martes, 21 de noviembre de 2017

Cesar Paternosto en la galería Guillermo de Osma

La galería Guillermo de Osma presenta una exposición dedicada a la obra del artista argentino César Paternosto (La Plata, 1931), compuesta por 21 piezas realizadas recientemente (del 21 de noviembre de 2017 al 15 de enero de 2018). La exposición se presenta de forma paralela a la muestra César Paternosto. Hacia una Pintura Objetual, comisariada por el mismo artista en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, y donde se confronta su obra con las de Pablo Picasso, Juan Gris, Piet Mondrian y Joaquín Torres-García.

Ésta es la tercera exposición que la galería Guillermo de Osma dedica al artista argentino, después de las realizadas en 2006 y 2010. En ella, César Paternosto presenta un trabajo profundo y esencial, que manifiesta su continua necesidad de evolucionar hacia nuevas soluciones plásticas. Sin romper con su trabajo anterior, y recurriendo a elementos geométricos básicos habituales en su producción y a tonalidades utilizadas en el pasado, el artista consigue hacer algo absolutamente novedoso en su larga trayectoria.

César Paternosto, uno de los más importantes representantes del arte geométrico latinoamericano, comenzó su andadura artística a finales de los años 50, cuando decidió abandonar su profesión de abogado para dedicarse por entero a la pintura, su gran pasión.

Tras realizar varias exposiciones y participar en importantes eventos artísticos, en 1967 el MoMA adquirió una obra suya, hecho que le animó a trasladarse a Nueva York. En esta ciudad –su lugar de residencia hasta 2003–, desarrolló la mayor parte de su carrera, consolidando su arte y exponiendo varias veces en Denise René, la galería de referencia especializada en arte geométrico. También ha expuesto en destacadas galerías del circuito de Nueva York como AM Sachs, Mary Anne Martin o Cecilia de Torres. Asimismo, su actividad expositiva se ha desarrollado en otras ciudades, como Buenos Aires, Bogotá, Düsseldorf, París, Zurich, Barcelona y Colonia, entre otras, y su obra se encuentra en importantes museos y colecciones del mundo como el Guggenheim, el MoMA, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza o el Museum of Fine Arts of Boston, entre otros.

La gran aportación plástica de Paternosto se produjo en 1969, cuando comenzó dejar el frente del cuadro en blanco, para trabajar solamente los cantos, usando para este fin unos bastidores más anchos de lo normal. El cuadro aparece como un objeto escultórico que sobresale del muro, frente al cual el espectador –una vez eliminada la visión exclusivamente frontal– se ve obligado a deambular en torno a la obra para obtener la “visión integral”.

Con el paso del tiempo, sin dejar de trabajar los cantos, comenzó a introducir líneas verticales y luego horizontales en el frente del lienzo, acentuándose a partir 1975, cuando en un viajó a Perú toma contacto con el arte de la cultura Inca. Esta experiencia dio un nuevo impulso a su obra, ya que la geometría tomó un papel relevante en su obra, convirtiéndose en una senda nueva a explorar. Paternosto se unió a una corriente de investigación estética que desde la geometría de Joaquín Torres-García unificó los conceptos de arte de Vanguardia y tradición Indoamericana uniendo, por tanto, modernidad y raíces, así como futuro e identidad. Este ha sido uno de los temas centrales de César Paternosoto, que no sólo desarrolló en su obra plástica, sino también en sus ensayos, sobre todo en la exposición “Abstracción. El paradigma Amerindio”, presentada en el 2002 en el IVAM de Valencia.

En los últimos años cabe destacar su participación en muestras institucionales de relevancia como “América Fría” en la Fundación Juan March o “La Invención Concreta” en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y un gran mural en la reciente ampliación realizada por Rafael Moneo de la estación de Atocha de Madrid.

Con motivo de la exposición en la galería se editará un catálogo con textos de Lorea Rubio, donde se incluirán todas las obras que componen la muestra.

Iniciativa de la Fundación ARCO para la creación de nuevos coleccionistas

El proyecto #mecomprounaobra, una nueva iniciativa de la Fundación ARCO, buscará poner al alcance de cualquier persona interesada obras de arte con precios inferiores a 2018 euros, con el atractivo añadido de que serán seleccionadas directamente, en cada una de las galerías participantes, por personas con amplia visibilidad pública. Así, un influencer del mundo de la cultura, el cine, la música, la moda, la gastronomía, etc., elegirá una serie de obras que estarán a disposición de los interesados en un espacio privado de las galerías madrileñas durante los días 14, 15 y 16 de diciembre.

El trabajo conjunto con las galerías participantes buscará acercar el arte contemporáneo a un nuevo público, motivado por el poder de movilización que hoy en día tienen las figuras públicas a través de sus canales de comunicación; muchas de las cuales han sido elegidas por las propias galerías y todas ellas con prestigio en sus ámbitos profesionales. Es el caso de la galería García Galería, cuyas obras serán seleccionadas por la diseñadora Ana Locking y de Fernando Braso, por la modelo Nieves Álvarez. Por su parte, la galería Pilar Sierra contará con la actriz Antonia Sanjuan, mientras que F2 lo hará con la chef Samantha Vallejo-Nágera. Max Estrella confiará la selección de obras a la periodista Marta Riopérez; Travesía Cuatro a la ilustradora Monstruo Espagueti; Espacio Mínimo a Charo Izquierdo, directora de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid; y Nogueras Blanchard a Jean Porsche, arquitecto. Otras galerías que han confirmado su participación en este proyecto son: Sabrina Amrani junto a Ianko López; Álvaro Alcázar, que contará con María de León; Formatocomodo con Kike Sarasola; José de la Mano con Joan Matabosch; Rafael Pérez Hernando Arte Contemporáneo con María Blasco; Galería Alegría con Diego Postigo; Moisés Pérez de Albéniz con Fernando González Molina; Ponce + Robles con Tomás Alía; The Goma con Inés Ybarra; Maisterravalbuena con Andrés Rodríguez; Heinrich Ehrhardt con Paco Pintón; y Galería Bacelos con Elena Furiase.

Además, todas las personas que compren obra en el marco de este proyecto recibirán una invitación a ARCOmadrid 2018, que se celebrará del 21 al 25 de febrero en IFEMA.

El fomento del coleccionismo es una de las principales líneas de trabajo de ARCOmadrid, que especialmente a través de la Fundación ARCO desarrolla actividades e iniciativas que buscan apoyar y dar voz a coleccionistas de todo el mundo. Con esta idea surge #mecomprounaobra, un proyecto creado con el objetivo de animar a personas jóvenes con posibilidad de comprar arte y acercarles a este apasionante e interesante mundo.

Además de reconocer la labor esencial de los mecenas privados en el campo de la creación, difusión y conservación del arte contemporáneo, son importantes también las acciones que permiten asegurar el futuro del panorama nacional de coleccionismo. Acercarse a aquellos sectores de la sociedad que hasta ahora no han valorado las posibilidades de coleccionar arte, normalmente por desconocimiento de las múltiples posibilidades que ofrecen las galerías y de la riqueza de la experiencia compartida con galeristas y artistas. Romper con la idea de que para coleccionar son necesarias grandes fortunas, o que el mercado del arte contemporáneo es algo inaccesible. Comprar arte puede formar parte de la autobiografía de cada uno; un hito importante en la vida vinculado a la obra de un artista con la que luego conviviremos.

lunes, 20 de noviembre de 2017

El Reina Sofía presenta en México la primera exposición que se organiza fuera de España sobre Elena Asins

Con motivo de la 31 Feria Internacional del Libro de Guadalajara, México, que se celebra del 25 de noviembre al 3 de diciembre de 2017, y en la que Madrid es la Invitada de Honor, el Museo Reina Sofía y el Ayuntamiento de la capital, presentan Fragmentos de la Memoria II, una exposición dedicada a la artista Elena Asins (Madrid, 1940 - Azpíroz, Navarra, 2015). La muestra, comisariada por Belén Díaz de Rábago y Carmen Fernández Aparicio, se inaugura en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (México) el próximo viernes 24 de noviembre de 2017, y permanecerá abierta hasta el 25 de febrero de 2018. El proyecto, dirigido por Manuel Borja-Villel, parte de la retrospectiva que el Reina Sofía le dedicó a la artista en 2011, y se complementa con una selección del reciente legado estamentario de toda su obra que recibió el Museo. Será, además, la primera vez que una exposición individual de esta artista salga de España.

La muestra de Asins -Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011- es la primera de carácter individual que se organiza sobre la artista fuera de  España y reúne un conjunto de alrededor de noventa obras -todas pertenecientes a la colección del Museo Reina Sofía- que recorren la producción completa de Asins, desde las primeras obras abstractas fechadas en torno a 1965, hasta la última versión de su trabajo en vídeo, titulado Antígona (2014-2015), en el que trabajó hasta su muerte. La selección se compone de dibujos, collages, esculturas, dibujos y libros realizados con ordenador y un conjunto representativo de su producción en vídeo, al que dedicó sus últimos años. Hay que destacar la presencia de dos obras compuestas por gran número de piezas, Combinaciones, formada por 33 dibujos, y Paradigma para Scale, integrada por 272 piezas.

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara es el mayor encuentro cultural en español del mundo y está organizado por la Universidad de Guadalajara con la misión principal de crear puentes, a través de la literatura y las artes, entre el mundo de la cultura y la diversidad de naciones latinoamericanas. Madrid es la Invitada de Honor en 2017, única ciudad en ocupar este espacio tras Los Ángeles en 2009. Y para la ocasión, el Ayuntamiento ha organizado una programación completa con la que pone de manifiesto la potencia y el dinamismo cultural y editorial de la capital española tanto en el ámbito de la literatura como el musical, teatral o cinematográfico.

viernes, 17 de noviembre de 2017

Delimbo abre nuevo espacio en Madrid

La galería Sevillana Delimbo inaugura su sede de Madrid con una exposición colectiva con los artistas Sixe Paredes, Momo (USA), Okuda San Miguel y Felipe Pantone (Argentina) en la calle Doctor Fourquet número 30, próximo al Museo Reina Sofía y La Casa Encendida. Doctor Fourquet es conocida por ser la principal calle de las galerías de arte de Madrid a la vez que es también la calle de Europa con más galerías de arte por metro cuadrado. 

Tras once años de trayectoria Delimbo se ha convertido en una de las galerías referentes en arte urbano y contemporáneo nacional e internacional, ofreciendo una programación diferente a la del resto del panorama galerístico español, representando a artistas tales como Felipe Pantone (Argentina), Jeroen Erosie (Holanda), SatOne (Alemania), Sixe Paredes, Hell'O Collective (Bélgica), Suso33, Eltono (Francia), Nano4814, Boris Hoppek (Alemania), Momo (USA), Daniel Muñoz "SAN", Louis Lambert, 3TTMAN (Francia), Andy Rementer (USA), Nuria Mora, María José Gallardo, Rorro Berjano, Andy Rementer (USA) ó Okuda San Miguel, entre otros.

La exposición de la galería en Madrid podrá visitarse hasta el próximo 15 de enero.


Biografías de los artistas:
Sixe Paredes (España, 1975).
Sergio Hidalgo Paredes, también conocido como SIXEART o SIXE PAREDES, nació en 1975 en Barcelona. Empezó su trayectoria artística en el mundo del graffiti a finales de los años 80 y esta ha ido evolucionando y transformándose. En su búsqueda investigativa por ir más lejos, comienza a experimentar a mitad de los años 90 con otros formatos artísticos como la pintura, la escultura y la instalación.

Es un artista cuya obra representa una de las referencias españolas más notables en cuanto a arte urbano se refiere. Su trabajo ha sido expuesto en espacios y galerías de todo el mundo, así como instituciones de primer nivel como el Museo Nacional Británico de Arte Moderno “Tate Modern”. Sixe Paredes fue uno de los seis artistas que pintaron la fachada de la Tate Modern en el 2008 en la innovadora exposición de pinturas murales “Street Art”.

A pesar de su constante labor investigativa, nunca ha abandonado la actividad que despertó su creatividad, el arte público. Son numerosos los festivales, bienales y proyectos de arte urbano, que cuentan con el artista en la actualidad. Sin duda, Sixe Paredes, es un artista plástico y un maestro del arte urbano, que ha sabido llevar el discurso de la calle a un nivel más profundo. Este artista catalán, reclamado en los cinco continentes, continúa hoy viajando con su obra por todo el mundo.

Felipe Pantone (Argentina, 1986).
Comenzó haciendo graffiti a la edad de 12 años y se graduó en Bellas artes en la universidad de Valencia, ciudad donde reside y trabaja. Felipe recorre el mundo sin parar a través de su arte. Su obra puede encontrarse en numerosas colecciones particulares y privadas.

Felipe Pantone desarrolla un trabajo que va desde el graffiti hasta el arte cinético. Fuertes contrastes, colores intensos, efectos y una buena cantidad de recursos de los que se sirve para que sus piezas generen un fuerte impacto en el espectador. Prolífico por naturaleza, solo en este último año y medio además de sus recientes exposiciones en San Francisco, Sydney, Panamá o París, el artista ha realizado murales de grandes dimensiones en lugares emblemáticos como el Palais de Tokyo de París, el hotel Ushuaia de Ibiza o ciudades como Atlanta, Hawai, Tokyo, Australia, Alemania, Suiza, Irlanda, Bruselas, Miami, Escocia, ó Holanda.

Momo (EEUU, 1974).
MOMO es un artista que trabaja en espacios públicos con herramientas caseras. Sus intereses actuales se encuentran en investigar sobre una creciente gama de técnicas de albañilería y adaptarlas para elaborar, diseñar y organizar murales en el espacio público. 
Nacido en San Francisco en 1974, MOMO ha recorrido el mundo la mayor parte de su vida,viviendo en ciudades como New Orleans ó Granada, y en la actualidad mantiene su estudio y residencia en Nueva York.

En 2008 Rojo publicó su primera monografía "03 a.m.-06 a.m.;" En 2012 publicó su segundo libro con Studio Cromie titulado “In 74 pieces”, En May Gallery realizó una instalación inmersiva titulada "Butt Joints (juntas a tope)" en Nueva Orleans ; Studio Cromie produjo un recorrido de pinturas y exposición en el sur de Italia; y el New York DOT encargó un un mural de 61 metros de largo entre el puente de Brooklyn y el de Manhattan en Dumbo, Brooklyn. En 2015 creó un mural de 80 metros de ancho en el vestíbulo de la Torre John Hancock en Boston, y posteriormente un 80 metros de altura en el centro de Filadelfia, y una doble fachada de 5 pisos con un mural de vinilo impreso en Manhattan, producida por la Art Production Fund NY.

Okuda San Miguel (España, 1980).
Afincado en Madrid desde el año 2000 y Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde sus inicios en el año 1997, sus trabajos en vías y fábricas abandonadas de su ciudad natal fueron claramente reconocibles. Paralelamente a sus trabajos en la calle, Okuda comienza también a producir obras más intimas en su estudio, con las que a partir del 2009 evoluciona hacia un camino más personal.

Las estructuras geométricas y estampados multicolores se unen con cuerpos grises y formas orgánicas en piezas artísticas que podrían catalogarse como Surrealismo Pop con una clara esencia de la calle. Sus trabajos a menudo plantean contradicciones sobre el existencialismo, el universo, el infinito, el sentido de la vida, la falsa libertad del capitalismo, y muestran un claro conflicto entre la modernidad y nuestras raíces; en definitiva, entre el ser humano y él mismo.

En su obra, arquitecturas geométricas multicolores se funden con formas orgánicas, cuerpos sin identidad, animales sin cabeza, multitud de símbolos enfrentados que incitan a la reflexión... Un lenguaje iconográfico único y muy especial.

Sus obras se pueden ver en calles y galerías de todo el mundo: India, Mali, Mozambique, Estados Unidos, Japón, Chile, Brasil, Perú, Sudáfrica, México y todo el continente europeo.

Rubén Guerrero en el CAC Málaga hasta el 28 de enero

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presentó el pasado 10 de noviembre Familias mínimas (Rojo, amarillo y azul), título de la muestra comisariada por Fernando Francés. En la exposición, diez pinturas explorarán el espacio pictórico como asunto de reflexión centrándose en conceptos como el marco, el soporte o los extremos. La pintura del artista andaluz Rubén Guerrero (Utrera, Sevilla, 1976), es anti-narrativa, construye arquitecturas imposibles y engaña al ojo mediante trampantojos. Con cada capa crea una opacidad donde representa imágenes de lugares, construcciones, números y letras. Crea un mundo intuitivo, paralelo al mundo real y tangible donde lo lleno y lo vacío se intercambian. Frente a sus obras, el espectador debe decidir si se encuentra ante el anverso o el reverso de la realidad.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “la obra de Guerrero se caracteriza por un organizado trabajo de capas de color superpuestas en pinceladas espesas, con una trama dividida. Interesado por las posibilidades del proceso creativo, cada obra de Guerrero tiene su condición individual y se defiende por sí misma. Estas renuncian a la representación del espacio, no son cuadros “ventana”. Interesado por ese punto donde coinciden la realidad figurativa y la propia realidad de la superficie del cuadro, es un artista muy minucioso y puede estar una larga temporada con la misma obra, cambiando pequeñas parcelas hasta que alcance la perfección que necesita para que considere la obra como finalizada. Toda ella está llena de trampas de pintor, de trucos para crear múltiples vías de escape a la interpretación desde planos inusuales y realidades inverosímiles”.

La muestra que se exhibe en el CAC Málaga en el Espacio Proyectos (del 10 de noviembre de 2017 al 28 de enero de 2018); tiene unas claras nociones de recapitulación. Esta exposición es una oportunidad para Rubén Guerrero de presentar de forma más clara los motivos y referentes más representativos que han sido una constante en su obra en los últimos años. Estas “Familias” de motivos se pueden aglutinar en varios grupos: por un lado, estructuras pseudo arquitectónicas como S/t (a(b(c))) (2015) o S/t (la medición) (2016); por otro, pliegues como S/t(la mitad de lo que ves) (2016) o Composición con amarillo P.M. (2015) y paramentos, más herméticos y que cierran casi completamente la superficie representada como S/t (línea de área) (2015) o S/t (bucchi trasversale) (2014). De ahí el nombre de la exposición Familias mínimas (Rojo, amarillo y azul).

Guerrero ha creado desde hace años un archivo de imágenes que nunca deja de aumentar, donde reúne documentos de una realidad fragmentaria que, una vez han llamado la atención del artista convencido de su fuerza como promotores del proceso creativo, son manipuladas digital y manualmente para luego ir conviviendo y relacionándose con otras, apareciendo y desapareciendo en el proceso compositivo y transformándose. El artista recopila en su obra con la libertad más absoluta los aspectos más diversos y más contradictorios, contraponiendo estructuras formales que amplían con una metáfora el universo del artista. Construye un mundo intuitivo, paralelo al mundo real y tangible. El espacio pictórico de Guerrero es a la vez palpablemente físico y profundamente psicológico, proviene de una observación arraigada en la experiencia personal.

Sus imágenes intercambian lleno y vacío, componen realidades fragmentadas que trasladadas a las dos dimensiones, construyen una realidad paralela en la que cada plano se compone de cientos de capas, realidades y materia. Para Guerrero los valores de la pintura son todos los parámetros que se extraen de su lectura, la propia idea del planteamiento previo, la confrontación frente al espectador, además de la ejecución de la misma.

Diversas son las referencias que ha ido tomando en sus obras como fuentes, recursos de aprendizaje y resolución de problemas, de expresiones como las derivadas del Mínimal, del Hard Edge o del Pop. Además, son muchos los artistas con los que ha compartido cierta afinidad en algún momento de su carrera, desde los pintores flamencos hasta artistas actuales como Heimo Zobernig, Richard Aldrich, Raoul de Keyser o Daniel Buren, quién hace confundir el motivo con el fondo de la obra, idea que fue el hilo conductor en su trabajo. En este contexto surge la idea de Buren de utilizar la línea como “herramienta visual”, que en su acción repetitiva y regular sitúa a la pintura en un grado cero, la convierte en una imagen neutra y anti-narrativa. Es así como desde 1965, Buren utiliza telas rayadas para crear cuadros que le restan a la pintura todo su contenido narrativo. La tensión entre sentimiento y sensación, expresividad e inexpresividad, entre la voluntad del artista por eliminar su rastro y el interés del espectador por perseguirlo, son un hecho sobre el cual discurre la obra de Rubén Guerrero. En adición, algunos autores han definido su pintura como una lógica desdoblada que bascula sin principios ni finales entre lo abstracto y lo figurativo, aunque el artista se sienta más cercano a la figuración.

Más información: http://cacmalaga.eu

martes, 31 de octubre de 2017

Nacho Torra en la Fresh Gallery

Este proyecto empezó a tomar forma hace un par de años cuando dejé Madrid. Un 7 de enero firmaba un contrato de trabajo a jornada completa y ese mismo día, mi padre, esa persona que tanto me había ayudado durante mi precaria vida de artista, cumplía sus 30 años de trabajo en otra empresa y firmaba su jubilación unos meses más tarde. 

Como si se tratase de justicia divina, sentí que recibía con aquel papel el testigo de una suerte de carrera de relevos en la que yo no quería participar. 

Ese cambio de realidad no fue sencillo, pero quizá haya supuesto la lección más importante de mi vida. Comencé a tener numerosas conversaciones con mi padre sobre el trabajo, la rutina, el futuro, pero sobre todo, a raíz de varios sucesos ocurridos a nuestro alrededor, rondábamos constantemente el tema de la vejez. 

Un día en su casa, después de una de estas charlas, encontré el archivo de las fotos que hacía cuando él tenía mi edad, y ahí descubrí una mirada que con el paso del tiempo se había disipado. Creo que este diálogo y mi interés por este descubrimiento, despertaron en mi padre ciertas ganas de capturar o de volver a expresar sus emociones a través de la fotografía. 

Con este contexto de fondo empezaron los atisbos del título de esta exposición ENJOY THIS FLEETING LIGHT, cuando al salir del trabajo llegaba a la playa y experimentaba una extraña sensación de calma deteniéndome frente al mar unos minutos. La repetición de este hábito hizo que advirtiera cierta exaltación en mí; no se trataba más que de detalles absurdos, como el destello de los últimos rayos de sol, pero que sin embargo conseguían despertar en mí ciertos afectos que Madrid me había robado. 

La naturaleza me hacía disfrutar de pequeñas cosas y me hacía sentir más vivo. Con ello surgieron escapadas con amigos a diferentes puntos de la costa, que hacían resurgir el vínculo tan fuerte que siento hacia el mar y la naturaleza. Comencé a pintar escenas marítimas que recordaban la obra de pintores de paisajistas ingleses como William Turner, y de algún modo a través de la fotos de amaneceres y atardeceres de mi padre, me di cuenta que estaba llevando el vanitas, del bodegón al paisaje. 

Todos hemos visto miles de imágenes de este tipo pero esos escasos minutos en los que el sol se esconde y La Luz cambia por completo son únicos, y fui consciente de ello cuando preguntaba a mi padre por alguna de las fotografías donde yo veía un cielo rojo él recordaba una puesta de sol increíble en el Misisipi o unos azules intensos en la Antártida. 

Siguiendo la traza de todas esta coincidencias, este último año de trabajo ha sido un año de constantes viajes, tal y cómo le había ocurrido a mi padre durante esa época, y enseguida sentí lo distinto que era un atardecer en Miami o uno en la India. Recuerdo en diciembre de 2017, unos días antes de empezar el año, haber fotografiado con mi teléfono una puesta de sol en una playa de Miami con un cielo tan naranja que jamás había visto, y comprender porqué mi padre no había olvidado nunca donde había tomado cada foto, y en muchas ocasiones incluso recordar la fecha. 

Durante este proceso de trabajo, y tras la muerte inesperada de un familiar cercano y la enfermedad de uno de mis mejores amigos, un día hablando con él acerca de mi trabajo, su situación, y la vida en general, me sugirió añadir una coletilla al proyecto y fue cuando incluí el subtítulo: “you don’t know when the next storm will arrive.” 

Mientras tanto yo me he venido planteando muchas preguntas en torno a mi práctica; porqué llevo toda mi vida pintando y para qué. Después de haber recorrido museos por todo el mundo y haber visto de cerca las grandes obras de los artistas que más me fascinaban, me he dado cuenta de lo poco relevante que resulta para mí la pintura como un ejercicio plástico. 

He sentido el impulso de comunicar todas estas pequeñas anécdotas y experiencias que estaban cambiando mi perspectiva sobre el mundo del arte, de una manera más honesta. Las exposiciones de artistas contemporáneos que estaba viendo y sus temas me parecían menos interesantes, y resultado de una misma fórmula ya aprendida y aceptada. Así comencé a sentirme más estimulado por escuchar un viejo disco de jazz que por ver la última exposición del momento en Londres. 

Comprendí la complejidad que supone tratar de trasmitir algo al espectador a través de la pintura, en un entorno bombardeado por imágenes, y tras un año trabajando en una empresa en la creación de contenidos, también su corta vida en internet y su falta de relevancia en el espectador. 

Sin embargo ha habido un hallazgo interesante en estas producciones y shootings; después de trabajar directamente con muchas modelos, y mantener breves conversaciones en las que conectar con una desconocida para obtener un resultado concreto, he comprendido otra vez que el secreto no estaba en la cámara o en la pincelada, sino en esta comunicación directa con el sujeto. Volví así a revisitar el retrato y a acordarme de todas las musas de Picasso, Matisse o Cézanne. Las modelos contemporáneas empezaban a proyectarse en mi cabeza como aquellas musas de finales del siglo XIX, principios del XX que tanto me fascinan. 

Comencé a trabajar el tema del retrato, junto al paisaje, sin olvidar el bodegón, que era la base de mis anteriores trabajos. Las obras que compusieran ENJOY THIS FLEETING LIGHT tenían que ser un equilibrio entre la frescura de una imagen espontánea y el poso en la mirada de un anciano, algo así como la improvisación de la trompeta de Miles Davis sobre el peso de una canción de Franz Liszt. Una composición heterogénea en la que quepa una top model junto a un motor, un ramo de flores, un paisaje de mi padre, unas partituras o los planos de un barco.
Texto: Nacho Torras

ENJOY THIS FLEETING LIGHT
Lugar: Galería La Fresh Gallery.
Dirección: Conde de Aranda, 5, Madrid.
Fecha: del 3 al 24 de Noviembre de 2017

El Círculo de Bellas Artes entrega la Medalla de Oro a Gonzalo Suárez

El escritor y cineasta recibirá la máxima distinción que concede el CBA el próximo 2 de noviembre (19.30h.) de manos del presidente del Círculo, Juan Miguel Hernández León.

Gonzalo Suárez nació en Oviedo en 1934 y se trasladó a Madrid con tan sólo 2 años, donde estudió Filología y Letras. En 1958 llega a Barcelona, donde practica el periodismo con el seudónimo de Martin Girard. A pesar de su creciente éxito, deja el periodismo y publica sus primeros libros, que suponen una ruptura con el naturalismo en boga (De cuerpo presente y Trece veces trece o Rocabruno bate a Ditirambo..).
En 1966 se inició en la dirección con dos cortometrajes y dos años después, dirige su primer largo, Ditirambo, etapa en la que ya se distingue por alejarse de las corrientes habituales. Después escribiría y dirigiría más de 20 películas, muchas de ellas premiadas en festivales nacionales e internacionales.
En paralelo a su cine, ha venido desarrollando una prestigiosa labor literaria, iniciada en 1963 hasta la actualidad. Julio Cortázar comparó la obra de Gonzalo Suárez en España con la de Boris Vian en Francia. Desde los años 60 no ha cesado de publicar novelas: El asesino triste o Ciudadano Sade, una biografía novelada del aristócrata libertino del siglo XVIII, a la que siguió Yo, ellas y el otro, un particular homenaje al vodevil.
En 2003, Suárez debutó como director teatral con la obra Arsénico por favor, una adaptación libre de Arsénico por compasión, de Kesselring, que Capra convirtió en un clásico en 1944.
Gonzalo Suárez es uno de nuestros creadores más premiados, en 1988 recibió la Concha de Plata al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En 1990, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y, un año después, el Premio Nacional de Cinematografía. Ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y en octubre de 2016, le fue otorgada la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.

La problemática del agua bajo la óptica de Marc Montijano

El jueves 2 de noviembre el artista Marc Montijano (n. 1978), realizará la performance Agua. Metamorfosis XXII en el Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), de Almería. La primera vez que realiza un trabajo en esta ciudad Andaluza.

Coincidiendo la presentación de la programación de actividades de otoño, bajo la dirección del nuevo responsable del Centro, Rafael Doctor, Montijano tomará la primera planta del CAF por unos minutos, haciendo convivir el mundo visible con el invisible, el plano material con su universo simbólico y espiritual. 

En sus performances Marc Montijano, refleja un plano diferente de la realidad. Articulando una serie de elementos fijos y cargados de simbología, busca crear un clima que envuelva el espacio e introduzca a los espectadores en su universo artístico. Como ha indicado el propio artista: “para mí lo más importante es lograr un clima que sumerja al espectador y a todo el que participa en la acción, en la filosofía de mi trabajo. El espacio que empleo, el desnudo, las cuerdas, los sacos, me ayudan a crear eso, pero no son el fin, son el puente que lleva a otro lado. Intento construir algo que les sumerja en mi mundo, que conecten con lo que hay detrás, intento que vean lo invisible”.

El agua, la sobreexplotación de los recursos hídricos, es un problema mundial, pero en Almería la situación preocupa especialmente. El artista ha querido hacer una reflexión sobre está problemática bajo su óptica:

“Hace tiempo que quería trabajar sobre el cambio climático y sus consecuencias, cada vez más evidentes. Sus efectos en el agua son especialmente preocupantes, con los acuíferos y los embalses cada vez más secos. En España vivimos últimamente en un verano eterno, nos estamos acostumbrando a la sequía, y cuando llueve lo hace de forma violenta con tormentas e inundaciones. El origen de todo, no es otro que la acción del ser humano, un ser humano embrutecido y egoísta, que contamina, agota y destruye. Sé que como artista no puedo hacer gran cosa, pero a través de mis acciones intento denunciar una realidad y mostrar una alternativa más benigna”.

“En alquimia el agua es el pensamiento, la prima materia, la falta de él, la inconsciencia del ser humano es la causa de su derroche, su sobreexplotación y su mal aprovechamiento; el agua es también uno de los cuatro elementos, símbolo del salvador, y representa el espíritu divino femenino. Bajo estos parámetros y algunos más, vamos a trabajar el día 2 de noviembre”.

La performance comenzará a las 20:30 h., en el Centro Andaluz de la Fotografía.

jueves, 26 de octubre de 2017

Esther Ferrer en el Palacio de Velázquez hasta el 25 de febrero

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos). 



En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.



A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas.

Todas las variaciones son válidas, incluida esta
Del 26 octubre de 2017 hasta el 25 febrero de 2018
Comisariado: Mar Villaespesa y Laurence Rassel
Palacio de Velázquez, MNCARS, Madrid
Más información: www.museoreinasofia.es



Acciones
En el marco de la exposición Esther Ferrer.Todas las variaciones son válidas, incluida esta, el Museo Reina Sofía presenta Acciones (del 27 octubre de 2017 al 24 febrero de 2018), una serie de intervenciones orquestadas con partituras a modo de instrucciones de uso y dirigidas por la propia artista, que recuperan el espíritu Fluxus vital en su obra e invitan al público a presenciar, a caminar, a contar, a escuchar, a cuestionar y, en definitiva, a experimentar las principales claves de la producción artística de Esther Ferrer de las que habla con las comisarias de la exposición, Laurence Rassel y Mar Villaespesa, en el encuentro que inicia la serie.

viernes, 13 de octubre de 2017

IV Taller Experimental sobre Picasso

El Taller Experimental de Investigación sobre Picasso es un proyecto del Centro de Documentación de la Fundación Picasso que se propone incentivar el trabajo intelectual en torno a la figura del artista malagueño. Se trata de una actividad dinámica, abierta y en proceso, en la que se pretende profundizar en el conocimiento de Picasso y la recepción de su obra a lo largo del siglo XX, proporcionando las herramientas necesarias para formular nuevas ideas y conclusiones. Con el apoyo de la Biblioteca de la Fundación, se ofrecerá un material documental especializado para que los participantes puedan revisar con espíritu crítico interpretaciones anteriores y sugerir nuevos puntos de vista.

METODOLOGÍA
El formato busca crear un grupo de trabajo capaz de colaborar hacia unos resultados individuales y de conjunto, aportarle la motivación y ofrecer la posibilidad de una publicación online que será visible en la web de la Fundación Picasso.

El plan de trabajo partirá de unas conferencias iniciales y un reparto de material documental –bibliografía, lista de temas propuestos, textos, etc. – que será objeto de estudio; y acabaremos con un debate a modo de mesa redonda donde se propondrán las conclusiones y posibles líneas de investigación futuras.

La asistencia a las conferencias es libre hasta completar aforo, con prioridad para los participantes en el Taller. Cualquier persona interesada en inscribirse a la actividad completa –que consistirá en la presentación de un trabajo para su debate en la última sesión y su posterior publicación en la página web de la Fundación Picasso– debe dirigir su petición a biblioteca.fundacionpicasso@malaga.eu, especificando sus datos personales y un breve currículum. El número de participantes en el Taller es limitado y se responderá a la mayor brevedad posible. Los trabajos seleccionados serán incluidos en una publicación en línea, alojada en la página web de la Fundación.

PROGRAMA
Martes 17 de octubre – Auditorio Centre Pompidou Málaga *

17:00. Conferencia: Transfiguraciones. Picasso y La flauta de Pan, por Eugenio Carmona, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga, crítico de arte y comisario de exposiciones.

18:30. Mesa redonda: Warburg y Freud: la melancolía como espacio de pensamiento en la obra de Picasso, propuesta de Javier Cuevas del Barrio, investigador y profesor del Departamento de Historia del Arte de la UMA , y posterior debate con Eugenio Carmona y Carlos Ferrer Barrera.

Miércoles 18 de octubre – Auditorio Centre Pompidou Málaga

17:00. Conferencia: En busca del Minotauro. De la Antigüedad griega a Picasso, por Fátima Díez Platas, profesora de la Universidad de Santiago de Compostela e investigadora principal del proyecto Biblioteca Digital Ovidiana.

18:30. Conferencia: Picasso-Orfeo. Claves para una regeneración de la identidad del artista (1925-1937), por Carlos Ferrer Barrera, Doctor en Historia del Arte y documentalista de la Fundación Picasso.

Martes 14 de noviembre – Casa Natal de Picasso

17:00. Presentación de conclusiones. Debate en torno a las propuestas.

* Al estar cerrado el Centre Pompidou el martes 17 de octubre, las puertas se cerrarán a las 17:15, por lo que toda persona que quiera acceder a la sesión tendrá que hacerlo antes de esa hora.

CERTIFICADO
Se emitirá una acreditación de aprovechamiento (10 horas). Para ello será obligatoria la asistencia a todas las sesiones y la presentación de un trabajo escrito, susceptible de ser publicado.

martes, 10 de octubre de 2017

El Museo Carmen Thyssen Málaga revisa la segunda etapa del cubismo con Juan Gris y María Blanchard

El Museo Carmen Thyssen Málaga ha presentadosu nueva exposición temporal Juan Gris. María Blachard y los cubismos (1916-1927), en la que se analiza la segunda etapa que vivió el cubismo, creado por Picasso y Braque entre los años 1906 y 1914, a través de la obra de artistas como Juan Gris, referente indiscutible del giro experimentado por este movimiento artístico a partir de 1914 hasta finales de los años veinte; y María Blanchard, la gran desconocida del grupo de artistas que dieron lugar al nacimiento de esta vanguardia, cuyo papel principal quiere destacar esta muestra.

La exposición, que podrá visitarse desde el 6 de octubre hasta el próximo 25 de febrero de 2018, ha sido presentada por el vicepresidente de la Fundación Palacio de Villalón y alcalde de la ciudad, Francisco de la Torre; el patrono de la Fundación Palacio de Villalón Guillermo Cervera; la directora general adjunta de la Fundación Bancaria ‘la Caixa’, Elisa Durán; y el presidente de la Fundación Cajasol, Antonio Pulido. Acompañados por los comisarios de la muestra Eugenio Carmona, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga; y Lourdes Moreno, directora Artística del Museo Carmen Thyssen Málaga.

El visitante tiene la oportunidad de acercarse y conocer de primera mano esta ‘segunda vida’ del cubismo a través de una exposición con un relato inédito compuesta por más de 60 obras, entre pinturas, esculturas, dibujos y documentos, estructurado en tres secciones comienza con un diálogo entre Gris y Blanchard, a través de numerosos ejemplos sobresalientes de su pintura sintética, geométrica y plana.

La exposición Juan Gris, María Blanchard y los cubismos, muestra “la complejidad de la obra de Juan Gris y, por ello la complejidad del cubismo y de la propia modernidad artística”, señala el comisario de la muestra, a la vez que añade que “en los medios artísticos cubistas se asumía que Gris tenía capacidad para reformular la experiencia cubista. Antes de que estallase la Primera Guerra Mundial el milieu cubista originario se estaba disolviendo”.

“Este ‘segundo cubismo’ es comprendido en el presente como uno de los grandes capítulos de la modernidad artística, aunque hasta fechas relativamente recientes no había sido bien conocido, ni bien comprendido, pues no se llegaba a captar su propuesta por la imposición dominante del paradigma del arte abstracto absoluto”, explica Carmona, que además indica que “hoy se considera que, en este momento Juan Gris, Jacques Lipchitz y María Blanchard desarrollaron sus aportaciones fundamentales al arte moderno”.

“Siempre se ha incidido en las relaciones entre este segundo cubismo y los años de la Primera Guerra Mundial, pero nosotros desbordamos este marco y reunimos un cubismo ‘expandido’ que se adentra en los años veinte y que aparece implicado de lleno en la renovación cultural española anterior a la Guerra Civil”, afirma.

El recorrido de la exposición comienza con un diálogo entre Gris y Blanchard entre los años 1916 y 1918. Etapa en la que el artista madrileño alcanza la cumbre en su pintura sintética, geométrica, plana y pura, convirtiéndose en un indiscutible referente del giro experimentado por el cubismo; y en la que Blanchard, en plena madurez creativa, aporta un estilo personal, dinámico y colorista.

Más información: www.carmenthyssenmalaga.org

lunes, 9 de octubre de 2017

Francisco Leiro en el CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presentó el pasado 6 de octubre Leiro, título de la muestra comisariada por Fernando Francés sobre el artista Francisco Leiro. Entre esculturas y dibujos, la exposición reúne más de cuarenta obras del artista gallego más internacional que puede visitarse hasta el 7 de enero de 2018.

“Un tronco de árbol es el fuste del árbol. Es la columna. La columna es un árbol y la columna es un hombre y el hombre es el árbol. La madera es un ser vivo y la hay de colores como los hombres [...] y la hay blanda o dura, como los hombres [...]”, declaraba Leiro sobre el binomio entre madera-escultura y su relación con el hombre. “Mis esculturas giran en torno al cuerpo humano y generalmente son narrativas. En algunos casos se acercan a las fábulas y narraciones populares. También hago interpretaciones desacralizadas de temas mitológicos o religiosos”.

Para Fernando Francés, Francisco Leiro “es claramente uno de los firmes ejemplos de cuando el arte es compromiso con la vivencia y el pensamiento autobiográfico. Leiro se compromete, se empapa de la realidad, de las masacres, de las injusticias, de los asesinatos, de la desmesurada violencia que existe para trasladarlo a sus esculturas, donde nos encontramos, queriéndolo o no, con la cruda realidad, personas muertas apiladas, inocentes que reciben palizas, trabajadores que recogen restos humanos del suelo, o limpian un desastre causado por los propios hombres”.

Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957) formó parte en la década de los setenta del grupo surrealista Foga, acentuándose en estos momentos en su escultura la mezcla de elementos surrealistas y de una figuración más lánguida que mostraba la parte más sarcástica de la condición humana. En estos años, celebrará su primera exposición individual en la Sociedad Cultural de Cambados en 1975, con tan solo dieciocho años. A comienzos de los 80 participó en la última exposición colectiva de Atlántica. Surgió no como un movimiento, sino como un grupo de personas que pretendían “discutir el país”, y que protagonizaron un cambio de dirección en el arte español.

A finales de los 80 se traslada a Nueva York y su trabajo se dinamiza hacia un cada vez mayor interés en la abstracción de la figura y el cuerpo. En los noventa se producirá una progresiva desaceleración de elementos oníricos, la imaginación se pone al servicio de resultados más formales que efectistas o narrativos y va abriendo el camino hacia los cambios producidos en el 2.000, donde se impone un ritmo más atento a la realidad.

Entre las exposiciones de Francisco Leiro cabe destacar: Francisco Leiro. Human Resources, Marlborough Gallery, Nueva York, EE.UU. , 2013; Retaule, Palau de la Música Catalana, Barcelona (2008); Wit & Whimsy, Marlborough Gallery, Nueva York, EE.UU. 2007; Diálogos de Silencio, Dag Hammarskjold Plaza, Instituto Cervantes, Nueva York, EE.UU., 2005; Francisco Leiro, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Palacio de Cristal, Madrid, 2004; Francisco Leiro. Museo de Arte Moderna da Bahía, 2004; Francisco Leiro. Marlborough Chelsea, Nueva York, EE.UU., 1997. Su obra está presente en colecciones de todo el mundo: Akron Art Museum, Ohio, EE.UU., Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela, Colección Fundación La Caixa, Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo, Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, Valladolid o el Museo Marugame Hirai, Kagawe, Japón. También ha participado en las ferias de ARCO, a la que asiste desde 1986 todos los años), Art Basilea y FIAC de París.

Más información: http://cacmalaga.eu

domingo, 8 de octubre de 2017

VI Premio Audemars Piguet a la producción de una obra de arte

Audemars Piguet convoca el VI Premio a la Creación de una Obra de Arte, dotado de 15.000 euros para la producción de la pieza que será expuesta en el espacio de la marca en ARCOmadrid 2018. 

El galardón, al cual pueden optar las galerías participantes en la próxima edición, reconocerá la creación de una obra que guarde el espíritu de Audemars Piguet, basado en esta ocasión en “Complejidad y precisión”. 

Las candidaturas podrán presentarse antes del próximo 10 de noviembre, y serán examinadas por un jurado compuesto por una selección de destacados profesionales del mundo del arte. Finalmente, emitirá su fallo en la última quincena de noviembre de 2017, momento en el que el artista asumirá su compromiso de producir la obra. 

En la pasada edición, la artista Elena Bajo resultó ganadora del V Premio Audemars Piguet a la producción de una obra de arte con su trabajo, All Tangled Up in a Fading Star, un proyecto conjunto presentado por García Galería –Madrid- y ANNEX 14 –Zurich-. 

Para más información, leer las bases del concurso aquí

viernes, 6 de octubre de 2017

Tuenti Urban Art Project

© PICHI&AVO
Tuenti lanza la iniciativa TUENTI URBAN ART PROJECT, que se desarrollará entre octubre y diciembre de este año, con el propósito de vincular el circuito profesional del arte contemporáneo a los estudiantes de Bellas Artes de cinco universidades y de dar a conocer el universo creativo de artistas con una trayectoria consolidada en el ámbito urbano. El proyecto cuenta con el comisariado de Urvanity Art.

En el proyecto participan la Universidad de Barcelona (2‑6 de octubre), la Universidad de Murcia (16-20 de octubre), la Universidad de Sevilla (6-10 noviembre), la Universidad de Zaragoza (20-24 de noviembre) y la Universidad Politécnica de Valencia (11-15 de diciembre).

En cada sede tendrá lugar un programa de charlas, debate y presentaciones con la participación de académicos, investigadores, artistas, galeristas y otros profesionales del arte contemporáneo; talleres impartidos por prestigiosos artistas como Dos Jotas, Belin, Lula Goce, Uriginal y Antonyo Marest; e intervenciones artísticas en los distintos campus con murales a cargo de Enric Sant, Lula Goce, Antonyo Marest, Anna Taratiel y Pichi&Avo.

CONVOCATORIA
Tuenti apuesta por aquellos estudiantes que se encuentran en la etapa de desarrollo de un universo creativo singular a través de las artes visuales. Es por ello que, en el marco de TUENTI URBAN ART PROJECT, organiza la primera convocatoria del concurso Tuenti-­Urvanity Nuevo Arte Contemporáneo 2018 para difundir el trabajo de jóvenes creadores en el ámbito de la práctica artística actual. Esta iniciativa quiere convertirse en un referente que relacione la actividad de los centros que imparten estudios de artes visuales con el circuito profesional del arte contemporáneo.

Los ganadores formarán parte de la segunda edición de Urvanity, The International New Contemporary Art Fair, que se celebrará entre el 21 y el 25 de febrero de 2018 en el COAM, durante la semana del arte de Madrid.

Podrán participar todos los alumnos matriculados en cualquier centro del territorio español cuya oferta comprenda las artes visuales. El plazo de inscripción estará abierto desde el 27 de septiembre de 2017 hasta el 15 de enero de 2018, ambos inclusive.

Toda la información sobre el proyecto, así como las base de la convocatoria e inscripción a la misma estará disponible en la url www.tuenti.es/urban-­art

lunes, 11 de septiembre de 2017

Los derechos de los animales centran este año la convocatoria abierta para artistas de WE ARE FAIR!

La Feria Internacional de Arte Emergente de Madrid WE ARE FAIR!, cuya segunda edición se celebrará los próximos días 20, 21 y 22 de octubre en el Centro Cultural Conde Duque, ha abierto su convocatoria libre para artistas SUSPENDed2, que en esta ocasión estará dedicada a la defensa de los derechos de los animales. 
SUSPENDed2 recibe este nombre porque al igual en la primera edición, las piezas estarán colgadas de una estructura en las alturas. La convocatoria es libre y gratuita para artistas individuales y colectivos de todas las nacionalidades, el único requisito es ser mayor de edad. Los interesados pueden presentar sus obras originales hasta el 9 de octubre de 2017. Como novedad este año, las piezas se podrán vender a un precio único de 100 euros (impuestos incluidos) y los beneficios serán íntegros para el autor. 

La convocatoria está abierta a las siguientes técnicas: fotografía, collage, pintura, dibujo, impresión, poesía visual, relato corto y poesía. En cuanto a las dimensiones, las piezas deben tener un único formato de tamaño A4 y en caso de estar enmarcadas, 230*317 cm. El conjunto no podrá superar el peso de 400 gramos por motivos de estabilidad del montaje. Aquí están las bases con todos los detalles de la convocatoria.

En esta ocasión, SUSPENDed ha unido sus fuerzas a la entidad CAPITAL ANIMAL, una asociación sin ánimo de lucro que se constituye en una plataforma organizativa y de gestión de proyectos artísticos y culturales para la defensa de los derechos de los animales. Cuenta con cinco responsables y el asesoramiento de un comité de expertos. Uno de sus creadores es el director del Centro Andaluz de la Fotografía, Rafael Doctor: 

“Para Capital Animal esta colaboración es importante ya que nuestro objetivo es entender que el espacio del arte debe ser un campo de batalla donde trabajar para conseguir un mundo más justo en las relaciones que mantenemos los animales humanos con los no humanos.

El arte, como reflexión de un ser en un momento concreto, no puede ser ajeno al drama animal en el que sustentan todo el sistema económico de nuestro mundo. Desde Capital Animal soñamos con artistas para los que esta cuestión es esencial. Queremos que las obras de arte sean gritos para un mundo más amplio y más justo para todos”.

jueves, 7 de septiembre de 2017

La Fundación Focus convoca una nueva edición de su Premio Internacional de Pintura

La Fundación Focus ha convocado una nueva edición del Premio Internacional de Pintura Focus, al que puede optar cualquier artista, profesional o amateur, mayor de 18 años, que no haya obtenido premio o accésit en convocatorias precedentes. El plazo para presentar las inscripciones previas finaliza el 19 de septiembre de 2017.

Tanto la temática de la obra como la técnica pictórica elegida por el autor son libres. Cada artista podrá presentar una única obra, original y que no haya sido presentada a otros certámenes ni a convocatorias anteriores de este Premio. Las dimensiones de la misma serán como máximo 200 x 200 centímetros y, como mínimo, 73 x 60 centímetros.

Las inscripciones pueden enviarse por correo electrónico a la dirección premiodepintura@fundacionfocus.com; por correo certificado con acuse de recibo o entregarse en el domicilio de la Fundación Focus (Hospital de los Venerables, Plaza de los Venerables, 8 41004, Sevilla), indicando en el sobre “Premio de Pintura Focus 2017”. 

Tras la finalización el concurso se publicará un catálogo digital en la web de la Fundación con las obras de los finalistas. Asimismo, la obra ganadora se expondrá en el Hospital de Los Venerables.

De larga tradición y reconocido prestigio, el Premio Internacional de Pintura Focus, que viene celebrándose desde 1983, está dotado con 12.000 €. En la pasada edición, resultó ganadora la artista Ana Barriga Oliva, por su obra Viva el vino. El jurado estuvo compuesto por Juan Bosco Díaz-Urmeneta, Juan Carrete Parrondo, Juan Fernández Lacomba, Carmen Laffón de Escosura, Guillermo Pérez Villalta, Manuel Sánchez Arcenegui, Juan Suárez Ávila y presidido por Anabel Morillo León, directora general de la Fundación Focus.

Este premio internacional refuerza el compromiso de la Fundación por el arte contemporáneo y con las inquietudes y afanes de sus creadores, contribuyendo a generar un intercambio de experiencias artísticas más allá de nuestras fronteras. Además, el Premio Internacional de Pintura supone una experiencia única al estar abierto a artistas reconocidos y a jóvenes valores.

Las bases completas de la convocatoria están disponibles en la página web: http://www.fundacionfocus.com/export/sites/focus/resources/pdf/bases_pintura_2017_esp.pdf

El CAC Málaga presenta el vídeo Children’s Crusade del artista austriaco Markus Schinwald

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el vídeo del artista austriaco Markus Schinwald titulado Children’s Crusade, 2004. El Espacio 5 del centro acoge esta obra que puede visionarse hasta el 5 de noviembre de 2017. Children’s Crusade, 2004 describe el fenómeno del histerismo de masas a través de una marioneta creada por el artista que es seguida por un grupo de niños cantores totalmente aturdidos.

La obra de Markus Schinwald (Salzburgo, Austria, 1973) es interdisciplinar, abarca la danza, el teatro, el vídeo, la pintura, la performance y la escultura. El trabajo del artista austriaco está muy influenciado por los mitos, el psicoanálisis y por la propia Historia del Arte. Su obra es amplia y se centra en diferentes significados tanto culturales como sociales, tomando siempre como referencia el cuerpo humano. Este estudio del cuerpo tiene como fruto la perfección de sus famosos personajes que expresan tristeza o enfado, interés o abandono, o simplemente nada, una falta total de emociones.


El vídeo expuesto Children’s Crusade, 2004, de 2’30’’ minutos de duración, se inspira en el cuento popular de El flautista de Hamelín. En la proyección de Markus Schinwald se aprecia una ciudad contemporánea, donde una marioneta trajeada (obra del artista) pasea por la ciudad mientras sus expresiones faciales van cambiando. Mediante una intervención en su cara, se aprecia una ventana que gira mostrando los sentimientos de la marioneta. Un grupo de niños persigue a este extraño personaje a través de ciudades, llanos, bosques, mientras cantan la pieza de Benjamin Britten Opus 82 (Children’s Crusade). Schinwald escoge para su obra la versión original de la leyenda, en la que el flautista por venganza, dirige a los niños al agua, donde morirán ahogados como las ratas. Así, el último fotograma que el artista muestra en el vídeo es un óleo de pinceladas muy gruesas que muestran un mar agitado.

La Cruzada de los niños es un tema que a Schinwald siempre le ha interesado. La Cruzada Infantil o Cruzada de los Niños fueron una serie de acontecimientos reales y ficticios sucedidos en 1212, tras la Cuarta Cruzada de 1202-1204. Existen muchos testimonios contradictorios y los hechos reales son aún objeto de debate entre los historiadores. Investigaciones recientes demuestran que existieron dos expediciones o desplazamientos de personas (de todas las edades) en 1212 en Alemania y Francia, cuya similitud pudieron inspirar a los cronistas para elaborar el mito. Para el artista, ciertos detalles de las diferentes versiones coinciden con precisión, mientras las otros no lo hacen, creando una especie de “hueco" que le interesó. Entonces unió el “cuento histórico” con el mito de El flautista de Hamelín, ya que se encuentran muy cercanos demográfica y cronológicamente. Children’s Crusade, 2004, describe el fenómeno del histerismo de masas. Macabro y, al mismo tiempo, sumamente delicado. Las obras de Markus Schinwald siempre tienen un fuerte efecto psicológico que intriga a quien lo observa, originando preguntas sin respuesta.

Schinwald ha expuesto de manera individual en la Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, Francia, 2016; Magasin III, Estocolmo, Suecia, 2015; CCA Wattis Institute for contemporary arts, San Franscisco, California, Estados Unidos, 2014; La Triennale di Milano, Milán, Italia, 2014; M museum Leuven, Leuven, Bélgica, 2014; CAPC, Burdeos, Francia, 2013; Palais de Tokyo, Paris, Francia, 2013; Gallery Yvon Lambert, Paris, Francia, 2012; La Conservera Centro de Arte Contemporáneo, Murcia, España, 2012; Gallery Gió Marconi, Milán, Italia, 2012; Lentos Museum, Linz, Austria, 2011; Kunstverein Hannover, Hannover, Alemania, 2011; Yvon Lambert, New York, Estados Unidos, 2010; el Kunsthaus Bregenz, Austria, 2009; en el Hall of Art, Budapest, Hungría, 2009; Migros Museum of Contemporary Art, Zúrich, Suiza, 2008; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Viena, Austria, 2007; Museo de arte de Aspen, Colorado, EEUU, 2006 Y Frankfurter Kunstverein, Fráncfort, Alemania, 2004. Además de sus marionetas son muy conocidas las obras pictóricas y grabados antiguos que interviene sumándoles máscaras, vendas y todo tipo de artefactos metálicos que parecen joyas ortopédicas que le dan un toque inquietante a la obra. Sus trabajos se encuentran en numerosas colecciones internacionales, como en la Tate Modern de Londres, Musée d'Art Moderne, París, Kunsthaus en Zúrich, Museo de Israel en Jerusalén y en el MUMOK de Viena. Representó a Austria en 2011 en la 54 edición de la Bienal de Venecia.

Más información: http://cacmalaga.eu/

David Bestué y la colección de Soledad Lorenzo inauguran la temporada expositiva en el Museo Reina Sofía

El Museo Reina Sofía comienza la temporada expositiva el día 12 de septiembre con el último trabajo de David Bestué, titulado Rosi Amor, y continúa el 25 de septiembre con Punto de encuentro, la primera parte de la exposición organizada para mostrar una selección de las obras que la galerista Soledad Lorenzo depositó temporalmente –con promesa de legado al Estado español- en 2014 en el Museo. La segunda, Cuestiones personales, será presentada en diciembre.

El próximo martes 12 de septiembre a las 12:30 h., el Museo Reina Sofía presenta, dentro del Programa Fisuras, el último trabajo del artista David Bestué (Barcelona, 1980) que lleva por título Rosi Amor. Acompañado del director del Museo, Manuel Borja-Villel, atenderá a los medios de comunicación interesados en conocer su nueva propuesta.

Con este trabajo, Bestué lleva a cabo una investigación material y formal a partir de tres técnicas escultóricas: el corte láser, el molde y la reutilización de elementos de diferentes épocas, evocando con ellos tres lugares diferentes —los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, y el Monasterio de El Escorial— que se corresponden a su vez con las ideas de lo empresarial, lo popular y lo histórico.

Por otro lado, el lunes 25 de septiembre, a las 11.00 h., se presentará Punto de encuentro, la primera parte de la exposición que el Museo Reina Sofía ha organizado para mostrar una selección de obras de la colección que la reconocida galerista Soledad Lorenzo depositó temporalmente –con promesa de legado al Estado español- en 2014 en la institución. La segunda, Cuestiones personales, será presentada el próximo diciembre. 

El discurso de Punto de encuentro aborda los conceptos de espacio y el universo de la geometría y reúne unas 70 obras de 14 artistas, todos ellos españoles: Palazuelo, Tàpies, Soledad Sevilla, Badiola, Irazu, Prego, Euba, la escultora Ángeles Marco, Guillermo Pérez Villalta, Perejaume, Juan Uslé, José María Sicilia y Victoria Civera.

Asistirán a la rueda de prensa la galerista Soledad Lorenzo y los comisarios de la exposición, Manuel Borja-Villel y Salvador Nadales.

Más información: www.museoreinasofia.es

jueves, 27 de julio de 2017

Allan Kaprow. Comfort Zones en el CA2M

En junio de 1975, hace exactamente 42 años, Allan Kaprow realizó el happening Comfort Zones en la Galería Vandrés de Madrid. El acto consistió en ocho protocolos para parejas, mostrados en un momento en el que la expresión de la intimidad todavía permanecía coartada por un régimen autoritario.

La muestra que presenta el CA2M rescata este capítulo fundamental de la historia de las galerías madrileñas, que contribuyó a la normalización de la innovación en el campo del arte contemporáneo. La exposición reconstruye, a partir de esta anécdota aparentemente menor, la historia del riesgo y la sincronización internacional del mercado del arte español, en un tiempo sociopolítico convulso marcado por el ocaso del régimen franquista.

En Madrid, la Galería Vandrés −dirigida por Fernando Vijande, Gloria Kirby y Marisa Torrente− era uno de los lugares de encuentro de artistas, poetas, músicos, coleccionistas y empresarios del momento. Otras galerías de arte como Buades, Egam, Edurne y Sen, a las que habían inspirado las más veteranas Juana Mordó, Biosca y Theo, jugaron en los años setenta y luego en los ochenta, un papel fundamental a la hora de abrir la cultura a nuevas disciplinas y formatos. Era una década de experimentación y las tendencias creativas pasaban por una reformulación en sus conceptos. Pero la Galería Vandrés destacaba por su capacidad de generar atención: en 1973, la policía había clausurado en esta sala la exposición homenaje a Picasso La Paloma, en la que Alfredo Alcaín exponía un maniquí desnudo; la muestra se volvió a abrir a los pocos días, después de que al maniquí se le pusieran unas bragas.

Fernando Vijande −primero desde Vandrés y luego desde su galería homónima, donde organizaría la mítica exposición de Andy Warhol en 1983− asumió la interdisciplinariedad característica de esos años con un perfil internacional. En España, las disciplinas performativas se fraguaron alrededor del grupo ZAJ y de artistas vinculados al Centro de Cálculo, como Yturralde o Alexanco. En esa tradición incipiente, Vijande organizó en Vandrés performances de Charlotte Moorman o Michael Buthe, junto con muestras de sus artistas nacionales.

En 1975, Vijande invitó a Allan Kaprow a desarrollar un happening para la galería. De esa propuesta nace Comfort Zones, que se realizó los días 10 y 11 del mes de junio. El título alude a las burbujas espaciales e invisibles que creamos inconscientemente alrededor de nuestro cuerpo en relación a los otros, y a la posición que este establece a la hora de delimitar las fronteras de nuestras zonas de confort.

Aunque fueron siete parejas las que interpretaron el happening, la película Comfort Zones, transferida a formato digital, solo retrata la actividad llevada a cabo por dos performers: los componentes del grupo Body, Mario Costas y Esther Llorden, un colectivo de performance habitual de la Galería Vandrés, en el que también participaba como miembro activo el hoy comisario y crítico de arte contemporáneo Mariano Navarro, que en esa ocasión actuó como asistente de cámara del fotógrafo que filmó la película, David Seaton, pintor y también colaborador habitual de la galería.

En Comfort Zones los factores temporal y espacial jugaban un papel determinante en la acción: la palabra clave now (ahora), pronunciada alternativamente por cada uno de los miembros de la pareja en distintas situaciones y escenarios, establecía el momento donde cada uno alcanzaba esa zona de confort.

El material de archivo de la época articula la exposición que ahora podemos ver en el CA2M: algunas proyecciones y audios, los activity booklets (cuadernos de actividad) reunidos en aquella muestra y la maqueta original e inédita del cuaderno que acompañó a Comfort Zones, con las indicaciones del artista y sus fotografías originales –reeditado en facsímil para esta ocasión-.

A este material se añaden algunos activity booklets presentes en el archivo de la Galería Vandrés: libros de instrucciones con los que acompañaban sus happenings los performers, siempre en la idea que empieza a arraigar en los años setenta –con figuras como Joseph Beuys− de que el artista se disuelve en el público. Entre ellos: Rates of Exchange (Índices de intercambio), realizado en 1975 en Nueva York, que muestra otra cara del estudio de las relaciones de pareja, la del ámbito privado, a través de una conversación coreografiada por medio de un magnetófono; Match, que versa sobre el tiempo, en un juego de palabras entre los dos significados de su título en inglés: cerilla y pareja; Air Condition (1975), que tiene la particularidad de ser una de las pocas piezas de Kaprow concebida para un solo individuo (en su cuaderno de actividad puede leerse: «Tratar el cuerpo como el escenario de los fenómenos físicos es realmente un modo de percibirse a uno mismo»); o Routine, en la que observamos uno de los temas recurrentes en su obra: «…la gente se dedica a mirarse a sí misma en el espejo de los otros». También aquí hace una reflexión sobre el papel que juega la fotografía en su obra: «Las fotos no son un documento de la acción. La convierten en ficción. Fueron hechas y montadas para ilustrar un marco de movimientos sobre el que se puede basar una acción o conjunto de acciones». Es decir, son también instrucciones, lo que está muy ligado a su concepto de reinvención, término con el que designa las repeticiones de sus happenings.

La exposición se completa con un cuaderno de actividad posterior a la muestra, Maneuvers (1976) –donde hace un guiño a la pintura al citar a Baudelaire cuando escribe sobre su amigo Delacroix– y con un documento fundamental: Days Off. A Calendar of Happenings (Días libres. Un calendario de acontecimientos) de 1970; un calendario que documenta diferentes acciones realizadas sin motivo aparente, llevadas a cabo durante ese año, y en las que participan los amigos artistas y estudiantes de arte de Kaprow, como el luego actor, realizador y coleccionista de arte Dennis Hopper.

Todos estos materiales constituyen la base de trabajo para una serie de reinvenciones del happening que serán interpretadas en presente a lo largo del último mes de la muestra. Para la realización de esta exposición se ha contado con la generosa colaboración del Archivo Vandrés, The Allan Kaprow Estate y la Galería Hauser & Wirth.

Allan Kaprow (Atlantic City, New Jersey, 1927 − Encinitas, California, 2006) estudió arte con Hans Hoffman en Nueva York y se unió como oyente a las clases de música de John Cage en la New York School for Social Research. Pionero a principios de los sesenta del Live Art, describía sus prácticas performáticas como una representación espacial de su actitud hacia la pintura. Kaprow buscó incrementar la responsabilidad del público en el proceso artístico a través del azar y la casualidad, y utilizó la palabra happening para referirse a algo que simplemente ocurre casi sin intención: «Something that happens to happen» (algo que resulta que ocurre). El término lo utilizó por primera vez en su actividad 18 happenings en 6 partes, desarrollado en la Reuben Gallery de Nueva York en otoño de 1959.

Kaprow fue un gran agitador de la escena neoyorquina de los años sesenta y setenta y, a la vez que desarrolló su carrera como artista, contribuyó de una manera importante a la enseñanza y al estudio del arte desde su cargos de profesor asociado de los departamentos de Bellas Artes de la Rutgers University de New Jersey, la State University of New York, el California Institute of the Arts y la Universidad de California. Entre sus conferencias destaca How to Make a Happening, editada en vinilo LP en 1966 por Mass Art Inc., que se exhibe en el CA2M en su versión sonora recitada por el propio artista.

ALLAN KAPROW. COMFORT ZONES. JUNIO 1975
Del 30 de junio al 15 de octubre de 2017
Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid.
Comisarios: Elena Fernández Manrique y Manuel Segade

Danielle van Zadelhoff en el CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga muestra Relatos del alma hasta 15 de octubre. La exposición reune cincuenta y cinco fotografías de Danielle van Zadelhoff que revelan la extrema sensibilidad que la caracteriza en su primera exposición en España, donde puede apreciarse sus fotografías existencialistas y de temática religiosa. Influenciada por los pintores del Renacimiento y el Barroco como Rembrandt, Caravaggio o Murillo, van Zadelhoff se centra en el claroscuro, el contraste entre la luz y la sombra. La artista emergente holandesa cuida cada detalle mostrando la luz que incide en los cuerpos y las miradas que retrata, consiguiendo que los personajes de sus obras miren en lo más profundo del espectador, descubriendo lo que parecen sus propias almas, pero que, en realidad, se trata del alma reflejada como en un espejo de la fotógrafa.

El trabajo de la artista neerlandesa se basa en el existencialismo de Sartre, Simone De Beauvoir o Willem Frederik Hermans, todos ellos, autores que la artista ha estudiado y leído. Cree firmemente, que cada persona es única, responsable de sus propios actos y del sentido personal que le da a su vida.

Los retratos de Danielle van Zadelhoff están marcados por la inspiración y el misticismo. Recuerdan a los retratos flamencos al óleo del s. XVII. El gran entendimiento del dilema de la humanidad es capturado por las cámaras y presentado por la fotógrafa. Danielle quiere mostrar las emociones de los humanos. Para ella, el arte es algo tan habitual y normal como el respirar, algo que puede parecer simple a primera instancia, pero que realmente si reparamos en todo lo necesario para respirar, además del aire, los músculos y órganos que toman parte, caemos en la cuenta en que es un hecho nada sencillo. Su fotografía es sencilla y compleja a la vez, y sus modelos no usan apenas maquillaje ni ella utiliza Photoshop para el retoque de los mismos.

Danielle retrata su personalidad, su forma de ser, sus preocupaciones y sus obsesiones. Su trabajo tiene una cualidad autobiográfica verdaderamente excepcional, tienen mucha importancia tanto el modelo como la idea de un autorretrato a través de un modelo distinto al autor. Prepara los vestidos y los peinados con la pretensión de distanciar el momento temporal del retratado. Trabaja de una manera muy instintiva, se fija en una persona que le dé buena sensación y después, intenta captar su espíritu.

Relatos del alma se divide principalmente en fotografías de temática religiosa, por un lado, y de sentimientos por otro. Pero, las fotografías de temática religiosa no solo representan personajes bíblicos, sino que Danielle retrata los sentimientos de los mismos. Admite que su trabajo está influenciado claramente por la religión, y es que ella estudió en un colegio protestante y pasaba mucho tiempo con su abuela, de religión católica.

Sus personajes nos exponen, bien con sus gestos o sus posturas, las diferentes emociones que la fotógrafa ha querido retratar. El rostro humano es capaz de expresar una inmensa gama de emociones y sentimientos mediante diminutas acciones musculares, la mayoría de las cuales son involuntarias y corresponden a emociones efímeras. Hasta las emociones extremas de júbilo, ira o dolor, se expresan espontáneamente, y es muy difícil fingirlas de modo convincente. Los pintores académicos del s. XIX habían aprendido a observar los efectos de la luz sobre rostros vaciados en yeso, por lo que era habitual entre ellos pintar los modelos vivos partiendo de ideas preconcebidas sobre la luz. Quizá en muchos casos el convencionalismo pictórico pasará desapercibido, pero cuando el artista intentaba un retrato al exterior aparecían a menudo discrepancias entre las convenciones de la iluminación de la cara y el efecto aparentemente natural de la luz sobre el paisaje. La percepción del rostro humano en la vida diaria implica a menudo muchas fuentes de luz simultáneas. De igual modo, el retratista puede enfrentarse a un motivo iluminado desde múltiples puntos. Ello producirá una plétora de sombras proyectadas y tal vez complique la representación de los volúmenes en determinados rostros.

Para Danielle, el huevo es el origen de la vida. En Fragility, 2016, la primera foto de una serie, la modelo está tratando de proteger el huevo, y en la segunda fotografía está tomando distancia de él. Por fin, la tercera imagen muestra que el huevo está roto. De esta manera, Danielle, quiere mostrar que en este mundo no se puede proteger nada, no se puede evitar que sucedan las cosas, como es inevitable perder a los seres queridos. Todos necesitamos aprender el difícil arte de dejar ir las cosas.

Para Danielle, el uso del retrato y la escena es una disculpa para explorarse a sí misma, para filtrar sus opiniones y sus dudas, sus deseos y sus aspiraciones, lo que hace que sea la misma artista quien se autorretrate en cada una de esas escenas. Recuerda vagamente al transformismo de Cindy Sherman que se convierte en su propio alter ego, a la manera duchampiana de Rrose Sélavy. El origen de su teoría artística se acerca más al de la artista Louise Bourgeois que impregna con sus preocupaciones, inquietudes, ideas, sentimientos y deseos cada una de sus esculturas. De ahí que la temática principal de Relatos del alma sea la mujer, mujeres del pasado, y las preocupaciones de la mujer del presente, de la propia artista. 

Danielle van Zadelhoff nace en 1963 en Amsterdam, Países Bajos. Ha realizado exposiciones individuales en Persmuseum, Amsterdam, Países Bajos en 2014; “From deep within” en Fotogalerie Utrecht , Países Bajos en 2014; “From deep within” NUNC Contemporary Antwerpen, Bélgica en 2015 o Memling museum St Janshospitaal, Brujas, Bélgica en 2016. También ha participado en exposiciones y proyectos de manera grupal en London design museum UK “Fear and Love Reactions to a complex world” en 2016 y próximamente en CRAF Udine Italy Woman and photography, Údine, Italia en septiembre de 2017.