viernes, 29 de enero de 2016

Celda de Emociones de Erwin Olaf

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el trabajo de la última década de Erwin Olaf. En Celda de Emociones, título de la exposición comisariada por Fernando Francés, se podrán ver más de 60 obras que recogen el trabajo realizado por el artista holandés desde 2005. Además de ser uno de los máximos exponentes de la fotografía contemporánea, en su trayectoria también se pueden ver vídeos e instalaciones. A medio camino entre el fotoperiodismo y la fotografía de estudio, en los que destacan trabajos publicitarios para conocidas marcas, el artista recrea situaciones en las que cuestiona los sentimientos del espectador, con una cuidada escenografía, que mezcla realidad y ficción, y una vuelta a los orígenes con una mínima intervención del retoque fotográfico. El excesivo consumismo o el aislamiento social son algunos de sus temas recurrentes. Erwin Olaf vive y trabaja en Ámsterdam. 
“La fotografía moderna no acaba de interesarme y creo que será así hasta que me muera; puede que esté celoso de la pintura, pero no podría pintar", ha explicado Erwin Olaf (Hilversum, Países Bajos, 1959) sobre su trabajo. En Celda de Emociones se podrán ver los trabajos de la última década del artista holandés agrupados en series. En las obras que forman parte esta exposición, Olaf aborda desde su punto de vista los problemas sociales actuales, tabúes y los convencionalismos, pero con una escenografía y puesta en escena cuidando hasta el mínimo detalle. En sus recreaciones, el espectador duda sobre lo que está viendo, ya que lleva al límite sus propias fantasías, incluso convirtiéndose algunas de ellas en pesadillas.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga: “El artista holandés despoja de realidad esos instantes, otorgándoles el mayor de los privilegios: dejar hacer al imaginario colectivo, invitando al espectador a cuestionarse sus principios y prejuicios. Para recrear esos ambientes emplea unos recursos que hace que la atmósfera en la sala se vuelva densa, irrespirable. En un momento todo puede ser posible, hasta lo más inverosímil. Con estas premisas, en sus fotografías se leen críticas hacia el consumismo, el aislamiento social de las personas, la decadencia, la provocación, el erotismo, incluso la sátira y el humor. Su técnica ha evolucionado, retornando a lo clásico e interviniendo escasamente en el resultado con un mínimo retoque fotográfico. Pero no todo es válido: si lo que se expone es demasiado real, en el mundo de fantasía ideado por Olaf, esta idea es desechada. No le interesa lo que a priori es fácil de interpretar".

El artista logra que a través de sus fotografías se perciban las emociones de sus personajes, como la angustia de la espera de la serie Hope (2005), que recrea el instante inmediato a que suceda algo en ambiente cotidianos y en la que habla de la soledad e incomunicación de la etapa actual; o el dolor en los protagonistas de la serie Grief (2007), que muestra el malestar que se vivió en la sociedad norteamericana tras el asesinato de Kennedy. Entre sus obras más provocadoras y que suscita más inquietud en el espectador están las de la serie Keyhole (2011) en la Olaf sitúa al espectador detrás de una cerradura y le invita a que vea qué se esconde tras ella. La vergüenza y los prejuicios del visitante quedan al descubierto cuando cae en la cuenta sobre lo que es capaz de pensar tras realizar este ejercicio.

La preocupación por la estética, lo superfluo y el exceso de consumismo están presentes en Le Dernier Cri (2006). Estancias y objetos perfectamente alineados y combinados, personas que han llevado el gusto por la estética hasta el extremo, hasta deformar sus propios cuerpos. En Berlin (2012) Olaf capta la decadencia de una ciudad prebélica, ya que está ambientada en los años 20. La exposición se completa con los vídeos e instalaciones. Algunos de estos trabajos son un reflejo de las propias fotografías en movimiento.

A lo largo de su trayectoria ha variado su técnica. Empezó empleando el blanco y negro, después se decantó por el uso del color y la manipulación digital. En sus últimos trabajos, Erwin Olaf realiza escasos retoques fotográficos, retornando a la fotografía en un sentido clásico. La estética por lo excesivo lo sitúan como un artista barroco, al emplear recursos muy cuidados y una producción visual sofisticada.

Erwin Olaf nació en 1959 en Hilversum (Países Bajos) y actualmente vive en Ámsterdam. Apareció en la escena artística internacional mezclando el fotoperiodismo con la fotografía de estudio en 1988, cuando su serie Chessmen obtuvo el primer premio en el concurso Young European Photographer. Este galardón fue seguido de una exposición en el Ludwig Museum de Colonia (Alemania) ese mismo año. En 1987 Olaf empezó a trabajar en el cine, que ha seguido siendo desde entonces una forma de expresión importante en su producción artística. Sus películas se han proyectado en varios museos, como el Centre Pompidou de París y festivales de cine destacados de todo el mundo, como Fashion Film Festival de Melbourne, Festival Internacional de Cine Rencontres de París, Festival Internacional de Cine de Turquía (Ankara), Festival EMAF de Osnabrück, Festival Internacional de Cine de los Países Bajos (Róterdam).

Además, ha trabajado para destacadas marcas y revistas especializadas en moda. Ha recibido numerosos premios internacionales de arte y nuevos medios, como el de Fotógrafo del año en los lnternational Colour Awards de 2006. En 2008 obtuvo el galardón Lucie de Estados Unidos por sus logros en el campo de la fotografía. En 2011 ganó el prestigioso premio de las artes Johannes Vermeer en Holanda. En 2013, su diseño fue escogido para ilustrar la nueva cara nacional de las monedas de euro holandesas. En otoño de 2014, Aperture editó un nuevo libro que repasa las creaciones del artista a lo largo de los años e incluye su trabajo más reciente.

Erwin Olaf ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales, incluidas las de la George Eastman House (Rochester, EE. UU.), la Maison Européenne de la Photographie de París, el Chelsea Art Museum de Nueva York, el Museum voor Moderne Kunst Arnhem, la Kunsthalle Winterthur de Suiza y el Museum of the City of New York de Nueva York. Entre sus exposiciones individuales cabe destacar las siguientes: Stedelijk Museum de Ámsterdam, Groninger Museum (Países Bajos), MonteVideo (Ámsterdam), Galería de Arte Moderno de Bolonia (ltalia), Museo de Arte Moderno de Moscú (Rusia), Museo de Fotografía de La Haya, Museo de Fotografía de Amberes, lnstitut Néerlandais de París, Hermitage de Ámsterdam, Rijksmuseum de Ámsterdam y La Sucrière (Lyon, Francia).

Celda de Emociones
Lugar: CAC Málaga 
Dirección: Calle Alemania, S/N, 29001 Málaga
Fecha: del 29 de enero al 01 de mayo de 2016 

domingo, 24 de enero de 2016

Primera exposición de Juan Muñoz en la galería Elvira González

El 20 de enero, la galería Elvira González inaugura su primera exposición de Juan Muñoz, artista referente en la renovación de la escultura contemporánea para la que recupera la figura humana. 

La muestra incluye una selección de esculturas, pinturas y grabados que revelan el universo de Muñoz, con piezas de principios de los noventa hasta sus conjuntos escultóricos de principios del 2000. 

La obra de Juan Muñoz tiende un puente entre la escultura clásica y la de vanguardia. Su creación es de las más innovadoras en el contexto de artistas europeos ya que desde la década de los noventa comienza a trabajar la narrativa en sus piezas, creando grupos de figuras en interacción que forman escenas y crean espacios. 

La selección de esculturas que integran la exposición refleja el periodo de madurez de Muñoz, con figuras en resina de poliéster y en bronce. Algunas de las obras en la exposición son inéditas para el público español siendo la primera vez que se exponen en España como Two figures, one laughing at one hanging del año 2000, y otra obra sin título, del año 2001, compuesta también por dos figuras, mirándose a un espejo. 

A través de la escultura el autor interpela al espectador enfrentándole a su propia existencia. Las tradiciones más clasicistas y los conceptos contemporáneos se dan la mano en unas imágenes que, solas o en grupos, ponen de manifiesto la soledad, la dificultad en la comunicación y la desubicación del ser humano. 

Juan Muñoz (Madrid, 1953 – Ibiza, 2001) cursó brevemente estudios de arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid y, posteriormente, escultura y grabado en el Reino Unido. En 1982 se trasladó a Estados Unidos para estudiar en el Pratt Centre de Nueva York, donde conoce a Richard Serra.

Durante su etapa formativa encuentra referencias en algunos artistas como Naum Gabo, Pevsner, el primer Henry Moore, Robert Smithson, Giorgio de Chirico o el propio Richard Serra. Tras una serie de exposiciones en ciudades europeas y de Estados Unidos como Chicago, Nueva York, Londres, Madrid, Zúrich, Washington o Bilbao, se consagró desde mediados de los ochenta como uno de los artistas emergentes más importantes de la escultura europea. 

En el año 2000 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 2001 ocupa y transforma la colosal Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres, siendo el primer español invitado a ello con el montaje arquitectónico titulado Double Bind (Doble atadura). Esta fue su última creación y es considerada una obra de referencia ya que aúna todos los temas que más le preocupaban: la articulación del espacio, la soledad, la reflexión sobre la propia identidad y la incomunicación. 

Además de escultor, Muñoz también se dedicó a otras manifestaciones artísticas como el dibujo, la música, la radio o la literatura, colaborando con el escritor John Berger en una obra radiofónica y con músicos como Gavin Bryars, Bill Hawkes y Alberto Iglesias. Una rica producción artística en disciplinas muy diversas, que se vio interrumpida cuando el artista fallece, de forma inesperada, en Ibiza el 28 de agosto de 2001.

Juan Muñoz
Lugar: galería Elvira González
Dirección: General Castaños 3, Madrid.
Fecha: del 20 de eneros al 30 de  marzo de 2016.

Candida Höfer en la Galería Helga de Alvear


Candida Höfer (Eberswalde, Alemania 1944) presenta su exposición individual The Space, the Detail, the Image en la Galería Helga de Alvear. Su obra—junto con la de Andreas Gursky, Axel Hütte, Thomas Ruff y Thomas Struth—se enmarca dentro de la tradición de la Kunstakademie de Düsseldorf y las enseñanzas de Bernd y Hilla Becher.

La exposición presenta una serie de interiores de bibliotecas y corredores de monasterios y abadías benedictinas de Austria, además de dos imágenes del Teatro Estatal de Linz. La total ausencia de la figura humana provoca un mayor protagonismo de la arquitectura y la aparente austeridad de sus imágenes encierra una compleja lectura de la arquitectura en relación con sus usos y funciones actuales. Por primera vez en su carrera y coincidiendo con la exposición, se mostrarán dos vídeos filmados en la ruta Madrid – Cáceres.

En los años setenta, fotografió inmigrantes turcos en Alemania haciendo público el ámbito privado de esta comunidad. En los ochenta inició su serie Räume (Espacios), todavía en curso, centrándose en los interiores de bibliotecas, museos, salas de conciertos, palacios, etc. En los noventa su serie Zoologische Gärten (Jardín Zoológico) retrataba animales prisioneros en arquitecturas más propias del hombre. En 2001 el Musée des Beaux-Arts de Calais, le encargó que fotografiase los doce conjuntos de esculturas de los “Burgueses de Calais” de Auguste Rodin en sus doce emplazamientos diferentes. En 2002 participó en Documenta 11 y en 2003 junto a Martin Kippenberger representó a Alemania en la Bienal de Venecia.

Candida Höfer estudió en la Kunstakademie Düsseldorf, primero cine con Ole John y después fotografía con Bernd y Hilla Becher. Entre sus exposiciones individuales: Museo Folkwang de Essen (1982), Rheinisches Landesmuseum de Bonn (1984), Hamburger Kunsthalle (1993), Galerie de l'École des Beaux-Arts en Valenciennes (1994), Centro de Fotografía en la Universidad de Salamanca (1998), Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago (2000), Kunsthalle Nürnberg (2000), Kunsthalle Bremen (2003), Museo del Louvre en París (2006) y Kunsthaus Hamburgo (2007). Su trabajo ha formado parte de múltiples exposiciones colectivas: Nachbarschaft, Kunsthalle Düsseldorf (1976); Giovani Artisti Tedeschi, Centro de Arte Contemporáneo de Turín (1995); Ex Libris, Bibliothèque Nationale de France, en París (1998); Minimalismos: Un Signo de los Tiempos, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (2001); Documenta 11 (2002); Moving Pictures, Museo Guggenheim Bilbao (2003); Bienal de Venecia (2003). Actualmente vive y trabaja en Colonia.

The Space, the Detail, the Image
Lugar: Galería Helga de Alvear
Dirección: Doctor Fourquet 12, Madrid
Fecha: Del 21 de enero al 16 de abril de 2016
web: www.helgadealvear.com