viernes, 14 de octubre de 2016

El Día de las Escritoras en la BNE

La Biblioteca Nacional de España organiza el 17 de octubre, en colaboración con la Federación Española de Mujeres Directivas, Ejecutivas, Profesionales y Empresarias (FEDEPE) y la Asociación Clásicas y Modernas para la igualdad de género en la cultura, el Día de las Escritoras, una iniciativa que nace con vocación de celebrarse anualmente y reivindica la labor y la trayectoria de las escritoras tantas veces relegadas a un segundo plano a lo largo de la historia. La fecha escogida se debe a que es el primer lunes siguiente a la festividad de Teresa de Jesús, que se conmemora el 15 de octubre.

Para esta primera edición, se han seleccionado los textos de treinta escritoras en castellano, catalán, euskera y gallego, que leerán un grupo de mujeres y hombres, con una especial representación de autoras en activo.

Los textos seleccionados corresponden a Santa Teresa de Jesús, Sor Juana Inés de la Cruz, Josefa Amar y Borbón, María Rosa Gálvez, Bizenta Mogel, Fernán Caballero (Cecilia Böhl de Faber), Gertrudis Gómez de Avellaneda, Concepción Arenal, Carolina Coronado, Rosalía de Castro, Emilia Pardo Bazán, Víctor Catalá (Caterina Albert), María de la O Lejárraga, Delmira Agustini, Gabriela Mistral, Victoria Ocampo, Juana de Ibarbourou, Alfonsina Storni, Rosa Chacel, Lydia Cabrera, Dulce María Loynaz, María Zambrano, Mercè Rodoreda, Elena Garro, Gloria Fuertes, Olga Orozco, Idea Vilariño, Carmen Laforet, Rosario Castellanos, Carmen Martín Gaite y Ana María Matute.

La selección de los textos se ha hecho, en su gran mayoría, siguiendo el canon establecido por Anna Caballé en su libro La vida escrita por la mujeres: obras y autoras de la literatura hispánica e hispanoamericana (Barcelona, Círculo de lectores, 2003).

Entre otros, Victoria Prego pondrá voz a los escritos de Santa Teresa de Jesús, Ana Santos Aramburo a sor Juana Inés de la Cruz, Carmen Alborch a Josefa Amar y Borbón, Luis Alberto de Cuenca a Carolina Coronado, Laura Freixas a Victor Catalá, Ernesto Caballero a Delmira Agustini, Milagros del Corral a Juana Ibarbourou, Clara Janés a Alfonsina Storni, Soledad Puértolas a Rosa Chacel, Elisa Ruiz a María Zambrano, Julia Navarro a Olga Orozco, Carmen Riera a Mercé Rododera, y Pepa Bueno a Ana María Matute.

A esta iniciativa se ha sumado el Observatorio Cultural de Género de Barcelona, la Institución de las Letras Catalanas, la Asociación de Escritores en Lengua Catalana, la Biblioteca de Cataluña, la Biblioteca Carles Rahola (Gerona), la Biblioteca Pública de Tarragona, la Biblioteca Pública de Lérida, el Ayuntamiento de Segovia con el apoyo de las asociaciones de mujeres de la ciudad, así como la Biblioteca Municipal de El Barco de Ávila “José María Rodríguez Méndez”, las Biblioteques de Calvià – Igualtat (Mallorca), la Biblioteca de la Facultad de Educación de la Universidad de La Laguna (Santa Cruz de Tenerife), la Biblioteca Municipal de Cáceres, la Biblioteca Pública Municipal “Maxi Banegas” de Pinoso (Alicante), la Biblioteca Pública Municipal de Poblete, Puerta de Alarcos (Ciudad Real), la Biblioteca de Navarra, la Biblioteca Municipal de Arucas (Gran Canaria), la Biblioteca Municipal de Las Rozas, la Biblioteca Poblete, Puerta de Alarcos (Ciudad Real), Biblioteca Pública Provincial "Francisco Villaespesa" (Almería), la Escuela de Escritores Alonso Quijano, de Alcázar de San Juan (Ciudad Real) junto con el Colegio Público Jardín de Arena de Alcázar de San Juan, el grupo de escritura creativa “La generación ganada”, de Málaga, que realizara una actividad en una Biblioteca Municipal. En Valencia, se realizará una exposición organizada por la Fundació per al Foment a la lectura y una lectura de fragmentos de textos de autoras valencianas. En la Librería Antígona, de Zaragoza, con la colaboración de la Asociación de Empresarias de Aragón y otros grupos también se realizarán lecturas, así como en la Biblioteca María Moliner de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Zaragoza. En Madrid, desde el espacio escénico MÍNIMA & LANAU se unen a través de su edición TeatrA2016. Además, se ha invitado a sumarse, a través del Consejo de Cooperación Bibliotecaria, a todas las bibliotecas públicas del Estado.

Igualmente, en la Biblioteca de Navarra, más de una veintena escritoras actuales de esa comunidad leerán 31 textos de mujeres literatas de todos los tiempos. Asimismo, se llevarán a cabo actividades a nivel internacional, como las que se realizarán en México, coordinadas por Leticia Romero Chumacero, en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, en la Universidad Autónoma de la ciudad de México-Cuautepec, en la Universidad Autónoma de Zacatecas, en la Universidad Autónoma del Estado Hidalgo, en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo en la Biblioteca Pública del Estado de Jalisco “Juan José Arreola”, en el Centro Cultural y Librería Voces en Tinta de Ciudad de México, en la Universidad Autónoma de Querétaro, en la Universidad Autónoma de Tlaxcala, en la Universidad Autónoma del Estado de México, en la Universidad de Colima, en la Universidad de Guadalajara, en la Universidad Autónoma Metropolitana-Azcapotzalco y la Universidad Veracruzana.

Marcel Broodthaers en el Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta (del 5 de octubre de 2016 al 9 de enero de 2017), la antológica más completa que se ha realizado hasta la fecha sobre el artista belga Marcel Broodthaers (1924-1976), y que ha sido organizada conjuntamente con el MoMa de Nueva York.

Su extraordinaria producción artística durante las décadas de los años sesenta y setenta del siglo XX, lo situó como uno de los artistas más importantes del panorama internacional, ejerciendo desde ese momento hasta la actualidad una gran influencia en muchos artistas contemporáneos. Tras un trabajo inicial dedicado a la poesía, la crítica periodística y la fotografía, Marcel Broodthaers decide en 1964 convertirse en artista visual. A partir de entonces, se percibe en toda su obra una preocupación por dar respuesta a las preguntas básicas de las artes plásticas, cuestionándose la idea de representación y la producción de significado a través del uso de sistemas de conocimiento existentes.

A lo largo de su carrera, desde sus tempranos objetos formados por mejillones y huevos hasta su posterior museo ficticio, el Musée d’Art Moderne.Département des Aigles, o la retrospectiva Décor. A Conquest by Marcel Broodthaersque inauguró en 1975 en el Institute of Contemporary Arts de Londres, Broodthaers mantuvo siempre una posición única dentro del mundo del arte. A través de un planteamiento radical de los enfoques tradicionales de la poesía, el cine, los libros o la propia exposición, el artista encontró su propia vía para desarrollar un trabajo con el que dar un personal punto de vista a los por aquellos años nacientes arte pop y conceptual, así como a crear toda una estructura centrada en la crítica institucional.

Tras exhibirse a principios de este año en una versión más reducida en el museo norteamericano, la exposición Marcel Broodthaers. Una retrospectiva reúne cerca de 300 piezas, entre obras y documentación, y muestra las múltiples facetas que desarrolló este artista belga a lo largo de toda su carrera hasta convertirse en uno de los creadores más importantes e influyentes del panorama internacional. El público podrá contemplar importantes trabajos del autor procedentes de prestigiosos museos como el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, la National Gallery de Washington, la National Gallery of Scotland, el MACBA de Barcelona, o el centro Georges Pompidou de París que, por ejemplo, ha prestado por primera vez una de las obras que posee de Broodthaers.

La muestra está acompañada por la publicación de un extenso catálogo, con ediciones en castellano e inglés, con textos de los propios comisarios junto a historiadores del arte como Jean-François Chevrier, Thierry de Duve y Benjamin H. D. Buchloh, así como de una selección de capítulos dedicados a diferentes apartados de la producción del artista belga.

Organización: 
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, y The Museum of Modern Art, Nueva York.
Comisariado: 
Manuel Borja-Villel, Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, y Christophe Cherix, Comisario Jefe de Dibujos e Impresiones de The Robert Lehman Foundation, The Museum of Modern Art, Nueva York.
Itinerario:
Museum of Modern Art, Nueva York (9 febrero - 15 mayo, 2016); Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf (2017).

FRÁGILES de JotaTeam en La Fresh Gallery

Tras Identidades, JOTATEAM presenta Frágiles, un proyecto editorial en formato exposición que materializa doce personalidades femeninas históricas a través del packaging

¿Se puede encerrar la biografía, el carisma, la personalidad de alguien en una caja? Después del proyecto Identidades, donde JOTATEAM diseñó la identidad corporativa de once hombres icónicos, Frágiles convierte la vida y el alma de doce perfiles femeninos en doce cajas diseñadas ad hoc según los rasgos más intrigantes, apasionantes o descarnados de cada una. 

La selección recorre la Historia desde el origen de la humanidad hasta nuestros días, componiendo un híbrido de personalidades dispares, cuyo único factor común es haber sido únicas. Apasionadas, inauditas, ambiguas, constructivas, destructivas, poderosas, heridas, pero ninguna frágil. Frágiles da nombre al tratamiento que merecen las cajas que encierran sus vidas o lo que la memoria ha querido hacer de ellas. Toda caja que encierra algo tan delicado como la esencia de alguien debe llevar esa clásica advertencia: FRÁGIL. 

El equipo de JOTATEAM ha desarrollado una minuciosa labor de producción para cada pack (desde los troqueles a cada detalle gráfico) y su contenido (perfume, leche, huesos de cerámica, cápsulas psicotrópicas o fósforos) además del diseño de elementos que complementan el proyecto en su formato expositivo, como el display de las piezas, la banda sonora, un licor propio. 

Frágiles conforma una colección de piezas de producción limitada, desde una pieza única a un máximo de veinte por cada personaje, a la venta durante un mes a partir del 20 de octubre en La Fresh Gallery de Madrid.

TEXTO: JOTATEAM

FRÁGILES
Lugar: Galería La Fresh Gallery.
Dirección: Conde de Aranda, 5, Madrid.
Fecha: del 20 de octubre al 11 de noviembre de 2016

-----
JOTATEAM STUDIO
Dirección de arte - Jota
Dirección gráfica - Marial Soy & Alicia Padron
Dirección tipográfica - Enrique Casp
Diseño gráfico - Migue Martí & Israel Pinilla & Jandro Revert
Arquitectura Espacial - Cito Ballesta
Textos y Biografias - Alberto Otto
Programación - Laura Osodio
Producción - Asier Goñi
Fotógrafo - Jose Morraja
Retoque Fotográfico - Jandro Revert

GRÁFICAS NARANJO
Dirección - Pablo Naranjo Jr.
Preimpresión - Carlos Guillen
Impresión Offset - José Luis Blasco
Especialidades, troquelados y golpe seco - Pablo Naranjo Sr.
Materiales y acabados - Javier Naranjo
Cajas y manipulado - Manuel García
---
Banda Sonora - Miguel Agnes
Huesos Lucy - Tánata Cerámica
Decoración Floral - Fransen et Lafite

lunes, 10 de octubre de 2016

Marc Montijano reflexiona sobre la precariedad del sistema artístico con su último trabajo

Performance de Marc Montijano
El artista Marc Montijano plantea con la acción Please, don’t feed the artist (Por favor, no den de comer al artista), una reflexión a través de una mirada irónica al mundo del arte. Se trata de una crítica al sistema del arte español, totalmente precario y abusivo. En el que el creador pocas veces puede vivir del arte y, sin embargo, muchas personas viven en torno al trabajo de los artistas.

Para este proyecto, llevado a cabo el 8 de octubre dentro del marco de la feria Art Jaén, el artista ha transformado por unos días una porción del Museo de Jaén, en una especie de corral o jaula para animales delimitando el espacio con una tela de gallinero. Sentado sobre un lecho de paja y bajo un cartel en el que se puede leer: “Please, don’t feed the artist “, Marc Montijano aparece impasible y ensimismado, siendo observando por los visitantes del museo, como en un zoológico. Cerca de él, un grupo de modelos con la característica estética de su trabajo (sacos cubriéndoles el rostro, desnudos y cuerdas), aparecen recostados, acurrucados entre sí, en actitud abatida, como aquellos animales de circo explotados, función tras función. Marc Montijano se presenta a sí mismo y a su obra, como parte del espectáculo, pero en esta ocasión nos muestra con acidez la cruz, la realidad laboral que se esconde tras el trabajo de la mayoría de creadores en este país.

Como ha indicado Montijano: “Pretendo hacer una crítica al mundo del arte en España e invitar a la reflexión. En los últimos años, ha habido un boom de infraestructuras culturales y se realizan numerosos proyectos y actividades, pero no deja de ser un espejismo. Los recursos, generalmente públicos, llegan mínimamente al creador.

La norma es que una institución cultural o una administración, realice una exposición o programe una actividad con escaso o nulo presupuesto para el artista. Los recursos se destinan a sostener la propia infraestructura de la institución, es decir los gastos del continente y del personal que allí trabaja. Otra parte a los organizadores del proyecto y, si sobra algo, a la producción. Pero salvo milagro, no habrá ninguna partida reservada para los honorarios del artista, como cualquier otro profesional. El artista se mueve entre la gratuidad y los presupuestos irrisorios, en la mayoría de proyectos. Es una situación absurda y sangrante, propia de un país que no valora ni respeta la cultura.

Lo más triste es que a pesar de las condiciones totalmente abusivas, hay una cola interminable de artistas dispuestos a participar del abuso, a trabajar gratis. Con ello se ha creado un sistema enteramente amateur, pues la mayoría de artistas en España no pueden vivir del arte”.

La acción Please, don’t feed the artist, nos lanza una imagen impactante y cruda, que nos invita a reflexionar sobre la precaria realidad laboral de los creadores en España. Tras la performance, que duró aproximadamente dos horas, el proyecto queda a modo de instalación en el Museo de Jaén hasta la clausura de la feria el 30 de octubre de 2016.

Esta acción, forma parte de una trilogía en la que el artista reflexiona desde dentro sobre el mundo del arte. La primera fue el proyecto 100 veces No, el pasado mes de septiembre, que hablaba sobre la censura en las redes sociales y la pasividad con la que el mundo de la cultura la acepta; la segunda es la actual performance; y la tercera y última acción, titulada La fina línia que separa l'art de la mendicitat, tendrá lugar este invierno en Barcelona.
FUENTE: Homines.com