Chema Madoz en la galería Elvira González

La Galería Elvira González inaugura el próximo 22 de enero la primera exposición individual en la galería del fotógrafo Chema Madoz. La muestra –que podrá visitarse hasta el 14 de marzo– se compone de 35 fotografías realizadas entre 2012 y 2014. Estas nuevas imágenes continúan en la línea de trabajo del artista que con sus fotografías en blanco y negro crea metáforas poéticas e inesperadas a partir de objetos cotidianos.

Con una larga trayectoria internacional, Madoz fue reconocido en el año 2000 con el Premio Nacional de Fotografía y ha sido protagonista de una de las muestras más destacadas en la edición de 2014 de Les Rencontres d'Arles (Francia), el festival de fotografía europeo de mayor relevancia internacional.

Chema Madoz (Madrid, 1958), comienza su andadura profesional en 1990 tras pasar por el Centro de Enseñanza de la Imagen de Madrid. LaReal Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985 y en 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes de Madrid inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus obras.

Es a partir de los años 90 cuando comienza a desarrollar su trabajo fotográfico con objetos de uso cotidiano como punto de partida para crear imágenes de carácter onírico y surrealista, característica constante en su obra hasta la fecha. “Por Madoz sabemos de cuántas vidas diferentes le hubieran podido aguardar a un fósforo o a una escalera si su destino no hubiera sido el de servir finalmente a nuestra necesidad de fuego o de vencer la gravedad”, describe el filósofo e historiador del arte Luis Arenas. “Todos esos mundos de Madoz son mundos improbables, ciertamente, pero no imposibles: ahí están ante nosotros para demostrarnos su realidad”.

A partir de entonces recibe diversos reconocimientos como el Premio Kodak en 1990 y la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto en 1993. La editorial Art-Plus edita en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995). Y en 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela realiza una exposición individual de su trabajo. Será ese mismo año cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual Objetos 1990 - 1999, que constituyó la primera muestra retrospectiva que este museo dedicaba a un fotógrafo español vivo.

Desde entonces ha expuesto en numerosas galerías y centros de arte a nivel nacional e internacional como la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, el Canal de Isabel II, el Centro Pompidou de París, el Netherland Photomuseum de Rotterdam, la Fundazione M. Marangoni de Florencia, el Museo de Bellas Artes de Caracas o el Fotofest de Houston, entre otros.

Su obra está presente en buen número de colecciones públicas y privadas como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Andaluz de la Fotografía, la Fundación Juan March, la Fundación Telefónica, la Fundación Coca-Cola, el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, el IVAM, el Ministerio de Cultura, la colección Fotocolectania en Barcelona y el Fine Arts Museum de Houston, entre otros.

www.elviragonzalez.es

Jacobo Castellano en F2 Galería

Homo Ludens representa la primera exposición que Jacobo Castellano realiza en F2 Galería. En ella se observa una evolución de su obra desde que a finales de los años noventa se da a conocer como artista: el hogar materno, los escenarios donde transcurrió su infancia, los objetos “inservibles” y desvencijados, pero para él llenos de vida (“los objetos tienen biografía”, dice el autor), y los recuerdos de la niñez, conformaron el magma de su proceso creador.

Evolución ésta, lógica, producto de su tenacidad, de lecturas que fundamentan aquel proceso, y de la observación crítica de objetos cotidianos, aparentemente simples, que están presentes en la realidad, y que él transforma con su mirada. Pero este progreso no es lineal, no es siempre hacia arriba. Su trayectoria profesional crece a modo de espiral, volviendo constantemente a objetos y escenarios del pasado, pero cada vez con una visión diferente que le hace crecer como artista. Porque el autor no hace las cosas “por hacerlas”, por rellenar un tiempo, porque tiene que producir. Jacobo Castellano tiene un discurso, un relato coherente con el que apoya y explica su obra: esta actitud dota a su trabajo profesional de sinceridad y honestidad, pues para él lo importante es la paulatina consolidación frente a la inmediatez, las prisas y las urgencias.

La escultura es el formato preferido por Jacobo Castellano, a través del cual da rienda suelta a su imaginación y creatividad. Así lo hace en Homo Ludens. Sus piezas son sencillas, simples y desprovistas de ornamentos que puedan desviar la atención del espectador, pero a la vez profundas, que encierran un cierto misterio, que te invitan a pensar y a hacerte preguntas. Con frecuencia te sumergen en un mundo de claroscuros, te dejan un cierto sabor agridulce..., decididamente no son bonitas, o pueden no serlo, pero a estas alturas sabemos, que en el arte, lo bonito con frecuencia no es sinónimo de bello.

De las temáticas que conforman su obra (la memoria, el juego, el dolor…) el autor se decanta esta vez por destacar el juego como elemento esencial en nuestras vidas, los juguetes como contribución a aprendizajes esenciales; idea ésta transversal a toda la exposición con la que está muy familiarizado, pues no en vano ha crecido en un ambiente donde “lo pedagógico” ha ocupado un papel relevante. El acto de jugar es consustancial a nuestra cultura. Mediante el juego liberamos energía, nos relacionarnos, satisfacemos deseos no realizados, nos prepararnos para la vida y adquirimos valores.

En este sentido, los materiales que utiliza como el papel, el polvo, la madera, el plástico o el jabón, están al servicio de esta idea. Con ellos juega, los manipula y los ensambla hasta que considera que la obra creada expresa la idea que previamente ha diseñado en su mente. Así, objetos de uso cotidiano como los palillos, merced a sus dimensiones y dispuestos de una manera concreta, nos recuerdan al juego de “tres en línea”; el polvo que puede generarse en una vivienda y las escamas de jabón se mezclan misteriosamente para crear un nueva versión del “cubo de Rubik”; una disposición aparentemente anárquica de materiales da como resultado un “collage” en el que dichos materiales están agazapados, como jugando al escondite; un “pelele” se ensambla de manera que podamos utilizarlo y jugar con él a nuestro antojo. “Pasatiempo” representan “bajos relieves” rescatados de un espacio lúdico de la ciudad de Betanzos donado a ésta por los hermanos García Naveira, unos emigrantes gallegos que tenían una visión muy avanzada de “lo lúdico” como bien social.

Pero en este espacio lúdico que conforma la exposición no todo es alegría o divertimento, hay algo de asombro y de inesperado: los futbolines que invitan a la diversión no tienen jugadores; la posición del dedo índice de la mano señala castigo; nos divertimos dibujando pero estos dibujos no tienen nada de risa o de alegría: ¿en qué ambiente se habrá criado este niño para expresar así sus sentimientos? ¿Qué escala de valores estará forjando? ¿Qué vivencias estará interiorizando?

Dice Vicente Verdú que “lo divino es el silencio, que lo importante es la nada”: creo que esta idea puede aplicarse al conjunto de piezas que conforman Homo Ludens y a toda la trayectoria creativa de Jacobo Castellano.

Texto: José Antonio Delgado.

www.f2galeria.com/artista/jacobo-castellano/

El Museo Reina Sofía comienza 2015 presentando la exposición del artista Daniel G. Andújar

El Museo Reina Sofía presenta la primera muestra del año el próximo 20 de enero a las 12.00 horas. La obra del artista Daniel G. Andújar llega a Madrid bajo el título de Sistema operativo, una muestra que reúne alrededor de 50 proyectos creados por Andújar en los últimos veinte años. La mitad de estos proyectos son trabajos previos, y el resto obras de nueva creación concebidas para los espacios del Museo. 

Andújar está considerado uno de los mayores representantes en España del llamado net-art. Interesado en construir un discurso cultural a través de los medios digitales y de las tecnologías, cuestiona, revisa y reflexiona mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios, criticando al tiempo la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia. 

Estarán presentes para atender a los medios de comunicación el director del Museo y comisario de la muestra, Manuel Borja-Villel y el propio artista, Daniel G. Andújar.

ACTIVIDAD RELACIONADA: Encuentro con Daniel G. Andújar; el comisario de la exposición, Manuel Borja-Villel y la crítica de arte Iris Dressler. 21 enero, 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 200.

Gonzalo Elvira en la Galeria Sicart

Assaig S. T. 1909-1919 es un proyecto que toma las Semanas trágicas de Barcelona (1909) y la de Buenos Aires (1919) como punto de partida, buscando las conexiones en una especie de proceso rizomático entre estos sucesos dolorosos.

Ambas semanas, aunque ocurridas con diez años de diferencia, tienen muchos puntos de encuentro a pesar de que los detonantes en ambas ciudades fueran diferentes.

La de Barcelona transcurre durante el gobierno de Maura, desencadenada por el reclutamiento de tropas para la guerra de Marruecos, más conocida como guerra del Riff. En Buenos aires estos hechos ocurren durante el gobierno de Hipólito Yrigoyen y comienza con una huelga en los talleres metalúrgicos Vassena donde los obreros pedían la reducción de jornada de 11 a 8 horas.

La lucha de clases, las mejoras de las condiciones laborables, la educación y la religión estaban en pugna en los convulsos comienzos del siglo XX. La Revolución Rusa, las figuras de Trotski, Bela Khun, Kautski, Lenin, y entre otros Rosa de Luxemburgo y Karl Liebneckt ambos dirigentes socialistas son asesinados coincidiendo con la semana trágica de Buenos Aires.

Otro dato importante de la conexión entre ambos lugares es la presencia de Alejandro Lerroux en Buenos Aires cuando estalla la semana de Barcelona. Lerroux llevaba un par de años residiendo en Argentina.

Alejandro Merletti un italiano que emigro a Argentina, donde se formo como fotógrafo, luego emigro a Barcelona y fue el que saco las únicas fotos del juicio a Ferrer i Guardia introduciendo su cámara en la chaqueta.

También cabe destacar la presencia de Marcel Duchamp en Buenos Aires durante esos días. En Barcelona durante la semana de julio de 1909 mueren 109 personas, hay muchísimos heridos e innumerables daños materiales. Fueron fusilados cinco personas entre ellas el pedagogo Ferrer i Guardia. En Buenos Aires durante la semana de enero de 1919 mueren 700 personas, hay más de 2500 heridos, muchos de ellos niños.

La técnica elegida para este proyecto es papel y tela perforados con aguja y martillo que permite trasladar en este proceso doloroso grabar-inscribir estas imágenes en la psique como si esta fuera una pizarra. El proyecto también consta de pinturas e instalación.

Galeria Sicart, Vilafranca del Penedès, Barcelona.

Gonzalo Elvira, Assaig S. T. 1909-1919

Del 20 de diciembre de 2014 al 30 de enero de 2015.

www.galeriasicart.com

Pablo Genovés, Otro día, Otro lugar

La galería Art Nueve presenta la exposición Otro día, Otro lugar de Pablo Genovés con las últimas obras realizadas por el artista. La inauguración de la exposición se inicia con la proyección del vídeo “Otro día, Otro lugar” que da título a la exposición y supone la primera incursión del artista en el medio. El vídeo se proyectará el sábado 20 de diciembre a las 11:30 h en el Espacio AB9. Para continuar la inauguración de la exposición en la galería Art Nueve a las 12:00h. Por primera vez, se vinculan estos espacios para una exposción.

La exposición Otro día, Otro lugar de Pablo Genovés (Madrid, 1959) es un intento de resignificar nuestra historia más reciente, una lucha de tono apocalíptico entre las fuerzas de la naturaleza y los símbolos de la cultura occidental, una evocación nostálgica pero consciente del final de una época. Fotografias donde lo natural se introduce de una manera anárquica en aquellos edificios que funcionan como templos del saber. Bibliotecas, teatros y museos, son desbordados por elementos como, agua, hielo, tierra o cientos de ramas de árboles desnudos que intentan tocar el techo de arquitecturas en ruinas. Las imágenes poseen un halo poético que transportan al espectador a un tiempo impreciso de aires decadentes donde el esplendor de una época pasada procede de estampas originales. La destrucción física siempre vienen a través de la manipulación, pero quién domina a quién, se mantiene como una incógnita.

Este planteamiento también lo comparte el vídeo proyectado en AB9 y que supone la primera incursión del artista en el medio. La disposición de las obras ocupando el espacio de una manera fragmentaria pero coherente, potenciando así el diálogo entre ellas, representa un gabinete del siglo XIX.

Las fotografías de Pablo Genovés han sido expuesta en toda España (individual y colectivamente), también en Francia, Alemania, Inglaterra, Bélgica, Chile, Brasil, Filipinas, Korea y EEUU. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

Galería Art Nueve, Murcia.

Pablo Genovés, Otro día, Otro lugar. 

De diciembre a febrero de 2015.

www.artnueve.com

Ai Weiwei en la Virreina

La exposición On the Table. Ai Weiwei propone un recorrido completo por la vida y obra del artista a través de diversas piezas y materiales que, aunque siguen un orden cronológico, no mantienen una estructura lineal. A través de diferentes itinerarios, el visitante puede abordar los temas fundamentales de la obra de Ai Weiwei, como la multidisciplinariedad, el inconformismo, la disidencia y la condición mediática.

En On the Table. Ai Weiwei se presentan más de cuarenta piezas entre fotografías, vídeos, instalaciones, maquetas, esculturas, proyectos de diseño gráfico, publicaciones y música, en una propuesta elaborada a escala de las salas de La Virreina. En su recorrido, es posible descubrir obras inéditas en diálogo con otras que ya se han convertido en iconos globales. Son objetos e imágenes cargados de sentido que reflejan la vida y la experiencia de Ai como artista y como activista comprometido con la sociedad y que asimismo documentan las realidades política y social de la China actual. En conjunto, se trata de una selección de piezas en diálogo y en contraste que permite recorrer asuntos a veces vistos como antagónicos o de difícil convivencia: lo individual frente a lo colectivo, la construcción frente a la destrucción, el presente frente a la memoria, lo real frente a lo falso, el exclusivismo frente a la reproductibilidad. Todo junto, al lado de un largo etcétera de interrogantes que surgen de las distintas formas en las que Ai Weiwei nos invita a cuestionar nuestro entorno.

Desde las series fotográficas de los ochenta y noventa de Nueva York y Pekín respectivamente, a las piezas más recientes como Cao, Untitled (Ai Weiwei Studio Table) y Untitled (Ai Weiwei Studio Chairs, Qing Dynasty, Qianlong), entre los itinerarios cruzados que forman On the Table. Ai Weiwei pivotan actitudes militantes y prácticas que persisten como la resistencia y la transferencia. Ejercidas por el artista sin pausa ni medida, ponen en marcha procesos que transfiguran la acción individual en colectiva y el gesto en movimientos globales de difícil previsión y control. Mientras tanto, la constante interpelación del artista al contexto que lo ha rodeado —y a veces engullido— en cada momento y la lucha firme en la denuncia de la falta de libertades en su país. 

La exposición permite conocer la trayectoria artística de Ai Weiwei, desde sus inicios hasta hoy, convertido en el artista chino disidente más conocido e influyente del mundo. Activista y mediático, su obra se funde con su militancia en la denuncia de la falta de libertades en China, a la vez que está presente en los principales acontecimientos y colecciones de arte contemporáneo.

On the Table. Ai Weiwei profundiza en las estrategias de acercamiento e intervención sobre la realidad a través de la imagen. Desde una práctica artística que incluye la fotografía y el film documental, la escultura, el diseño y la arquitectura, las imágenes de Ai Weiwei son operaciones que trascienden formatos y disciplinas, infiltrándose y circulando también por redes sociales y ámbitos relacionados con la cultura popular. Además de varias obras clave para profundizar en el trabajo de este artista, en La Virreina Centre de la Imatge se presentan obras inéditas, nuevas producciones e instalaciones específicas ideadas por Ai Weiwei con motivo de esta muestra.

Palau de la Virreina, Barcelona.

Ai Weiwei. On the Table

Comisaria: Rosa Pera

Del 5 de noviembre de 2014 al 1 de febrero de 2015

http://lavirreina.bcn.cat/es/exposiciones/table-ai-weiwei

Ernesto Neto, O protesto e a serpente

El cuerpo tiene una enorme presencia en la obra de Ernesto Neto. A lo largo de los últimos 20 años, con una imaginación y habilidad extraordinaria, su escultura ha implicado a los diversos sentidos físicos del cuerpo humano, incorporando literalmente el cuerpo del espectador dentro de la propia obra y, de esta manera, transformando al visitante en un participante autónomo de la experiencia de la obra de arte. Esta estética propia, ya muy asentada, así como el empleo frecuente de formas orgánicas, conforma en gran medida la presente exposición de Neto en la Galería Elba Benítez, titulada O protesto e a serpente (La protesta y la serpiente); sin embargo, las piezas que en esta ocasión podemos contemplar apuntan también nuevos desarrollos, que proceden de las experiencias y las creencias espirituales del artista. Como indica su título, O protesto e a serpente se organiza en torno a dos ejes: por un lado, la protesta – la reacción interna de la sociedad ante sus propias enfermedades - y, por otro, el mundo de la naturaleza: los bosques, las plantas y los animales (entre los que se cuentan los seres humanos); un mundo que, para Neto, representa la única fuente posible de la auténtica curación. Así, la exposición incluye obras con referencias explícitas (como la frase Quem paga o arrego o “¿Quién paga la cuenta?”) que nos remiten a las violentas manifestaciones que sacudieron Brasil en 2013 y que el artista vivió en primera persona, así como obras que yuxtaponen objetos como la cruz o la porra policial, dos objetos que Neto considera “instrumentos de tortura”. En sus palabras: “La imagen de la cruz no es la imagen de Cristo: es la imagen de los que mataron a Cristo”. La exposición se origina en la experiencia reciente, aún inacabada, que el artista comparte con los Huni Kui, un pueblo indígena que habita en los bosques tropicales del Brasil occidental, conocidos por su profunda comprensión del mundo natural y, cuyos rituales, incluyen curaciones chamanísticas y el empleo de la ayahuasca como medicina sagrada. Los Huni Kui representan para el artista la posibilidad de la curación, tanto física como espiritual, así como la reconciliación del ser humano con la propia tierra. Por tanto, sería una alternativa necesaria a las ideologías que han conformado la mayor parte de lo que se considera el mundo más “civilizado”. Como dice Neto: “La tierra es el cuerpo y la naturaleza es la cura”.

“La protesta es una herramienta importante para romper el poder del odio y la estupidez de la avaricia humana, pero nunca nos curará, porque viene del mismo espíritu que la cruz”. En su conjunto, la obra expuesta se confabula para enunciar la potente imagen que tiene Neto del mundo actual; pero, al mismo tiempo, sigue enraizada en el modus operandi artístico que lo caracteriza, centrado en el cuerpo. Por tanto, incluso la producción más reciente y más variada de Neto estaría motivada por el deseo de convertir al espectador en un participante activo y autónomo en la experiencia de la obra de arte. Ernesto Neto (Brasil, 1964) ha expuesto en solitario en los principales museos de todo el mundo, incluyendo el Guggenheim de Bilbao, el Museum of Modern Art de Nueva York, la Hayward Gallery de Londres, el Aspen Art Museum, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Nasher Sculpture Center de Dallas, el Park Avenue Armory de Nueva York, el Fearnley Museum de Oslo, el Museo de Arte Moderno de São Paulo y el Hirshhorn Museum de Washington. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y bienales, y representó a Brasil en la 49ª edición de la Bienal de Venecia. Su obra forma parte de numerosas colecciones internacionales, públicas y privadas. O protesto e a serpente es la cuarta exposición de Ernesto Neto en la Galería Elba Benítez.

Texto: George Stolz

Galería Elba Benítez
Ernesto Neto, O protesto e a serpente

21 noviembre de 2014 al 24 de enero de 2015

www.elbabenitez.com/exposiciones/ernesto-neto/