el propio artista toma una silla, previamente ha distribuido unas cuerdas que le unen al grupo a modo de cordón umbilical, y se sienta frente a su obra y observa en silencio el resto de la performance, de la que también pasa a formar parte.

Como ocurre casi siempre, el público en primer lugar enmudece, imbuido en el ambiente creado con la performance. Una belleza perturbadora con la que este artista nos insinúa otra realidad. Poco a poco comienzan a pasear, miran desde la distancia, susurran en voz baja y se convierten irremediablemente en parte de la acción, completando el significado y dándole sentido a esta Celebratio vacuum. Como ha indicado Montijano: “La acción se llama ‘la celebración del vacío’ porque hago una reflexión sobre el universo de vanidades, totalmente absurdo, en el que nos movemos demasiadas veces en el mundo del arte. Una reflexión de la que no me excluyo, soy tan culpable de sus miserias como cualquiera”.

En sus últimos trabajos, el artista ha expresado su visión sobre el mundo del arte en diversas ocasiones. Este proyecto está vinculado con la acción Please, don’t feed the artist (Por favor, no den de comer al artista), que llevó a cabo en el Museo de Jaén en 2016, pieza en la que a través de una mirada irónica hacia una crítica al sistema del arte español, totalmente precario. Pero nada es tan simple, en el mundo simbólico de Montijano, todo tiene una segunda e incluso una tercera lectura. Como dice el artista: “hay que escarbar un poco si quieres entender verdaderamente algo. Obviamente hablo del arte y de los artistas, pero también de la sociedad en general y del materialismo que la domina. Bajo mi punto de vista ‘La celebración del vacío’, podría ser el lema de nuestra sociedad”.

Un elemento que cada vez va tomando más protagonismo en el trabajo de Marc Montijano es la palabra escrita. En numerosos proyectos aparecen frases o textos completos. En esta ocasión es el modelo el que sirve de lienzo, en el que ha plasmado seis palabras que nos dan la clave del significado de esta acción. Para el artista es un proceso natural y lógico: “Lo destacable de mi trabajo son las ideas, que siempre elaboro por escrito, por ello la palabra para mí tiene tanta importancia. Esta performance surge de una poesía, normalmente el origen de toda mi obra son lecturas y textos que escribo”.

La performance, de una hora aproximada de duración, ha tenido lugar el 27 de mayo de 2017, en la galería JM de Málaga, España.

Aquí murió Picasso, de Eugenio Merino

FUENTE: LOS INTERVENTORES.

El artista Eugenio Merino instala en Málaga una capilla ardiente del pintor como crítica al turismo de masas.

Merino consigue escenificar lo que los turistas desean ver, un espejismo que llena un vacío biográfico. Se trata de una ficción deseada. La figura hiperrealista que expone Merino supone una recreación de la figura yacente del genio malagueño. El visitante, como el turista que asistía a la morgue parisina a finales del siglo XIX, contempla la muerte de cerca, aunque esas visitas se situaban en escenarios reales, ¿no era en realidad un escenario recreado para el visitante? En toda escena preparada para ser observada hay un cierto contenido de ficción que poco se diferencia de la escena de museos como el de cera de Madame Tussauds, o los de ciencias naturales con sus animales disecados componiendo escenas, ¿Acaso no es más auténtico lo verdaderamente falso que lo aparentemente verdadero?

Señala Estrella de Diego, que el turista desea encontrarse con la realidad, mezclarse con la gente y los acontecimientos reales, en cambio la realidad habitualmente es otra, su experiencia no es más que una puesta en escena de una falsa realidad. Turistas chinos en comprando figuras de flamencas fabricadas en serie en China, una caseta de la Feria de Abril sevillana creada para turistas. Lo que las guías turísticas recomiendan no es más que un escenario donde los nativos se comportan ante los turistas de una forma falsamente auténtica. Se establece así un conflicto entre lo real y lo auténtico. El hiperrealismo de la pieza de Merino pone en énfasis ese conflicto.

Aquí murió Picasso es una reflexión, desde la ironía, sobre los efectos del turismo en la ciudad de Málaga. Una atracción más que da respuesta a lo que el turista desea ver, analogía de la ciudad de Málaga que se transforma en función de lo que necesitan.

En los últimos años la capital de la Costa del Sol ha dado paso al llamado turismo cultural, partícipe de la industria turística, que no es más que una clara representación de la cultura de masas. Aquí murió Picasso añade un punto más en el mapa de esa ruta cultural, un punto que señala la nueva fisonomía de la ciudad, sobre los nuevos recorridos turísticos y el souvenir como moneda de cambio del parque temático.

El proyecto se convierte aquí en un reflexión crítica sobre la cultura de masas y la industria cultural. El turista o consumidor de la cultura de masas, pretende aprehender la esencia de Picasso en una postal, un llavero o una alfombrilla para el ratón con la imagen del artista o su obra. Una reproducción mecánica que, siguiendo a Walter Benjamín, mataría cada día a Picasso y a su obra. Así la visita a la tumba supone una oportunidad para hacerse un selfie con Picasso, para añadir uno más a la colección de hitos o celebridades capturados en sus viajes.

La postal, el folleto informativo y el souvenir en forma de imán de nevera son los elementos esenciales en la hecho turístico que completan la instalación de Merino en la Alianza Francesa.

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Una experiencia espectacular, la ruta que te lleva desde el nacimiento del genio malagueño a su muerte. De suelo español a suelo francés sin cambiar de ciudad. La Alianza Francesa, con la obra de Eugenio Merino, completa la oferta turístico cultural en torno a la figura de Picasso. El artista que nació en Málaga y murió en Mougins, descansará en la Alianza Francesa de Málaga. El visitante será guiado por un relato continuo, un recorrido por el escenario que conforma una historia.

Horario: de 10:00 a 13:30 y de 16:30 a 19:30h (Sábados de 10:00 a 13:30)

Lugar: Calle beatas, 36

04 de mayo – 28 de julio

Alianza Francesa de Málaga

Más información: www.losinterventores.com/aquimuriopicasso/

Una mirada al último medio siglo del realismo español en el Museo Carmen Thyssen Málaga

El Museo Carmen Thyssen Málaga ha presentado su nueva exposición temporal La apariencia de lo real. Cincuenta años de arte realista en España (1960-2010), en la que se propone un cruce de miradas entre el realismo español de la segunda mitad del siglo XX y la tradición naturalista del Barroco y el realismo del XIX.

La muestra, que puede visitarse hasta el próximo 10 de septiembre, está compuesta por un total de 54 obras organizadas en cuatro secciones: Naturalezas vivas, Realidad figurada, Luces interiores y A pleno sol, la exposición recoge piezas de pintores y escultores realistas españoles de tres generaciones consecutivas que se confrontan a las de artistas de los siglos XVII, XVIII y XIX. Se trata de un grupo heterogéneo de creadores y el panorama mostrado recoge la riqueza del realismo como corriente estética, con propuestas personales muy diversas, desde el realismo, la figuración, el realismo mágico, el hiperrealismo o el fotorrealismo, estableciendo a su vez interrelaciones con obras del pasado.

“Este hecho nos permite mostrar lugares comunes del realismo contemporáneo con la tradición”, afirma la comisaria de la muestra y directora Artística del Museo, Lourdes Moreno, que añade que “para evidenciarlo hemos provocado un diálogo con maestros que han inspirado a los realistas contemporáneos”. “Es sugerente y enriquecedor encontrar obras alejadas por más de trescientos años en las que se observa una sorprendente cercanía, y otras que demuestran una profunda renovación, a partir de la premisa de que el arte realista tiene que ser testigo de su época”, destaca.

En este sentido, se encuentran, en un primer lugar, los denominados ‘Realistas de Madrid’, grupo en los que se integran nombres como Antonio López, Francisco López Hernández, Julio López Hernández, María Moreno, Isabel Quintanilla y Amalia Avia. A ellos se suma el chileno Claudio Bravo, perteneciente a su misma generación; artistas nacidos en los años cuarenta como Cristóbal Toral y Eduardo Naranjo, y los que lo hicieron en la década de los cincuenta, representados por Gerardo Pita, César Galicia y Manuel Franquelo, siendo la primera vez que Pita y Galicia exponen con el resto de artistas seleccionados.

Entre los pertenecientes al siglo XVII español, se recogen pinturas de los autores Miguel de Pret, Francisco Zurbarán, Juan van der Hamen y Juan de Arellano; a los que se suman Luis Meléndez y Alonso Miguel de Tovar del siglo XVIII. Mientras que del siglo XIX, se han elegido para la muestra obras de Bartolomé Montalvo y Pere Borrell del Caso. El conjunto expositivo se completa con los artistas internacionales Jacobus Vrel y Eduard Gaertner.

En la temática del bodegón, el realismo actual recupera la naturalidad de lo cotidiano, frente a la tradición que mostraba composiciones sencillas pero con una disposición de los objetos artificiosa. Es el caso de las obras de Zurbarán, Juan van der Hamen o Juan de Arellano, en el siglo XVII o de Luis Egidio Meléndez en el siglo XVII. Excelentes ejemplos de naturalezas muertas de la mejor tradición del barroco español o seguidoras de ella. Frente a una gama cromática oscura, la del pasado, algunos pintores actuales muestran una paleta clara y llena de luz. “Es el reino de la luz, a partir de los blancos, en el caso de Antonio López o Eduardo Naranjo, aunque en el mundo de los grises habitan las obras de Franquelo o César Galicia, unidos en un tema de bodegón más urbano con influencia americana”, señala Moreno.

En el apartado de Naturalezas Vivas, los pintores del barroco español utilizan recursos que consiguen el efecto de engañar al espectador, con unas composiciones sobrias y austeras, en las que se presentan utensilios y viandas de la vida doméstica. Mientras que en la sección de Realidad figurada, las reminiscencias de la tradición clásica utilizadas por los realistas de la generación de los años 30 están muy presentes. Es el caso de Francisco López Hernández, con su ‘Niña sentada’, que presenta evocaciones del periodo helenístico, o de Antonio López, con su atemporal escultura ‘Hombre’.

Por su parte, en el apartado de Luces interiores se pueden apreciar los juegos de perspectivas que muestran el espacio doméstico, el lugar vivido, huyendo del interior hacia el exterior o no mostrando nada. La presencia humana, imprescindible en los interiores del pasado, se ausenta en los pintores contemporáneos. Por último, en el apartado A pleno sol se puede contemplar como los realistas españoles han sabido incorporar las representaciones del paisaje y las panorámicas urbanas tan poco frecuentes en la tradición española.

Las obras utilizadas para esta exposición provienen, además de la colección de la baronesa Carmen Thyssen, del Museo del Prado, Museo Thyssen-Bornemisza, Museo Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y el Museo Nacional d’Art de Catalunya, entre otros prestadores institucionales y particulares, tanto españoles como internacionales.

Más información: www.carmenthyssenmalaga.org/exposiciones-temporales

Aprenda Picasso en cuatro lecciones en la Fundación Picasso-Museo Casa Natal

Pablo Ruiz Picasso es el autor de obras tan célebres como Las Señoritas de Aviñón, Guernica y otros símbolos mundialmente conocidos como la paloma de la paz. Encabezó algunas de las vanguardias como el cubismo, el retorno al orden o el surrealismo. Pero, ante todo, fue un referente cultural a lo largo del siglo XX.

Hijo del pintor académico y profesor de dibujo José Ruiz Blasco, las enseñanzas de su padre marcaron su formación inicial. Sin embargo, el joven Picasso descubriría pronto otros caminos hacia una revolución pictórica. Su inmensa producción artística se caracteriza por su extraordinaria capacidad metamórfica para adaptar nuevos aspectos técnicos y formales a las necesidades de cada momento. Su obra plagada de mujeres, arlequines, guitarras cubistas, acróbatas, toros y faunos aportó una nueva visión que cambió el rumbo de la historia del arte y amplió su horizonte sin dejar de lado sus orígenes.

Estas cuatro lecciones impartidas por el Dr. Carlos Ferrer Barrera, permitirán profundizar en la figura de Picasso en todas sus dimensiones, desde su trayectoria pictórica hasta otras importantes facetas como la de ceramista, escultor, grabador, ilustrador o escritor.

APRENDA PICASSO EN CUATRO LECCIONES

Salón de actos de la Casa Natal de Picasso, Málaga. 5 - 6 de abril de 2017

Impartido por Carlos Ferrer Barrera

Doctor en Historia del Arte y documentalista en la Fundación Picasso

- Miércoles 5 de abril (17:30-20:00 h)

17:30 La obra de Picasso (I). Infancia y juventud de un creador (1881-1906).

De Málaga a París, pasando por La Coruña, Madrid y Barcelona, los primeros pasos del pintor estuvieron bajo la influencia de su padre, José Ruiz Blasco. Pero pronto logró superar las imposiciones académicas en busca de lenguajes propios, más libres y modernos, que le llevarían a sus etapas azul y rosa.

18:20 Preguntas y comentarios.

18:30 La obra de Picasso (II). Revolución artística y consolidación (1907-1924).

La estancia en Gósol del verano de 1906 fue clave en la búsqueda de formas de expresión diferentes que desembocarían en el cubismo y, más tarde, en una vuelta -más- al clasicismo que Picasso siempre tuvo presente.

19:40 Preguntas y comentarios.

- Jueves 6 de abril (17:30-20:00 h)

17:00 La obra de Picasso (III). Surrealismo, Guernica y última época (1925-1973).

A la bifurcación cubismo-clasicismo se añade una tercera vía con las influencias surrealistas. Comienza un periodo de exploración introspectiva que le llevará al Minotauro, su principal alter ego. Su compromiso por la paz se acentúa con obras como Guernica, el Monumento a los españoles muertos por Francia o Masacre en Corea. Los homenajes a Velázquez, Delacroix o Manet, las escenas mitológicas y otras surgidas de un imaginario mítico propio, como el mosquetero, centrarán su último periodo creativo.

18:20 Preguntas y comentarios.

18:30 Picasso creador total: escultor, grabador, ilustrador, ceramista y escritor.

En paralelo a su trayectoria como pintor, Picasso demostró conocer todas las técnicas aunque a veces hiciera un uso poco ortodoxo de estas. Guiado por su capacidad investigación, logró derribar los límites que las propias disciplinas habían asumido durante siglos de tradición y aportar su sello distintivo a la escultura, el grabado, la ilustración e incluso la literatura.

19:40 Preguntas y comentarios.

Actividad libre y gratuita hasta completar aforo

Incripción previa: biblioteca.fundacionpicasso@malaga.eu