jueves, 29 de mayo de 2014

30 años de Metrópolis


'Metrópolis', el espacio que La 2 de TVE dedica a las vanguardias artísticas desde hace 30 años, conmemora su aniversario con una exposición que repasa los principales hitos de las tendencias culturales de las últimas tres décadas. Apoyándose en el archivo documental del programa, la muestra da cabida a las artes plásticas, escénicas y audiovisuales en una gran videoinstalación comisariada por la propia directora de 'Metrópolis', María Pallier. La inauguración se ha celebrado hoy en la sede de la Fundación Canal en Madrid, y ha contado con la presencia de Manel Arranz, director de La 2.

Manel Arranz ha destacado que, treinta años después, “'Metrópolis' sigue con fuerza en una cadena que rema a contracorriente y que no participa en la liga de las audiencias”. Para el director de La 2, el espacio se constituye como “un servicio público de televisión, pensamos en los ciudadanos que no viven en las grandes ciudades con una amplia oferta cultural”.

La directora de 'Metrópolis' y comisaria de la exposición, María Pallier, ha definido al programa como “un espacio concebido para una inmensa minoría”, y ha dado las “gracias a todas las personas que en estos 30 años han hecho de 'Metrópolis' un programa digno de ser expuesto”.

'Metrópolis' ha sido un testigo privilegiado de las vanguardias artísticas y uno de los foros más respetados del panorama artístico internacional. A lo largo de sus treinta años de existencia, el espacio de La 2 ha contado la historia del arte reciente en sus más de 1.100 programas y casi 600 horas de emisión.

A través de esta exposición, se puede realizar un viaje por las tendencias culturales de las últimas tres décadas en las artes plásticas, escénicas y visuales, con una selección de obras y entrevistas a los artistas nacionales e internacionales más relevantes de cada momento. Disciplinas como videoarte, videodanza, videoperformance, videoinstalación, videoescultura, clip musical, cortometraje de ficción, animación, fotografía, pintura o escultura, entre otras, tienen cabida en la muestra.

'Metrópolis, 30 años de vanguardia' es una coproducción de RTVE y la Fundación Canal. Comienza con un espectacular montaje en el que la información sale al encuentro del visitante, que se adentra en una videoinstalación compuesta por tres proyecciones dobles de gran tamaño en las que se muestra la evolución de las vanguardias artísticas desde 1985 a 2014.

La exposición ofrece también terminales de navegación, donde el visitante puede acceder, de forma individual, a un centenar de programas completos de 'Metrópolis', de los que proceden los fragmentos que componen la instalación.

Además, en una sala de proyección, un cortometraje documental repasa la historia del programa a través de entrevistas a los cuatro directores que ha tenido en estos treinta años (Alejandro Gómez Lavilla, de 1985 a 1991; Marina Collazo, de 1991 a 1998; Alina Iraizoz, de 1998 a 2008; y María Pallier), que comparten con el visitante sus momentos favoritos de 'Metrópolis', y testimonios de numerosos expertos.

La exposición se completa con doce obras que han sido creadas expresamente por sus autores para el programa o como homenaje a él, y que reflejan la complicidad que se ha ido estableciendo entre el espacio y sus protagonistas. Entre estos, artistas de la talla de Daniel Canogar, Carles Santos, Marina Núñez, Enrique Marty, Txuspo Poyo o Suso33, que ha realizado en vivo 'Tiempo de exposición', una acción pictórica en la fachada de la Fundación creada expresamente para la muestra.

www.fundacioncanal.com/

Jonathan Hammer "Crypto"


¿Qué ocurre cuando se apagan las luces? El mundo de la infancia es también el mundo de las pesadillas. ¿Son ositos de peluche o monstruos? ¿Planetas o canicas? ¿Y quién es ese caballero de brillante armadura,… un amigo o un enemigo? ¿Qué ocurre “después de clase”, cuando llega el momento de hacer frente a la noche, de dormir, de adentrarnos en los sueños, abandonado ya nuestro cuerpo?

"Mi interés por los juguetes, payasos y monstruos no remite directamente a la infancia", declara Jonathan Hammer, "lo que realmente me fascina es la intensidad de los valores que depositamos en estos objetos e imágenes. Una muñeca o un peluche son algo "que amamos profundamente". Adoramos a ese juguete, y lo maltratamos. Lo abrazamos, y lo asesinamos. Al igual que el payaso, inocente y amenazador a la vez, los juguetes son alternativamente víctimas y verdugos. Son malévolos. Se transforman en monstruos cuando se les quiere demasiado. Y, sin embargo, estos monstruos también nos hacen entusiasmarnos y estremecernos: nos encanta la excitación y los escalofríos que nos provoca el temor ".

"Crypto", la quinta exposición de Jonathan Hammer en la Galería Fúcares de Madrid, aborda estos temas –el miedo y la excitación, el amor y la repulsión– con una iconografía sutil y sensible, elegante y provocadora. Las técnicas artesanales utilizadas por el artista, como el trabajo en porcelana o la marquetería con cuero, atraen al espectador y le guían a través de ese pacífico mundo de violencia, refinamiento absoluto y pesadillas.

Lo que subyace bajo la piel del adulto, ya civilizado, es la pérdida de la infancia. Lo que se revela podría ser lo que está, obviamente, oculto y encriptado: la circulación de la sangre, lista para derramarse. La metamorfosis de la vida.

Jonathan Hammer nace en Chicago en 1960. En 2003 se traslada a vivir a España, continuando su carrera en galerías y museos de Estados Unidos, México, Europa y Japón. Entre sus últimas exposiciones figuran las realizadas en Salon Vert, Komoro (Japón), Miyako Yoshinaga Gallery de NY o Rebecca Ibel en Ohio. Sus obras se encuentran en muchas de las mejores colecciones públicas y privadas, como las del MOMA de NY, Hammer Museum de Los Angeles, San Francisco Museum of Modern Art, Whithney Museum. Colección Jumex, México DF, Bernardaud Foundation, de Paris, la Fundacion Pilar i Joan Miro o Khalili Family Trust, Londres.

La galería Fúcares presenta “Crypto”, la quinta exposición individual de Jonathan Hammer en su espacio de Madrid. La muestra puede visitarse del 24 de mayo al 26 de julio de 2014.

sábado, 24 de mayo de 2014

Marina Abramovic en el CAC Málaga

Estamos preparando una crónica exhaustiva de la exposición Marina Abramovic. 'Holding Emptiness'. Como aperitivo incluimos un extracto del texto publicado en Homines.com sobre la muestra:

Marina Abramovic (Belgrado, Yugoslavia, 1946), es ante todo una performer. Su dilatada carrera se inició a comienzos de los años 70, más concretamente en 1972 cuando comenzó a utilizar su cuerpo para explorar temas relacionados con el dolor y la resistencia física. Lleva a sus espaldas infinidad de acciones, y aún sigue activa. Recientemente se ha descrito a sí misma como la ‘Abuela del arte de la performance’.


Abramovic utiliza elementos de su biografía y los convierte en situaciones mentales fundamentales a la vez que los exagera y dramatiza. Su cuerpo es su ‘material’ y, junto con el espacio que ocupa, forma lo que ella denomina su ‘campo de representación’. A menudo lleva su cuerpo y su mente más allá de los límites que se puede soportar.

La muestra que puede verse en el CAC Málaga, Holding Emptiness, se trata de la primera exposición antológica de esta artista en España. En ella se da un punto de vista nuevo de Abramovic, ‘no se trata de repetir exposiciones ya vistas, sino de crear una nueva lectura de la obra de Marina’, según ha declarado el comisario Fernando Francés.

Para ello se han expuesto algunos trabajos históricos con otros actuales, pero a modo de confrontación. En sus primeras obras exploraba la resistencia física, pero esto ha ido dando paso, con una progresión a lo largo de los años, a un punto más introspectivo, ahora explora los límites del alma, o como el propio título de la exposición indica ‘Sosteniendo el vacío’, que es difícil de captar.


Durante la presentación, Francés ha contado que conoció a Abramovic hace 11 años en Vejer de la Frontera y que desde entonces quería trabajar con ella, pero no fue hasta hace 5 que comenzó una larga andadura con galerías, coleccionistas y museos hasta conseguir traer al CAC a la artista serbia.

En la exposición se pueden ver fotografías de sus primeras performances, en blanco y negro, como Art must be beautiful, Artist must be beautiful (1975/2010), en la que aparece cepillándose el pelo de forma violenta, hasta hacerse daño, repitiendo la frase del título; o Rhythm 10 (1973/2010), que consistía en pasar un cuchillo entre los dedos, y cada vez que se cortaba, cambiaba de cuchillo, el acto se repetía varias veces con ayuda de una grabadora que registraba los sonidos.

Continuar leyendo el texto en: www.homines.com

jueves, 22 de mayo de 2014

Visitamos el estudio de Eugenio Merino gracias a ABC

FUENTE: ABC
El ipod dispara música rap. En el habitáculo del fondo, lo que era la oficina de un almacén de esta antigua empresa de construcción reconvertida ahora en el taller de Eugenio Merino (Madrid, 1975),Rebecca se afana con el rotulador, mientras Irati da los últimos retoques a la indumentaria de una escultura de Kim Jong-il. La idea es que al arrimarle a un potente foco de luz, se proyecte sobre la pareduna inmensa sombra del dictador norcoreano, que ridiculiza aún más la imagen que este tipo de personajes tienen de sí mismos. Fuera de este espacio, y entre plásticos que protegen de la emisión de vapores tóxicos (a los que Merino es alérgico), Miguel manipula disolventes para ensamblar un megáfono que acabará siendo parte de una pieza del artista... La idea romántica y prejuiciosa del creador solitario encerrado en un taller silencioso salta con esta descripción por los aires.

«Aquí trabajamos tres personas –explica Merino–. Yo soy el que plantea las ideas, aunque hemos llegado a tal punto de complicidadque en ese brainstorming participamos todos. No veo razón para que no sea así. Con Miguel Montoya llevo colaborando dos años. Es más que un amigo. Es una persona con la que se puede trabajar sin problema yluego te puedes ir de copas, algo capital en España, donde no hay dinero y, o te lo pasas bien con lo que haces, o no haces nada. Irati Musitu nos ayuda en la elaboración de los moldes para las esculturas, con los acabados finales, el vestuario, el pelo... Es una profesional de todo ello. Y ahora nos acompaña Rebecca Clark, una estudiante que ha llegado con una beca Leonardo y que va a estar aquí seis meses participando de todo el proceso. Es la segunda persona con la que trabajamos así. Y la experiencia está siendo tan positiva que tengo idea de ponerme en contacto con la Facultad de Bellas Artes para hacer algo similar».
Este es, pues, el lugar donde se modelan esas esculturas que tanta notoriedad han dado a nuestro protagonista: «Comencé trasteando en el garaje de mis padres –recuerda–. Entonces hacía lo que quería, porque el trabajo no tenía rentabilidad ninguna. Pero en cuanto comenzó a crecer el volumen de la obra, no me cabía nada. Entonces, me salió un proyecto para un coleccionista en Barcelona y me mudé. Allí tuve dos pequeños talleres, en Sans y en Sant Andreu, para sacar adelante el encargo específico que se me había encomendado. Pero fue un poco una locura, porque no podía separar las fases del trabajo, ytenía que ir todo el día con la mascarilla. Hace un año volví a Madrid y encontré este espacio. Este sitio está bien porque la zona acristalada –y los plásticos– evitan que el trabajo más engorroso contamine todo lo demás. En cualquier caso, no es aquí donde se realiza la labor más "sucia"».

Merino nos revela que hay un segundo taller en Tres Cantos, «con un espacio abierto estupendo para las labores más tóxicas y delicadas». Y que luego, hay algunas actividades «que no se pueden hacer ni en un estudio, ni en el otro, como son las que implican materiales como el bronce, que nosotros no controlamos». «Quizás en lo que más se tarda es en encontrar esa idea genial que termina convirtiéndose en una escultura –admite Merino–. Hay que estudiar todo mucho antes de dar el primer paso, porque va a suponer una gran inversión de dinero.Luego el tiempo de modelado me lleva unas dos o tres semanas, para que el parecido sea perfecto. A la realización de los moldes le dedicamos una semana larga y posteriormente quedan las labores de vestirlos, decolocarles el pelo, los acabados en silicona. Lo que sí tenemos muy claro es que no se realiza una escultura que no se sepa previamente que va a ser exhibida».

Continuar leyendo el texto: www.abc.es

jueves, 8 de mayo de 2014

¿Qué artistas proponer para #ARCOmadrid2015? ¡Esa es la cuestión!

La próxima edición de la feria volverá a centrarse en los artistas en todas las secciones y de nuevo dedicará espacios exclusivos para la presentación de proyectos individuales o en diálogo de artistas en el marco de la propuesta Solo/Duo.

En la edición de 2015, el Comité Organizador de la feria estará formado por: Josep Aloy, Polígrafa, Barcelona; Mira Bernabeu, Espaivisor-Galeria Visor, Valencia; Luciana Brito, Galería Luciana Brito, São Paulo; Pedro Cera, Galería Pedro Cera, Lisboa; Christopher Grimes, Christopher Grimes Gallery, Santa Monica, CA; Alex Mor, Mor·Charpentier, Paris/Bogotá; Iñigo Navarro, Galería Leandro Navarro, Madrid; Silvia Ortiz, Galería Travesía Cuatro, Madrid/Guadalajara; Guillermo Romero, Parra & Romero, Madrid, y Thomas Schulte, Galerie Thomas Schulte, Berlin.

Manteniendo su singularidad, la próxima edición de la Feria se constituirá de nuevo como un punto de encuentro entre galerías, comisarios, directores de instituciones y bienales, y coleccionistas. Un espacio que ofrecerá posibilidades para el intercambio de proyectos e ideas, siguiendo la línea de 2014 que contó con la presencia de más de 200 profesionales y 300 coleccionistas invitados. Lista de invitados profesionales de 2014 disponible aquí

Colombia será el país invitado con una selección de galerías realizada por Juan A. Gaitán y de nuevo con un programa de exposiciones y presentaciones en diversas instituciones de la ciudad. #ArcoColombia contará con el apoyo de la Embajada de Colombia en España y el Ministerio de Cultura de Colombia.

#Opening, la sección de galerías jóvenes, contará con la incorporación de Chris Sharp como comisario de la sección junto a Luiza Teixeira de Freitas. Este año, por primera vez, la sección contará con galerías españolas seleccionadas por los comisarios.

#SoloProjects se convierte en espacio de representación de la creación y el debate en torno al arte latinoamericano, bajo la dirección de Irene Hoffman y Lucía Sanromán, y la participación de otros comisarios y críticos latinoamericanos.

Las solicitudes para participar en la próxima edición de #ARCOmadrid2015 ya están disponibles en su web hasta el próximo 1 de julio.

ARCOmadrid 2015
25 Febrero - 1 Marzo

miércoles, 7 de mayo de 2014

Cristina Iglesias y Thomas Struth: On Reality

El próximo 28 de mayo se inaugurará en Ivorypress On Reality (Sobre la realidad), una exposición conjunta de los artistas Cristina Iglesias y Thomas Struth. La muestra, que forma parte del Festival Off PHotoEspaña, conjuga la fotografía y la escultura de estos dos autores.

La exposición On Reality, creada específicamente para Ivorypress, se centra en instalaciones que, a través del agua y los distintos materiales escultóricos de Iglesias, se alternarán en el espacio con las fotografías de Struth para configurar una reflexión sobre la realidad, la imaginación y las percepciones del ser humano sobre ambas.

Thomas Struth, uno de los principales fotógrafos de la Escuela de Düsseldorf, mostrará una selección de sus últimas obras en las que explora la fantasía humana y los iconos que crean el imaginario colectivo. Vistas panorámicas de parques temáticos o lugares donde se da forma y se comercializa la imaginación se convierten en el objeto de sus fotografías. “Quería repensar cómo funciona el proceso de la imaginación y la fantasía, cómo se hace realidad y se materializa algo que se ha construido en la mente de alguien”, señala el artista.

Otra de sus series fotográficas pone el foco en las empresas y centros donde se desarrolla la investigación científica y las tecnologías digitales que marcan la realidad actual. “La mayor parte de estas máquinas, herramientas y objetos son el resultado de la actividad de grupos cerrados, pese a lo cual nos afectan intensamente, sin que seamos siquiera capaces de verlas”, dice Struth. “El asombro ante lo que hemos creado se evidencia en mayor medida cuando uno toma una perspectiva general”.

Este análisis de la realidad y de la experiencia física también está presente en la obra de Cristina Iglesias, quien a través de ficciones escultóricas busca trasladar al público a otro lugar en la imaginación. De esta forma, sus instalaciones reestructurarán la galería en tres áreas. La primera de ellas estará realizada a base de un enmadejado de acero inoxidable trenzado y soldado que creará un espacio entre la pared y una serie de pantallas suspendidas del techo.

Así, se creará un pasadizo entre una parte de la obra de Thomas Struth y la siguiente instalación de Cristina Iglesias: una gran nave con ocho columnas, en la que el público encuentra un pozo de grandes dimensiones y un pabellón de cristal verde por el que corre agua bajo el suelo. “Formas abstractas se desarrollan representando un movimiento mayor que el del agua, que se mueve lentamente entre dichas formas, que a su vez construyen espacios imposibles en sus paredes espejadas”, explica la artista.

Tras atravesar la nave, el público llega a la última instalación de Cristina Iglesias donde se erigen dos pozos. Estas esculturas, recurrentes en la obra reciente de la artista, tienen paredes rígidas y en su interior una vasija de colores irisados recoge el agua y se llena lentamente, hasta desbordarse dentro del cubo neutro.

Esta exposición —que podrá visitarse hasta el próximo 12 de julio— es la primera muestra conjunta de los dos artistas y también la primera ocasión en la que ambos exhiben su obra en Ivorypress.

Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) estudió escultura en la Chelsea School of Art de Londres (1980–1982) después de ciencias químicas en San Sebastián (1976–1978). Recibió une beca Fulbright para estudiar en el Pratt Institute de Nueva York en 1988. En 1995 fue nombrada profesora de escultura en la Akademie der Bildenden Künste de Múnich y cuatro años más tarde fue reconocida con el Premio Nacional de Bellas Artes. En 2012 recibió el premio Große Kunstpreis Berlin. Ha representado a España en dos ocasiones en la Bienal de Venecia, además de en diversas bienales y exposiciones internacionales. Su obra se ha expuesto en varios museos en todo el mundo como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, la Whitechapel Gallery en Londres, la Pinacoteca do Estado de São Paulo y el Museo Guggenheim de Bilbao, entre otros.

Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) es uno de los fotógrafos contemporáneos más reconocidos internacionalmente. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf y comenzó su carrera artística como pintor, pero a partir de 1976 se decantó por la fotografía. A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios, entre ellos el Spectrum International Prize for Photography de 1997. El Museo Nacional del Prado acogió su exposición retrospectiva Making Time en 2007. Su obra se ha expuesto también en destacadas instituciones de todo el mundo como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Museum of Contemporary Art en Los Ángeles, el Carré d’Art en Nîmes, el Kunstmuseum en Bonn, el Institute of Contemporary Art en Londres o el National Museum of Modern Art de Tokio.

Lugar: Ivorypress Space, c/ Comandante Zorita, 48 (Madrid)
Fechas: Del 28 de mayo al 12 de julio de 2014

lunes, 5 de mayo de 2014

Entrevista a Fernando Bayona en Homines.com

Fernando Bayona González es un artista-fotógrafo sorprendente. Su obra, llena de magia y belleza, nace de una cuidada escenografía y una gran dedicación. Practica una militancia total del esfuerzo continuado como única manera de realizar su trabajo.

Su obra muestra una técnica sublime, con una impresionante puesta en escena, y lo que más llama la atención, hace una profunda reflexión sobre las relaciones humanas y la identidad del sujeto. Las fotografía de Fernando Bayona no se ‘toman’, se ‘crean’ a partir de las indicaciones, de la reflexión y del pre-trabajo que realiza el artista antes de disparar. Su obra es producto de un largo proceso de montaje y representa un concepto universal.

Nacido en Montizón, Jaén, en 1980. Fernando es licenciado en Bellas Artes por la universidad de Granada y Máster en Fotografía y Diseño Visual en NABA, Milán. Bayona ha ganado infinidad de premios y becas nacionales e internacionales.

Lo conocí hace unos meses en una inauguración colectiva en Málaga, en la que él participaba. Tan sólo hablamos unos minutos y me pareció una persona interesante, alguien a quien hay que conocer. Le propuse una entrevista y me dijo que cuando quisiera. Tardé algo en llevarla a cabo, pero aquí está.

Foto de ZebraAudiovisual Granada Fernando Bayona en el estudio en BilbaoArte, 2012 

- Sé que tus padres son agricultores y que hasta los 18 años viviste en un pequeño pueblo de Jaén, así que la pregunta es obvia ¿cómo surge tu vocación por el mundo del arte?

No surge, ya desde pequeño tuve muy claro que esta tenía que ser mi profesión. La verdad es que no sabría decirte de donde viene porque en mi familia no hay ningún antecedente.

-Tu formación y pasado como escultor se aprecia claramente en la producción de los ambientes que construyes, el tipo de composición o la iluminación, pero siempre se dice de tus obras que son pictóricas, ¿por qué no nos defines tú tu obra y así nos dejamos de suponer?

Soy mi peor enemigo y acabaría resultando pedante o patético en la definición de mi trabajo. Prefiero que sean los demás quienes lo hagan.

-Háblanos de tus primeras fotografías ¿cómo fue la transición entre lo documental a lo escenográfico?

Yo no lo veo como una transición sino como una evolución lógica. Considero que cada producción creativa se ha de adaptar a las necesidades del proyecto dejando de lado condicionantes estéticos impuestos por tu trayectoria anterior. De hecho las series en las que estoy trabajando actualmente tienen mucho de documentación, aunque el trabajo demese en scene hace que las obras cada vez más se encaminen a lo cinematográfico.

Continuar leyendo la entrevista en: www.homines.com
(Entrevista realizada por Susana Hermoso-Espinosa García y publicada en Homines.com el 29/04/2014)