domingo, 19 de febrero de 2017

#DiálogosThyssen arrancan el lunes 20 de febrero con Fernando y David Trueba


Durante sus 25 años de vida, el Museo Thyssen ha sido uno de los protagonistas de la vida cultural española y para conmemorar este aniversario va a invitar a personalidades del arte, el cine o la literatura para conversar sobre ello. Son los #DiálogosThyssen, que arrancan mañana lunes 20 de febrero con Fernando y David Trueba.

viernes, 17 de febrero de 2017

La Fundació Joan Miró presenta Autogestión

La Fundació Joan Miró presenta Autogestión, una genealogía de las prácticas do-it-yourself desde los artistas pioneros de los años sesenta hasta la actualidad, que podrá verse hasta el 21 de mayo de 2017.

Comisariada por el artista Antonio Ortega, la muestra brinda una mirada histórica a las actitudes y los posicionamientos autogestionarios en el arte contemporáneo. Se trata de una selección personal de artistas que han incorporado en su dinámica de trabajo un giro con el que empoderarse de su propio relato y velar por su autoridad de su obra. Con el apoyo de la Fundación Banco Sabadell, la exposición reúne más de sesenta obras de artistas como Esther Ferrer, Joan Hernández Pijuan, Michelangelo Pistoletto, Sílvia Gubern, Cesare Pietroiusti, Jiří Kovanda, Henk Peeters y François Curlet, entre otros.

La selección se despliega en cuatro espacios que abordan desde trabajos realizados a partir de un posicionamiento en la autogestión hasta ejemplos de artistas que han naturalizado estas prácticas, pasando por la exploración de los gestos espontáneos de empoderamiento y de contestación al sistema artístico que han ensayado algunos creadores a lo largo del periodo examinado. La muestra incluye pintura, escultura, dibujo, fotografía y vídeo, así como cuatro instalaciones e intervenciones en las cuales han trabajado directamente en las salas los artistas Adam Nankervis, Laura Porter y Mariona Moncunill. Entre otros documentos, Autogestión incorpora también un cómic en el que Carla Fernández esboza la relación entre el arte y la vida en la obra de Gustav Metzger, precursor de la autogestión como práctica artística. La exposición recoge, además, la decena de reproducciones al óleo que Pere Llobera ha pintado para ilustrar la publicación que acompaña la muestra.

Autogestión 
Del 16 de febrero al 21 de mayo de 2017 
Comisario: Antonio Ortega 
Con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell
Más información: www.fmirobcn.org/es/

MUSAC inaugura tres exposiciones monográficas de los artistas Babi Badalov, Juan Cruz y Amable Arias

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León inaugura el sábado 18 de febrero tres nuevas muestras que continúan la exploración del espacio híbrido entre la escritura y las artes visuales, eje de la programación expositiva del museo durante el primer semestre de 2017.

Babi Badalov. To Make Art to Take Clothes Off 
En este proyecto específico para la Sala 3 del museo Babi Badalov despliega su particular poesía visual, en la que los errores del lenguaje, los juegos de palabras y la relación entre elementos lingüísticos y visuales le permiten realizar una exploración poética y política mundo contemporáneo y de las ideologías que subyacen en las lenguas que se emplean para pensarlo, describirlo y comunicarlo. 

La práctica artística de Badalov implica una exploración constante de los límites del lenguaje, con un especial énfasis en el modo en el que la lengua aísla a los individuos de una colectividad con la que no comparten el idioma. De este modo, aborda temas sociopolíticos de actualidad que reflejan sus propias experiencias como refugiado. 

A lo largo de su vida Badalov ha vivido en varios países, cuyas lenguas —inglés, francés, ruso, o turco— utiliza junto con sus lenguas maternas —el azerí y el talysh— para crear obras en las que la poesía, la aliteración o las onomatopeyas conviven con errores y deformaciones que ayudan a desvelar los significados poéticos y políticos presentes en las palabras y las imágenes. Badalov introduce a menudo sus propios textos poéticos en su obra: combinándolos con imágenes manipuladas crea instalaciones, murales, pinturas, collages, o libros de artista que él mismo define como poesía visual, en las que emplea la lengua como un dispositivo de investigación en el que diversas cuestiones culturales, sociales o políticas se entremezclan, abarcando territorios como el activismo y las lecturas políticas ('Turkie Kurdkie'), de género ('Musulman Musulwoman o Whoman'), social ('Di Screami Nation'), cultural ('Dalila Derrida') o lingüístico ('Language Landuage'). 

Juan Cruz. 'Catalogue: It Will Seem a Dream' 
'Catalogue: It Will Seem a Dream' es un proyecto que da cuenta de más de treinta años de trayectoria del artista nacido en Palencia pero residente en Londres desde los diez años Juan Cruz. La obra de Cruz explora la traducción —literal y metafórica, cultural y lingüística— y cómo ésta ejerce un papel central en la práctica artística, apuntalando a la vez la construcción de la identidad personal y cultural. 

En la obra de Cruz el proceso de traducción sirve como una metáfora de la representación visual que el artista extiende a un amplio espectro de medios, entre los que se incluyen la performance, el dibujo, la escultura, la fotografía y, en los últimos tiempos, las retransmisiones a través de streaming. A lo largo de su trayectoria, Juan Cruz ha empleado asimismo la escritura de modos muy diversos. Uno de ellos, del que parte y en el que se centra este proyecto, tiene que ver con aquellos textos realizados por el artista que se refieren, se originan, acompañan o aluden a algunas de sus piezas más conocidas. 

Juan Cruz inicia su actividad artística y expositiva a finales de la década de los 90, de la mano de espacios expositivos independientes. Desde entonces, su obra ha sido expuesta en numerosos centros de ámbito internacional, tales como la Fundación Serralves (Oporto, Portugal), Witte de With (Rotterdam, Países Bajos) o Bregenzer Kunstverein (Bregenz, Austria). 

Amable Arias. El teorema de la anamnesis. La barrera contemplativa
'El teorema de la anamnesis. La barrera contemplativa' es un proyecto expositivo que recorre los caminos discursivos más experimentales y menos transitados en la extensa obra del artista berciano Amable Arias. La muestra ha sido co-producida por MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; la Diputación de León a través del Instituto Leonés de Cultura (ILC); el Ayuntamiento de Bembibre y el Instituto de Estudios Bercianos (IEB). 

Nacido en Bembibre (León) en 1927 y residente en San Sebastián desde los 15 años, la trayectoria vital y creativa de Amable Arias está marcada por un afán de superación personal constante, por el compromiso social y político y, en su etapa final, por el autoaislamiento del sistema artístico. A lo largo de su vida mantiene de manera intermitente una estrecha vinculación con el Bierzo donde, en los años 50, comienza su experimentación pictórica con la realidad y su espacio. 

La muestra podrá visitarse hasta el 16 de abril en tres centros expositivos: la Casa de las Culturas de Bembibre, el Laboratorio 987 del MUSAC y el Centro Leones de Arte [CLA] del Instituto Leonés de Cultura [ILC], con las obras sonoras de Arias como nexo de unión entre los tres espacios. Los tres apartados de la muestra llevan por título 'La fuerza y el poder. Reflexiones sobre el conocimiento' (Laboratorio 987), 'La libertad y el azar. Universo personal' (CLA), y 'El pulso y la decisión. La mirada comprometida ' (Casa de las Culturas Bembibre).

David Lamelas presenta en el Reina Sofía Time as Activity

El creador argentino David Lamelas (1946) presenta los días 24 y 25 de febrero en el Museo Reina Sofía, y en el marco del Programa Argentina Plataforma/ARCO, su mítica serie fílmica titulada Time as Activity. Se exhibirán al completo sus grabaciones iniciadas en 1969 hechas en distintas ciudades del mundo en momentos concretos.

La doble sesión que se presenta en el Museo Reina Sofía de Time as Activity, constituye la serie más prolongada del artista que cruza cuatro décadas de trabajo. Iniciada en 1969 con Time as Activity-Düsseldorf, la obra parte de la premisa de rodar la ciudad en tomas estáticas en tres localizaciones durante tres momentos pautados del día. Cada uno de estos momentos se acota indicando la duración previa en minutos, con lo que el tiempo real de rodaje se iguala al tiempo ficticio de proyección. Tras Düsseldorf, Lamelas rodó Berlín, Londres, Los Ángeles, Nueva York, St. Gallen, Buenos Aires, Varsovia, Nápoles y Milán, en un tránsito internacional que describe el propio desplazamiento vital del artista. Este programa incluye una obra inédita producida para la ocasión: Time as Activity-Madrid, que tiene en su centro la relación entre museo y ciudad. 

Lamelas es uno de los artistas que ha incorporado con más profundidad la noción de duración y tiempo real a diferentes medios. Su trabajo ha abordado la crisis del objeto escultórico en el espacio expositivo y la llamada condición “posmedia” de la obra de arte a través de las distintas manifestaciones y tiempos de la imagen. En poco más de una década Lamelas pasó de la vanguardia conceptual argentina a su establecimiento entre los pioneros del vídeo en Los Ángeles, y de ahí al Londres más experimental, transitando por diferentes planteamientos estéticos con una rapidez inigualable y atravesando sin prejuicios los campos de la 'alta' y la 'baja' cultura. 

Desde sus primeros trabajos fílmicos, próximos al cine estructural, ha desarrollado un tratamiento muy particular del tiempo y el espacio. Sus películas, instalaciones y fotografías indagan cómo los medios de comunicación inciden en nuestra construcción del mensaje. Son obras experimentales que relacionan las convenciones de la narrativa fílmica con nuevas formas de construcción del relato y consiguen crear procesos alternativos de comunicación y cognición.

David Lamelas Se formó en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, donde entró en contacto con Lucio Fontana, George Vantongerloo y el grupo Madi, y expuso con regularidad en el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, una institución privada sin ánimo de lucro que concentraba la vanguardia del país. 

Desde que participó en la Bienal de Venecia (1968), presentó su primera película en el Camden Arts Center de Londres (1969) y participó en la Documenta 5 de Kassel (1972), la obra experimental de Lamelas se ha podido ver en múltiples exposiciones en Europa y América. Destacan la primera retrospectiva celebrada en Europa, en el Witte de With de Rotterdam y en el Kunstverein de Múnich (1997) y la gran retrospectiva del Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (1995). También ha expuesto en la Whitechapel Art Gallery de Londres (2000), la Fundació Joan Miró de Barcelona, el Museum Fridericianum de Kassel, la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea de Oporto (2003-3004) y el Museo Reina Sofía de Madrid (2005). Su obra forma parte de las colecciones del The Metropolitan Museum of Art y el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery de Londres y el MOCA de Los Ángeles, entre otros.

David Lamelas. Time as Activity (1969-2017)
24-25 febrero, 2017-18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Comisariado: Chema González
Organiza: Museo Reina Sofía
En el marco de: ARCO Argentina

lunes, 13 de febrero de 2017

Obras maestras de Budapest en el Museo Thyssen

Del 18 de febrero al 28 de mayo de 2017, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias, una exposición que mostrará por primera vez en España una destacada selección de pinturas, dibujos y esculturas procedentes de las colecciones del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría. Noventa obras de escuelas como la italiana, alemana, flamenca o española, desde el siglo XV al XX, que incluyen grandes nombres de la historia del arte como Durero, Leonardo da Vinci, Rubens, Velázquez, Tiepolo, Cézanne y Manet, además de interesantes ejemplos de artistas húngaros, que permitirán ofrecer a los visitantes una muestra representativa de las colecciones de estas instituciones.

La exposición, comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, y Mar Borobia, jefa del Área de Pintura Antigua, está organizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Budapest -cerrado por obras de renovación hasta marzo de 2018-, y la Galería Nacional de Hungría -donde se exhibe temporalmente parte de su colección-. Esta será la primera cita del programa expositivo con el que en 2017 se celebra el 25 aniversario de la apertura al público del Museo Thyssen, un programa que irá acompañado de todo tipo de actividades.

El recorrido por las Obras maestras de Budapest estará articulado en torno a siete secciones: el Renacimiento en el Norte, que mostrará la pintura alemana del siglo XVI a partir de artistas como Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo y Hans Baldung Grien; el Renacimiento en el Sur, que contará con ejemplos de Leonardo da Vinci, Lotto, Rafael y Bronzino; el Barroco en Flandes y Holanda, una sala en la que encontraremos obras de Peter Paul Rubens y Anton van Dyck; el Barroco en Italia y en España, que exhibirá lienzos de Annibale Carracci, Alonso Cano y Velázquez; el siglo XVIII en Europa, con una excelente representación de la escuela veneciana de la mano de Sebastiano Ricci y Giambattista Tiepolo, magníficas piezas de maestros centroeuropeos poco conocidos en España, así como un excepcional conjunto de esculturas de Franz Xaver Messerschmidt; una sala monográfica dedicada a la nueva imagen de la mujer, con obras de Manet a Kokoschka, y, por último, la modernidad: de Pissarro a Bortnyik, que presentará el arte internacional desde el siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN:
Título: Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias
Organizadores: Museo Thyssen-Bornemisza, Museo de Bellas Artes de Budapest y Galería Nacional de Hungría
Sede y fechas: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, del 18 de febrero al 28 de mayo de 2017
Comisarios: Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, y Mar Borobia, jefa del Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza
Comisaria técnica: Dolores Delgado, Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza
Número de obras: 90
Publicaciones: Catálogo con textos de Gábor Bellák -basado en textos previos de Anna Jávor y Andrea Czere- y Adriána Lantós, guía didáctica y publicación digital en la app Quiosco Thyssen.
Más información: www.museothyssen.org

sábado, 11 de febrero de 2017

Another distinguée de La Ribot

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en Madrid de Another Distinguée, la 5ª serie del proyecto Piezas distinguidas de La Ribot. Este espectáculo estará en la Sala Negra del 22 de febrero al 5 de marzo.

Han pasado veintitrés años desde que La Ribot presentó por primera vez las Piezas distinguidas (acciones cortas organizadas en serie) y el proyecto no ha dejado de desplegarse y transformarse desvelando cada vez nuevas capas y significados. Another Distinguée, la nueva serie de piezas recién estrenada, añade al proyecto distinguido un nuevo estrato llevándolo a un lugar sorprendente en el que, todo lo creado hasta ahora, adopta un nuevo significado.

La Ribot, acompañada en escena por el actor Juan Loriente y el bailarín Thami Manekehla, invita a adentrarse en un espacio particular, en un lugar característico y único que se puede designar como un «cubo negro». El espacio apela a la experiencia individual y directa: cada espectador debe hacerse cargo de su propia presencia y es libre para decidir dónde y cómo quiere estar en cada momento. Pero no solo tendrá que tener en cuenta los otros cuerpos que le acompañan en el espacio. En Another Distinguée no sólo hay sombras: una enorme presencia oscura y opaca gobierna este lugar estableciendo un principio de invisibilidad que multiplica al infinito los posibles puntos de vista y que limita profundamente cualquier intento de controlar visualmente lo que sucede. La única salida aquí es aceptar la derrota visual y entregarse a lo que cada uno de nuestros cuerpos es capaz de hacer y entender.

Más información: www.teatroscanal.com/...-la-ribot-performance

viernes, 10 de febrero de 2017

Cristina Lucas en la galería Juana de Aizpuru

¿Es posible para el espectador contemporáneo percibir el color y la forma atendiendo a composiciones y sensaciones puras como las que se establecen en las investigaciones históricas de Newton, Goethe, Wittgenstein, Kandinski o Heller?

Todas esas investigaciones sobre los colores y las formas intentaban desentrañar los efectos provocados por unos y otras en la percepción del espectador; intentaban clarificar cómo las incidencias de ciertas hondas de luz sobre los receptores ópticos tienen un efecto en nuestras emociones, algo que el arte, y sobre todo la pintura, aprovechó para acentuar su intencionalidad comunicativa, muy especialmente en una época en la que la pintura ya no era la única que reflejaba el mundo visible y se dirigía hacia un intento de manifestación de lo interior. Ver y sentir.

Pero el permanente transcurrir del tiempo ha situado los colores y las formas en un lugar fundamental en la cultura hipervisual que no solo pertenece al arte. El consumo se expresa en términos estéticos también a través de la publicidad mediante todos los medios de distribución imaginables. No olvidemos que empresas, instituciones, partidos políticos y entidades de todo tipo van siempre acompañados de las marcas y logotipos que encarnan su carácter, algo así como una clave identitaria, que revela las profundas virtudes o intenciones de la organización que representan. Todas esas instituciones se desviven por comunicar algo más que su nombre o su producto; contratan asesores para establecer una comunicación de valores intangibles, valores que desean grabar en el interior de los sujetos consumidores, ligarlos a emociones que se mantengan independientes del producto concreto que se vende en cada momento; es una cuestión capital.

La cuarta exposición de Cristina Lucas en la galería Juana de Aizpuru está centrada en las series Monocromos y Figuras. Estas dos series están orientadas a un análisis y clasificación del lenguaje de los colores y las formas tomadas de la vida cotidiana, capturando cuantos logos le saltaban a la vista con la intención de devolverlos a su vitrina para ofrecérselos al espectador dentro de su contexto formal. Cristina Lucas observa ese mundo corporativo que habitamos y extrae de él formas y colores que clasifica. Cada una de sus obras (tanto pictórica como escultórica) se construye con los múltiples logos que nos asaltan diariamente en la calle o en internet, clasificándolos por color y forma, enmarcándolos en las teorías que parecen justificar su elección. El marco es importante, no cierra la cuestión sino que la expande y la contextualiza. Podría decirse incluso que la explica, que aclara el regreso al arte de lo que un día le fue propio y ahora ha de compartir con la realidad mercantilizada del presente: visibilidad y comunicación. Se trata de un camino de vuelta en el que desde la más prosaica realidad (incluidas las calculadas dimensiones de los medios de comunicación publicitaria para que puedan visualizarse en el ajetreado devenir de nuestros tiempos) se establecen guiños a las varias tentativas abstractas que la historia del arte ha desarrollado a lo largo del siglo XX, y, al mismo tiempo, se plantea como una nueva revisión de los códigos de lectura de los elementos estéticos que nos rodean y con los que dialogamos a diario. Una revisión artística en la que se pone a cada cual en su lugar, al arte y a la comunicación institucional, y hace muy pertinente la pregunta inicial: ¿es posible para el espectador contemporáneo percibir el color y la forma atendiendo a composiciones y sensaciones puras? Es a ese espectador contemporáneo al que le corresponde contestar a partir de su experiencia personal frente a estas obras y ante los logos y formas que las constituyen.

CRISTINA LUCAS, INFORMAL COLORS
Lugar: Galería Juana de Aizpuru (Madrid)
Dirección: Barquillo 44, 28004 Madrid. España
Inauguración: 11 de febrero de 2017

Donna Huanca en la galería Travesía Cuatro

Travesía Cuatro presenta LENGUA DE BARTOLINA SISA, primera exposición de la artista Donna Huanca en España. En esta ocasión, explora el territorio del cuerpo en su doble condición de superficie y materia, elementos complementarios de los que se sirve para construir una arquitectura de movimiento y presencia.

La obra de Donna Huanca utiliza una cosmética que tiene mucho de pintura gestual y funciona como instrumento para la transformación. En sus performances, intérpretes pintados de la cabeza a los pies se desplazan inmersos en un estado de trance siguiendo una coreografía glacial. Huanca recurre a formas estéticas como el camuflaje, la simulación y la fusión en una poética que vincula pintura, escultura y performance; una puesta en escena para representar un ensayo sobre la fragmentación de la identidad.

Las esculturas totémicas de Huanca combinan materiales que destacan por sus cualidades táctiles, tejidos de fibra natural y sintética, así como artefactos culturales que pierden su función original y son recolocados para crear una nueva composición descontextualizada.

Partiendo del cuerpo y su armadura como materiales abstractos, Huanca revela la naturaleza atávica del traje en su relación con el cuerpo como forma inmanente de trasmisión cultural.

LENGUA DE BARTOLINA SISA da continuidad a una línea estética que ha caracterizado la obra de la artista en los últimos años. La exposición se inaugurará próximo el 24 de febrero coincidiendo con la próxima edición de la feria ARCOmadrid.

Donna Huanca (Chicago, 1980), estudió en el Städelschule, Frankfurt, y en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan, Estados Unidos. Ha recibido las becas DAAD Artista Frankfurt y Fulbright de investigación. Recientes exposiciones incluyen Ice Chrysocolla, Cabaret der Künstler – Zunfthaus Voltaire, Manifesta 11, Zurich; Wild Style: Exhibition of Figurative Art, Peres Projects, Berlin; Sade Room (formerly reclusive), MoMA PS1 en Nueva York; Poly Styrene's Braces, comisariada por Anne Barlow, Art in General, en Nueva York; in collaboration with kim?, Contemporary Art Centre, Riga, LV; Streams of Warm Impermanence, en la David Roberts Art Foundation y Scar Cymbals en la Colección Zabludowicz, en Londres.

DONNA HUANCA LENGUA DE BARTOLINA SISA
Lugar: Galería Travesía Cuatro
Dirección: Galería Travesía Cuatro - Calle San Mateo 16, 28004 Madrid
Performance: 24 de febrero a las 13:00h
Inauguración: 24 de febrero de 10 a 15:00h.
Exposición: del 24 de febrero al 29 de abril de 2017
web: http://travesiacuatro.com

Comienza la cuenta atrás para ARCOmadrid 2017

Del 22 al 26 de febrero llega a Madrid una nueva convocatoria de ARCOmadrid, convirtiendo la capital española en un valorado polo de atracción para coleccionistas, galeristas, artistas y profesionales del arte de todo el mundo. La creciente apuesta de las galerías por ARCOmadrid con la presentación de obras y propuestas de alto nivel de calidad, serán el eje de esta edición y la confirmación de la confianza del mercado en esta 36ª convocatoria, que gana peso y reconocimiento en el actual panorama internacional del arte. Con ello, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que organiza IFEMA, crece en la calidad e importancia de los proyectos de las galerías participantes, tras la rigurosa selección y el nivel exigido por el Comité Organizador y los comisarios de los programas. Una confianza que igualmente se refleja en la presencia de mayores espacios expositivos reservados por las galerías, en la apuesta por participar simultáneamente en dos de los programas de la feria, en la creciente aportación de propuestas arriesgadas, y en la presentación de uno o dos artistas de distintos entornos. Unos indicadores que posicionan a la Feria como uno de los eventos de mayor interés internacional y que se traducirá en el regreso de coleccionistas y profesionales a la Feria. 

ARCOmadrid 2017 reunirá en los pabellones 7 y 9 de IFEMA a un total de 200 galerías de 27 países, de las cuales 164 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: Argentina Plataforma / ARCO, con una selección de 12 galerías; Diálogos, con 12 y Opening, con 18. 

Como gran seña de identidad, ARCOmadrid destaca nuevamente por el alto volumen, -cerca del 40% de la Feria-, de participación de galerías internacionales con programas enfocados a presentaciones individuales o en diálogo, poniendo el acento en la aportación de ARCOmadrid como espacio para el conocimiento y descubrimiento de la obra de los artistas. En esta misma línea, más de una decena de piezas artísticas de gran formato se distribuyen por ARCOmadrid bajo la categoría de Proyectos Especiales, lo que confirma también la apuesta de las galerías por presentar obras y proyectos ambiciosos y arriesgados. 

Por su parte, la participación internacional se mantiene en los mismos parámetros que en ediciones anteriores, con un porcentaje de galerías extranjeras que alcanza el 66,5% del total. Destaca una vez más la participación Latinoamericana –que supone el 40% del segmento internacional-, con un total de 41 galerías de 9 países a las que se suma en esta edición la participación especial de Argentina como país invitado, que cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Argentina y artBA, y que viene a consolidar la proyección de ARCOmadrid como referente latinoamericano en Europa. 

GALERÍAS Y ARTISTAS 
ARCOmadrid se configura como un mosaico, una feria de ferias, en el que los programas diseñados responden a una evolución y adecuación al mercado. Su apuesta por la presentación de proyectos individuales o en diálogo permite un descubrimiento o redescubrimiento de artistas. A los SOLO/DUO se unen otros diálogos intergeneracionales a lo largo de toda la feria. 

ARCOmadrid volverá a contar con su eje principal, el Programa General, formado por 164 galerías seleccionadas por el Comité Organizador, entre las que destaca la vuelta de galerías como Lisson Gallery –con Ai Weiwei y Anish Kapoor; Hauser & Wirth -Louise Bourgeois y Jenny Holzer-; Michel Rein -Maria Thereza Alves y Jordi Colomer-; Denise René Galerie –Victor Vasarely o Yaacov Agam-, además de otras importantes que mantienen su interés por ARCOmadrid como Casas Riegner -José Antonio Suarez Londoño-; Chantal Crousel -Jean-Luc Moulene-; Esther Schipper –Thomas Demand o Ceal Floyer-; Jocelyn Wolff –Franz Ehrhard Walter o Francisco Tropa- Mai 36 Galerie -Remy Zaugg-. 

El nuevo programa Diálogos, con la colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), contará con 12 galerías seleccionadas por María de Corral, Lorena Martínez de Corral y Catalina Lozano, cuyos stands generarán contenidos nuevos y la presentación en profundidad de obra de artistas como Roman Ondak y Robert Breer –gb agency-, Ariel Schlesinger –Dvir- y Jessica Rankin -Carlier Gebauer-. 

La sección Opening, centrada en galerías con una trayectoria de un máximo de siete años estará formada por 18 galerías, con dos artistas por stand, seleccionadas por Juan Canela y Stefanie Hessler. Entre otros, participan los artistas Carme Nogueira –Kubik Gallery- y Luis Lázaro Matos –Madragoa-. 

Uno de los grandes protagonistas de la Feria será Argentina Plataforma / ARCO, configurado por un total de 12 galerías argentinas y 23 artistas seleccionados por Inés Katzenstein; desde reconocidos internacionalmente como Alberto Greco; Eduardo Stupia y Mirtha Dermisache, hasta otros a descubrir por el público como Diego Bianchi, Pablo Accinelli o Sol Pipkin. 

Además, la sección Diálogos guardará una especial vinculación con Argentina con la participación de algunos artistas argentinos seleccionados por Inés Katzenstein, en coordinación con el equipo curatorial, como Irene Kopelman –Labor-; Eduardo Navarro y Julio Le Parc –Nara Roesler-; Tomás Saraceno y Analia Saban –Tanya Bonakdar-, y David Lamelas –Jan Mot-, a los que se suman Victor Grippo -Alexander and Bonin- y Jorge Macchi - Peter Kilchmann-. 

La amplia presencia argentina queda patente a lo largo de toda la Feria con artistas del país representados por galerías nacionales e internacionales como Leandro Erlich; Eduardo Basualdo; Claire de Santa Coloma; Guillermo Kuitca; Fabian Marcaccio; Sebastián Díaz Morales; Adriana Minoliti; Marie Orensanz; Edgardo Antonio Vigo; Aimée Zito Lema y Mercedes Azpilicueta, entre otros. 

A los contenidos argentinos se suma una importante representación de artistas latinoamericanos a lo largo de ARCOmadrid. Es el caso de Ivan Argote –ADN Galería-; María José Arjona - prometeogallery di Ida Pisani y Barbara Thumm-; Anna Bella Geiger –Aural y Mendes Wood DM-; Francois Bucher –Alarcón Criado-; Mariana Castillo Deball - Barbara Wien-; Ximena Garrido-Lecca-80m2-, en Programa General; Diango Hernández -Alexander and Bonin; Teresa Margolles -Peter Kilchmann- y Jorge Satorre –Labor-, en Diálogos, y Felipe Cohen y Pedro Cahetano –Cavalo-; Jorge de León y Alberto Rodríguez Collía -Proyectos Ultravioleta-; Yornel Martinez y Eduardo Ponjuán -El Apartamento-, en Opening. 

COLECCIONISTAS E INVITADOS ESPECIALES 
ARCOmadrid, con un presupuesto de 4’5 millones de euros, destina cerca del 20% a sus programas de promoción internacional y de compradores y prescriptores invitados, que traerán a Madrid a más de 250 coleccionistas de 44 países, y 150 directores de instituciones, comisarios de bienales y otros prescriptores internacionales del mundo del arte, además de a iniciativas de promoción internacional y otras acciones directas con coleccionistas de los principales mercados artísticos. 

Dando continuidad a la iniciativa del año pasado, ARCOmadrid vuelve a incorporar entre sus invitados a una treintena de jóvenes coleccionistas, que contarán con un programa diferente más orientado a su estilo y preferencias. Una estrategia clave para renovar e impulsar la principal plataforma española del mercado del arte, que además cuenta con la confirmación de la presencia de coleccionistas patronos y miembros de museos como Whitechapel Gallery; Frac Aquitaine; Palais de Tokyo; Museo Nacional de Bellas Artes (AAMNBA); Mamco; Jeu de Paume; CAAC Mali; Centre Pompidou; Davis Museum of Wellesley College; MALBA; MoMA; MuBE; Musée d'Art Moderne de la Ville Paris; Tate Americas Foundation; Independent Collectors… 

En la misma línea, ARCOmadrid vuelve a poner a disposición de los interesados First Collector by Fundación Banco Santander, el servicio de asesoramiento en la compra de arte durante la Feria. Por su parte, la plataforma virtual Artsy.net ofrecerá también este año la oportunidad de explorar la Feria y las obras presentes en la misma a través de su Web y en la App Artsy gratuita, a partir del 15 de febrero. 

PROFESIONALES 
ARCOmadrid goza del reconocimiento de haber sido la primera feria del mundo en incorporar las voces de los profesionales de arte contemporáneo, consolidándose como punto de encuentro, de intercambio y de conocimiento esencial para críticos, comisarios, directores de instituciones y otros profesionales. La asistencia de coleccionistas y otros agentes vinculados al arte, de más de 40 países, permite el desarrollo de un intenso programa de debates que constituyen una plataforma de reflexión. 

En esta ocasión, el Foro arranca con la participación de Norman Foster para dar paso al ya consolidado Foro de Coleccionismo que, con la colaboración de la Fundación Banco Santander, contempla sesiones dirigidas por Estrella de Diego y otras, con el apoyo de Ámbito Cultural" de "El Corte Inglés", por Judith Benhamou-Huet. 

A estas se suman otras sesiones dirigidas por João Fernandes y Chus Martínez, además la charla de Pacific Standard Time: LA/LA, con Pedro de Llano. Por su parte, Roberta Bosco, dirigirá Harddiskmuseum. Obras digitales únicas en Realidad Virtual, por Solimán López 

También ARCOmadrid acogerá distintas charlas públicas sobre los artistas en Argentina tanto en el Foro como en el stand institucional del Ministerio de Cultura del país. En el Foro, Agustín Pérez Rubio, director artístico del MALBA -Buenos Aires-, dirigirá la sesión Escritura, grafismos y artes visuales, y Manuel Segade, director del CA2M –Madrid- será responsable de Cuerpos, sexualidad y performance, ambas organizadas por Argentina Plataforma / ARCO. Esto se completa con diferentes charlas en su stand institucional que, coordinadas por Mercedes Pérez Bergliaffa, contarán con la participación de Julio Le Parc, Ella Fontanals de Cisneros, Patricia Pearson y Hugo Sigman, entre otros. 

Los Encuentros Profesionales, sesiones monográficas y de trabajo, establecen una mayor vinculación a los contenidos de la Feria con el objetivo de impulsar sinergias entre representantes de museos, comisarios y otros profesionales. João Fernandes dirigirá, con la colaboración de AECID, el VI Encuentro de Museos de Europa e Iberoamérica. Del mismo modo, la Sesión de Trabajo de Museos, co-organizado por Acción Cultural Española AC/E, traerá a Madrid a alrededor de 60 directores y representantes de museos de todo el mundo. Una participación que se completa con la asistencia de directores de museos y centros de arte de España, a través de ADACE. 

A estos se suman otros encuentros dirigidos por Juan Canela, Chris Sharp, Stefanie Hessler, Catalina Lozano y Miguel Amado, que dan cabida a la participación de un comisariado joven. 

PÚBLICO 
La Feria dedicará tres jornadas –24, 25 y 26 de febrero - a los aficionados al arte contemporáneo y público en general, a quienes ofrecerá ciertos servicios y facilidades para sacar el mayor rendimiento a su visita. Para facilitar el acceso a un mayor número de visitantes, el domingo 26 de febrero la entrada tendrá un coste de 30 euros. 

En esta línea, la Fundación ARCO está realizando diferentes acciones destinadas al público joven. Así, además de lanzar la nueva tarjeta Amigo Joven ARCO, dirigida a personas entre 16 y 25 años con ventajas a la hora de visitar ARCOmadrid, organiza, junto a Claribel Calderius y Daniela de Oteyza, un encuentro ARCO Joven para conocer y recoger sus inquietudes con el objetivo de adaptarlas y plantear un programa acorde a sus necesidades. 

Un año más, dedicará un espacio para los más pequeños en los talleres de ARCOkids, que diseñados por la Fundación Pequeño Deseo e impulsados por DKV Seguros, aproximan a los niños al mundo del arte contemporáneo. 

ARCOmadrid 2017, organizada por IFEMA, se celebrará del 22 al 26 de febrero en los pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid, en un horario de 12.00 a 20.00h. 

Más información: www.ifema.es/arcomadrid_01/

Ricardo Cases en La Fresh Gallery


Continuando con la línea iniciada en El porqué de las naranjas, Ricardo Cases indaga de nuevo en un cliché de la costa levantina. Planteando su tarea como un juego infantil consistente en representar el sol, el autor se sumerge en la cegadora luz del verano levantino en busca de su esencia, dejándose llevar por las sensaciones y poniendo en cuestión la forma en que el sol determina la identidad, la estética y la economía local.

Error de sol
Nací en un planeta inhóspito y rocoso, dominado por una estrella demasiado cercana. En mi cielo rota una bola de fuego inmensa que no me atrevo a mirar directamente. Me he acostumbrado a vivir con su aliento abrasador en el cogote, humillando la cabeza. La única forma de contemplarla sin riesgo es buscar discretamente su sombra en superficies, su reflejo en pozos o espejos. Con la técnica adecuada, y conociendo las distancias del cosmos, uno puede aprender a orientarse triangulando con respeto, con temor. 

Mi estrella me envía constantemente radiación de un modo masivo y no solicitado. Supongo que tanta energía es un regalo, quizás bienintencionado pero fuera de toda proporción; no sé qué hacer con él. Si hay algún tipo de Dios creador detrás de esto, ignoro cuáles pueden ser sus motivos y qué espera que haga con esto. Mi cuerpo no soporta tanta temperatura, mi retina no está adaptada para una cantidad de luz tan grande y mi cerebro no es tampoco capaz de procesarla bien.

Aquí, si te quedas quieto al sol durante unos minutos, tu sombra queda impresa en el suelo como una serigrafía. El terreno está lleno de marcas, de impresiones de seres y cosas que estuvieron allí en algún momento y dejaron para siempre la huella de su presencia, como fósiles de luz. De adolescente jugaba a eso, pero quedarse quieto a cielo abierto es exponerse a sufrir lo que aquí llamamos un error de sol, un golpe de luz al cerebro que le deja a uno desorientado, en marasmo, sin capacidad para entender. Al modo de la polilla, cuanto más ciego está uno más busca la luz sólo para chocar con ella improductivamente una y otra vez, sin capacidad para salir de ese ciclo. Si te sorprende el error de sol estando solo, es fácil morir. De todos modos, las zonas de sombra están también tan poderosamente irradiadas por los reflejos de las otras superficies que solo en la cueva está uno seguro.

Algo muy parecido les sucede a los relojes y brújulas, que congelan el tiempo y el espacio al ser sometidos a la radiación directa. Yo sufrí un error de sol grave una vez, de muy joven, y mi percepción quedó parcialmente dañada para siempre. Además de la dificultad física de ver, tengo la imposibilidad de entender gran parte de lo que veo. Cada vez que salgo al exterior tengo que aprender a mirar de nuevo, como los niños. En ocasiones, cuando algo me sorprende, me quedo mirando fijamente y la persistencia retiniana es tan grande que tengo que correr a la sombra y acabar de comprender lo que veo más tarde, con calma. Dicen que todas las células del cuerpo se renuevan varias veces a lo largo de nuestras existencias, salvo las neuronas y la retina, que tenemos desde el nacimiento y son para toda la vida. De este modo, mi retina quemada va almacenando capas y capas de imágenes grabadas, un palimpsesto de todas aquellas cosas que en algún momento vi y me impresionaron. Ahí las tengo todas, y cuando descanso en la cueva las voy mirando con la esperanza de poder entenderlas más adelante.

Hubo un tiempo en que este chorro de luz sin control era algo llamativo, y gentes de todas partes venían a conocerlo. Ahora todo eso se terminó: mi tierra quedó ya insolada, agostada, arrasada. Ahora la radiación es tan intensa que acaba con cualquier forma de vida distinta a la mía. Estoy solo en mi desierto con mis fósiles de luz y mi estrella que abrasa, esteriliza, mata todo. 

Texto: Luis López Navarro

SOL, RICARDO CASES
Lugar: Galería La Fresh Gallery.
Dirección: Conde de Aranda, 5, Madrid.
Fecha: del 16 de febrero al 17 de marzo de 2017
web: www.lafreshgallery.com

jueves, 2 de febrero de 2017

El Museo Reina Sofía recibe varias donaciones y depósitos de obras de Marcel Broodthaers

Tras finalizar la retrospectiva que se ha podido ver en el Reina Sofía sobre Marcel Broodthaers (Bruselas, 1924 – Colonia, 1976), el Museo ha recibido varias donaciones y depósitos de obras del artista belga que se integrarán en la Colección, en la que su trabajo juega un importante papel y en la que se quiere potenciar la presencia de sus creaciones. Broodthaers cuenta con una obra muy extensa en la que ha utilizado múltiples materiales. Además, construyó objetos paradójicos y basó su creación en el lenguaje. Su trabajo se encuentra en las colecciones del MoMA de Nueva York, de la Tate Modern de Londres, del Stedelijk Van Abbemuseum de Eindhoven, del Centro Pompidou de París y del MACBA de Barcelona.

La Colección del Museo Reina Sofía contaba hasta la fecha con cuatro obras: Panel with Eggs and Stool, 1966, L'art et les mots, 1973, adquiridas ambas en 2009; CHEZ VOTRE FOURNISSEUR, 1968, adquirida en subastas en 2011; y Fémur de la femme française, 1965, depositada en el Reina Sofía por la Sonnabend Collection de Nueva York.

Las donaciones
Su viuda, Maria Gilissen Broodthaers, ha donado al Museo 5 películas. Por un lado, Une seconde d’éternité (D'après une idée de Charles Baudelaire),1970. (También denominada La signature), una película en 16 mm. que se hizo utilizando técnicas de animación en la que Broodthaers trazó sus iniciales en 24 pasos (un segundo), filmando cada uno en una apertura del obturador de la cámara. 

Y por otro, el conjunto formado por 4 películas llamado Cinema Modèle. Es una instalación que permite una visión global del uso que Broodthaers hizo del medio cinematográfico. Las películas están dedicadas a poetas y artistas de diferentes épocas, todas a modo de homenajes. 

-La clef de L’Horloge. Poème cinématographique en l’honneur de Kurt Schwitters, 1957 (16 mm, B/N, sonido, 7’)
-La Pipe (Magritte), 1969, 
-La Pluie (Projet pour un texte) 1969 (16 mm, B/N, sin sonido, 3’) 
-A film by Charles Baudelaire, 1970 (35 mm, color, sonido, 6’ 30’’), 

Los Depósitos
En cuanto a los depósitos, los coleccionistas Ricardo y Susana Steinbruch (Brasil), han acordado dejar en el Museo por un periodo de 5 años prorrogable la obra Pool (Charco/gallina), de 1966. Se trata de dos barriles de madera pintados (uno con tiza) y cáscaras de huevo encuadrados en la etapa en la que Marcel Broodthaers, tras años de entrega a la poesía, se inició en las artes plásticas. 

Por otro lado AFCA (American Friends of Contemporary Art) ha cedido también por un periodo de cinco años prorrogable Le Corbeau et le Renard (El cuervo y el zorro// The Crow and the Fox), (1967-1968), una obra que contribuyó a poner punto final a la “clase de pop art nacional” de Broodthaers, y abrió la transición desde la acumulación-assemblage al montaje cinematográfico-plástico.

Todo sobre el beso, de Albert Soler

Hace unos días recibí un paquete que contenía un libro y dos caramelos, se anunciaba como “El libro más dulce del mundo”. Debo reconocer que lo esperaba con cierta ansiedad, el departamento de prensa de Plataforma Editorial hizo bien su trabajo y había despertado mi curiosidad por el texto.

Es un libro dedicado exclusivamente al beso, su título no engaña a nadie Todo sobre el beso. Está planteado en forma de diccionario y en él su autor, Albert Soler, explora el mundo de los besos con un sinfín de curiosidades, historias y datos, empleando un tono divertido y ameno. Además, viene acompañado por las ilustraciones de Mamen Díaz (mamendiaz.com).

¿Conoces la mejor técnica para dar un beso? ¿Quieres lograr un beso de alguien que no conoces con solo tres preguntas? ¿Quieres tener buen aliento? ¿Conoces los errores más comunes en el momento de besar? ¿Quieres saber si él o ella quieren ser besados? ¿Conoces los beneficios de besar a los bebés? ¿Quieres conocer algunos trucos para robar un beso?

Todo esto y más, es a lo que responde a lo largo de esta obra. Una pequeña enciclopedia ágil, rápida y entretenida, sin más pretensión que hacerte pasar un rato agradable al lector. En realidad miento, posee una meta mucho más ambiciosa, Albert Soler plantea este trabajo con el claro objetivo que no te vayas a dormir sin haber besado a alguien.

Como indica el autor de la obra: "quiero ayudarte a no acabar el día sin haber palpado los labios de otra persona. ¿Por qué? La respuesta es fácil. Porque, como afirmaba hace años el psiquiatra Jesús de Gándara, «buena parte de nuestra felicidad depende de la cantidad de besos que nos dan o damos». A más besos, más felicidad. Además, no solo seréis dos los que saldréis beneficiados después de disfrutar de un buen ósculo. Besar hace feliz a la gente, y la felicidad es contagiosa". 

No sé si logrará contagiar la felicidad a través de los besos, ojalá, pero es sin duda un bonito libro, una obra acertadamente ilustrada, ideal para regalar e incitar al beso o simplemente para abrir por cualquier página y sonreír.

AUTOR
Publicista de profesión, Albert Soler (www.albertsoler.info) publica su segundo libro, en esta ocasión dedicado a los besos. Después de escribirlo, ha podido calcular que en lo que lleva de vida ha dado y recibido unos 85.000 besos de toda clase, que su técnica habitual es girar la cabeza hacia la derecha, que su beso preferido es el llamado «Beso para encender la llama», y ofrece cinco consejos para tener una buena relación: besar, besar, besar, besar y besar.

Más información: www.plataformaeditorial.com
 
Texto: J. Sacrobosco