martes, 30 de junio de 2015

Marc Montijano toma el Centre Pompidou Málaga

Más de 350 personas llenan las salas del Centre Pompidou para ver la performance de Marc Montijano Las dos naturalezas (Metamorfosis XXI). El primer proyecto de arte de acción llevado a cabo en el centro.

Durante dos horas aproximadamente, unos cuarenta modelos han poblado la colección permanente del Pompidou. La mayoría inmóviles, desnudos, rodeados de cuerdas y portando un saco cubriéndoles el rostro. Estamos indudablemente ante una obra de Marc Montijano, en la que el artista despliega su misterioso universo cargado de simbología y misticismo.

Con esta performance cambia por un tiempo el museo. Marc Montijano se apropia del espacio y nos arrastra a otra realidad. Un grupo de "esculturas vivas", observadores silenciosos, interactúan con las obras. El artista va situando diferentes modelos delante de obras de Picasso, Saura, Chagall, Bacon, De Chirico, Léger, Giacometti, Orlan, Ana Mendieta, Magritte, Dubuffet, etc. Observando como desarrolla la performance, nos vamos imbuyendo en su mundo y de repente, hay algo diferente flotando en el ambiente. Algo sutil, pero perfectamente perceptible.

Sobre la gran acogida de público, Marc Montijano ha indicado: "Me esperaba un buen recibimiento, pero nunca el número de visitantes que han acudido. Ha sido increíble el cariño y la energía recibida en el Pompidou. Superaban las trescientas personas. En las primeras salas había tanta gente que he tenido que cambiar la acción sobre la marcha. E incluso he ampliado la duración, mi idea era estar una hora y finalmente han sido dos. El público es un actor más en mis acciones, enriquece mi trabajo. Sólo puedo estar agradecido".

La filosofía que hay detrás de este trabajo parte de un principio básico, con el que el artista lleva trabajando desde hace mucho tiempo y que es uno de los fundamentos de Metamorfosis: el ser humano tiene dos naturalezas, una material y otra espiritual.

Como ha declarado el artista: "En este proyecto para el Centre Pompidou Málaga, he trabajado sobre el principio de las dos naturalezas, que es uno de los ejes fundamentales de mi trabajo y de la filosofía que encierra Metamorfosis.

En mis acciones reflejo un plano diferente de la realidad, con los personajes en estado de Metamorfosis, retrato ese interior invisible. Me interesa lo que guardamos en nuestro interior, lo sutil y oculto, los recovecos del hombre. La naturaleza espiritual en contraposición a la material. La verdad frente al espejismo. En estos tiempos de celebración del ego y materialismo desmedido nos hemos olvidado de la primera, hemos sepultado la parte espiritual".

"En mi trabajo voy desgranando mi filosofía, no pretendo que el espectador asimile todo este universo fuertemente simbólico, pero si le hago participe de una experiencia diferente, una vivencia especial. Quiero hacerles sentir, y esa sensación es más que suficiente. Quiero que perciban algo diferente, insinuarles otra realidad".

"El mecanismo de mi obra es complejo. Son piezas en las que básicamente construyo ambientes para generar sensaciones. Acciones en las que articulando una serie de elementos fijos y cargados de simbología (cuerdas, sacos, cuerpos desnudos), busco crear un clima que envuelva el espacio e introduzca a los espectadores en el universo de Metamorfosis".

Las dos naturalezas es un proyecto muy especial. En primer lugar es una celebración, el 27 de junio de 2010, justamente cinco años antes, tuvo lugar la primera performance de Metamorfosis. En segundo lugar marca una evolución dentro del trabajo de Marc Montijano, con Las dos naturalezas cierra un capitulo más narrativo, en el que explica y desarrolla, obra a obra, la filosofía que hay detrás de su trabajo, e inicia un camino, un ciclo, en el que incorpora la filosofía de Metamorfosis a la vida normal. En esta obra, por primera vez, han convivido las dos visiones.

El óleo de Paul Gauguin Nafea faa ipoipo se incorporará a la exposición del Kuntsmuseum Basel del Reina Sofía

En presencia de los representantes de los medios de comunicación, y con la asistencia del coleccionista Ruedi Staechelin y el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, el próximo viernes se colgará el cuadro de Paul Gauguin Nafea faa ipoipo (1892). 

La obra se podrá contemplar en una de las salas que conforma la exposición Coleccionismo y Modernidad. Dos casos estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin, junto a obras de otros artistas de la talla de Picasso, Van Gogh, Renoir o Chagall, entre otros. El cuadro ha viajado desde la Fondation Beyeler, donde ha formado parte de una gran retrospectiva dedicada al autor francés, y se podrá ver hasta el 14 de septiembre en el contexto de la colección a la que ha pertenecido hasta hace unos meses, la de Rudolf Staechelin, que se exhibe de manera habitual en el Kunstmuseum Basel, y que debido a las obras de reforma acometidas por el edificio se encuentra en estos momentos en Madrid.

FUENTE: Gabinete de Prensa Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

lunes, 4 de mayo de 2015

Arte Urbano / Urban Art

La Fundación Unicaja inaugura en Málaga una exposición de arte urbano con obras inéditas y exclusivas de la creación artística más actual. Una muestra colectiva compuesta por 80 piezas que hacen un recorrido por el trabajo de un grupo de artistas contemporáneos nacionales e internacionales.
Además de la variada procedencia de los autores y de las técnicas empleadas por los mismos, destaca la inclusión de nuevos soportes y espacios en el denominado 'Street Art'.
'Urban Art' muestra una parte muy cuidada de la colección privada y de autor de Daniel Jiménez Mora, y con la colaboración de la marca Vans y de la revista Staf Magazine, en la que se incluye un grafiti realizado ex profeso para esta muestra por el artista Ddarko, así como otros trabajos inéditos, como la obra gráfica realizada sobre zapatillas Vans gigantes (talla 66).
La exposición celebra una forma de expresión enraizada en el activismo y el deseo de transformar el espacio público, modificando las convenciones sobre qué es graffiti, qué representa el arte callejero, quién lo crea y por qué.
Así, se trata de una muestra que recoge manifestaciones artísticas muy contemporáneas que surgen de autores que exploran nuevos medios. Cleon Peterson, Dface, Ddarko, Efe Suárez, Imon, Invader, Javi Calleja, José Medina Galeote, Marc Montijano, Mele Alejandro Hidalgo, Neckface, Obey, Ryca, Tim Biskup, Tristan Eaton, … son algunos de los artistas que podrán verse en esta exposición.

Arte Urbano/ Urban Art
Lugar: Sala Siglo, Fundación Unicaja
Dirección: Plaza del Siglo, s/n, Málaga, España.
Fecha: Desde el 21 de abril hasta el 17 de julio de 2015.

martes, 17 de marzo de 2015

Regina José Galindo dice no a la Bienal de La Habana

AludThessaloniki Performance Festival, Grecia, 2011.
FUENTE: HOMINES.COM
La artista guatelmateca Regina José Galindo, ha rechazado su participación en la Duodécima edición de la Bienal de La Habana a la que había sido invitada.
Regina José Galindo (Ciudad de Guatemala, 1974), tiene una dilatada experiencia internacional y ha participado en eventos de la talla de las Bienales de Venecia, Sydney, Moscú, Valencia y Praga entre otras, también ha sido premiada en distintas ocasiones por su trabajo. Ha presentado exposiciones individuales y colectivas desde 1999. Está especializada en performances en los que emplea su cuerpo para expresarse y en obras de vídeo. Por todo ello es por lo que era una de las invitadas a La Bienal de La Hana que se celebrará entre el 22 de mayo y el 22 de junio.
Esta decisión la ha tomado en solidaridad con Tania Bruguera y El Sexto, artistas actualmente reprimidos por el régimen. 
Tania Bruguera fue encarcelada en Cuba tras de anunciar una performance en el que los asistentes podían expresar sus opiniones delante de un micrófono durante un minuto. Fue liberada pero aún hoy tiene retenido su pasaporte. Por su parte, el grafitero El Sexto sigue en prisión por preparar otra representación en la que iba a soltar dos cerdos con los nombres "Raúl" y "Fidel" pintados en sus cuerpos.
La artista señala en la carta, dirigida a los organizadores de la Bienal, que no puede viajar a la Isla y presentarse "como si nada alrededor pasara". Así que, añade, "no quiero llegar a Cuba y disfrutar de privilegios mientras los otros alrededor son reprimidos".
Galindo explica que viajará a la Isla para realizar una performance y se irá depsués: "Viajaré exclusivamente al campo donde se realizará la acción y mi curador y su equipo italiano serán mi único contacto con la organización. Viajaré expresamente para la performance y volveré, inmediatamente a mi país, al culminar mi trabajo. Del aeropuerto al campo, del campo al aeropuerto. No daré entrevistas y declaraciones, sólo haré mi trabajo, que es lo que mejor sé hacer y es mi arma". 
La artista agrega que la decisión la tomó "por respeto a Tania Bruguera", de quien dice haber aprendido mucho, y también por respeto a El Sexto, "a quien no conozco personalmente pero admiro por su coraje".

Carta de Regina José Galindo: 
No quiero dar grandes explicaciones, ni argumentar largamente, ni justificarme. Soy guatemalteca, no cubana. Quizás, a mí en lo personal, me faltan herramientas para teorizar analíticamente la situación, pero me sobra empatía.
La decisión ha sido difícil, demasiado. Lo he pensado por mucho tiempo.
He esperado que las circunstancias cambiaran o mejoraran durante semanas. Muy al contrario, la tensión aumentó y el silencio -por parte de muchos- creció.
No puedo, no debo y no quiero viajar a la Habana y participar de una celebración cuando, a mi parecer, hay muchas cosas por las que pelear y no celebrar.
No puedo viajar a Cuba y presentarme como si nada alrededor pasara. No quiero llegar a Cuba y disfrutar de privilegios mientras los otros alrededor son reprimidos. Me ha costado tomar esta decisión porque a lo largo de casi un año estuve trabajando muy de cerca con mi curador, Giacomo Zaza, un persona con una ética indiscutible a quien respeto y admiro por su visión y coherencia. Esta postura le afecta también a él.
La decisión que he tomado es no participar de celebración alguna. Viajaré a La Habana, específicamente para poder realizar mi trabajo y que mi cuerpo sea el cuerpo de mi performance CAÑA. Viajaré exclusivamente al campo donde se realizará la acción y mi curador y su equipo italiano, serán mi único contacto con la organización. Viajaré expresamente para la performance y volveré, inmediatamente a mi país, al culminar mi trabajo. Del aeropuerto al campo, del campo al aeropuerto. No daré entrevistas y declaraciones, sólo haré mi trabajo, que es lo que mejor sé hacer y es mi arma.
Esta decisión fue tomada por respeto a Tania Bruguera, a quien nos unen tantísimos años de conocernos y de quien he aprendido tanto; por respeto a El Sexto, a quien no conozco personalmente pero admiro por su coraje; por esos seres rebeldes que no se limitan a acatar las reglas y no guardan silencio. Y, principalmente, porque la empatía, en tiempos de crisis, es lo último que se pierde.

lunes, 2 de marzo de 2015

El Museo Reina Sofía compra obra por valor de 350.000 euros en ARCO

En la presente edición de ARCO 2015, el Real Patronato del Museo Reina Sofía ha aprobado la adquisición de 26 obras, correspondientes a un total de 12 artistas, por un valor global de 348.884 euros. La mayor parte de los trabajos provienen de galerías españolas.
Entre las compras realizadas por el Museo hay pinturas, dibujos, obras sobre papel, instalaciones, videos y fotografías.

Listado de artistas:
  • Luis CASTELLANOS, Los atletas, 1940.
  • Nacho CRIADO, Sin título, 1966.
  • Pep DURÁN, Bizarre copori. Geografía personal, mapa del cos, 1992.
  • Fernando SINAGA, Putrefactio, 1996.
  • Julia SPÍNOLA, Sin Título, 2014.
  • Dóra MAURER, Timing,1973-1980.
  • Leticia PARENTE, Preparaçao II, 1976.
  • Beatriz GONZÁLEZ, Zócalo de la tragedia, 1983.
  • Miriam CAHN, desaster, 07.07+14.10.2011.
  • Mladen STILINOVIC, Artista trabajando, 1978 (impreso 2014).
  • Harun FAROCKI, The expression of hands, 1997.
  • Eric BAUDELAIRE, Letters to Max, 2/5.

lunes, 23 de febrero de 2015

Un artista español pone a la venta la obra más cara del mundo

El artista Marc Montijano expone la obra titulada Usted no me puede comprar con un precio de 300.000.000 €. La obra está confeccionada con pan de oro e hilo rojo.

Sobre una pared blanca cuelga un lienzo de mediano formato, 100 x 65 cm., a sus pies un lecho de cuerdas y diez velas votivas rojas encendidas. El artista ha construido un pequeño altar. Las velas, el pan de oro y unas letras bordadas en rojo en las que se puede leer el texto: "Usted no me puedes comprar", nos trasportan a un extraño universo. Pero varios papeles con los datos técnicos de la obra y su precio, nos sacan de ese ensueño. El artista nos deja bien claro que importa más el precio que la obra. Una vez más, estamos adorando al dinero.

Usted no me puede comprar es una instalación en la que el artista español posa su mirada sobre el mercado del arte, planteando una reflexión corrosiva y provocadora. Habla de la obra como producto, del materialismo que rige este mundo y de la manipulación del mercado artístico con fines especulativos.

Como ha indicado Marc Montijano: "Con este proyecto abro una reflexión sobre los criterios que rigen el mundo del arte. Poniéndole a mi obra un precio desorbitado y totalmente prohibitivo incluso para la élite, 300.000.000 €, cambio las reglas de juego. Estoy diciendo directamente a quienes manejan los hilos del arte que no la podrán tener. Me da igual lo poderoso, rico o influyente que seas, esta pieza está a la venta pero no está a tu alcance. No me puedes comprar, de ahí el título". 

Este es un trabajo que aborda el tema del mercantilismo del arte y la pérdida de valores artísticos, culturales o sociales, para ganar significados exclusivamente económicos. Marc Montijano reivindica el arte como motor de cambio en contraposición del arte como mera inversión, y el compromiso y la integridad profesional del artista por encima del negocio.

Montijano, ha añadido: "es una crítica ácida a la banalización de la obra de arte, a la arbitrariedad y a la adoración exclusiva del valor económico. Hablo de la obra como producto y el artista reducido a una firma, como una marca más. Pero no es ninguna broma, esta pieza vale 300.000.000 millones de euros". 

La obra ha sido presentada el 22 de febrero en una inauguración privada, para un número muy reducido de invitados, y permanecerá expuesta en Hidden Gallery, coincidiendo con la celebración de ARCO, del 25 de febrero al 1 de marzo. Reforzando el carácter exclusivo y elitista de este proyecto, la instalación sólo se podrá contemplar con invitación del autor.

lunes, 16 de febrero de 2015

El Sol Negro de Rubenimichi en La Fresh Gallery

Sol Negro es uno de los múltiples nombres que recibe Saturno, dios de la cosecha que representa los ciclos de la vida, pero también el paso implacable del tiempo y, por lo tanto, la muerte. Conocerlo es intentar entender nuestro significado y nuestro fin, y buscar su influjo es abrazar el conocimiento, aunque sea atravesando la oscuridad.

Éste es el germen que ha inspirado a Rubenimichi en su tercera exposición individual en La Fresh Gallery. Lo saturniano nos rodea. Existen miles de símbolos que nos indican el camino, tratan de darnos las respuestas. Y aunque no queramos verlos, todos responden a un lenguaje único. Todo: lo referente a lo bueno y a la luz, y lo que representa lo malo y la oscuridad. Sobre este planteamiento Rubenimichi consiguen acercarse a ese lenguaje cósmico, rastreando los símbolos, asumiéndolos como propios y jugando con su misterio. Porque si algo fascina a Michi, Rubén y Luisjo, es lo oculto, lo secreto, lo oscuro o lo mágico, que mueve y domina una buena parte de su trabajo. Y también todos sus ritos, aplicados incluso al propio proceso creativo. A nadie se le escapa. Algo hay de brujos en esta oscura y, en apariencia, simpática trinidad.

En sus cuadros, Rubenimichi se dejan llevar por una audaz intuición que parte del asombro por ciertas realidades cotidianas y que culmina en la asimilación de cualquier fenómeno que se presente como indescifrable. Según sus planteamientos ahí es donde está el poder, la energía o la magia. Y es ahí donde encuentran su espacio, uno en el que especular a través de la pintura, buscando las respuestas, ofreciendo una documentación exhaustiva de su fascinación. Hay que añadir aquí, aunque suene excesivo, que su trabajo es un fiel reflejo de sus dogmas e ideales. 

Las respuestas están más cerca de lo que creemos y posiblemente jamás permitirán que las descubramos. Sin embargo, y mientras tanto, podemos comenzar a observar estos símbolos como lo han hecho Rubenimichi, con curiosidad y delicadeza, con placer persuasivo. En Sol Negro comulgamos con este conocimiento oscuro, diferente y atractivo, seductor, cercano a la frivolidad o a lo sádico, pero también a lo poético, a lo luminoso y a lo inspirador. Es un poder contradictorio y fascinante colmado de claroscuros en los que encontramos ritos y diosas, jóvenes vírgenes y sacerdotisas en Misas Negras o Saturnalias, envueltas en una voluptuosidad romántica… En estos cuadros fluye como un torrente la imaginería de lo oculto: el velo que cubre y esconde. La hoz, el estramonio, los altarcillos, los huesos y todo lo mortuorio. El hexágono, como el triple seis satánico o como el hexagrama o estrella de seis puntas, que se transforma en cubo en su perspectiva caballera. Pero también el hexágono como la celdilla de la abeja, representación de las sociedades secretas. Es un juego acumulativo, sí pero… ¿sólo un juego? ¿O más bien un lenguaje?

Si hay algo después de la muerte, sólo Saturno nos lo puede explicar. Ése es el poder del Sol Negro: la oscuridad total que nos deslumbrará a la vez que nos dará las respuestas.
Texto: Roberto Salas

La Fresh Gallery, Madrid
Sol Negro, de Rubenimichi
Del 20 de Febrero al 31 de Marzo de 2015
http://www.lafreshgallery.com