lunes, 29 de julio de 2013

Celebración


La sala Fundación Cruzcampo, Málaga, acoge la exposición: “CELEBRACIÓN”, una muestra colectiva que presenta en su recorrido un inventario de festejos, que analiza de 14 formas distintas este concepto. Podrá visitarse hasta el 12 de septiembre, a cualquier hora del día y la noche.
Artes Verbénicas, Elena Arana, Estela Arana, Culoactivo Canela, Cintia González, Las Buhoneras, Marygarlic, Antonio Meléndez, David Montes, Antonio Navarro, Awerpower, Virginia Rota, Leo Peralte y Eva Zurita son los creadores de esta muestra que se han unido en este nuevo espacio para dar a conocer sus obras. La exposición pretende reflejar el ciclo en el que la fiesta se acaba y vuelve la normalidad, la rutina, el deseo y la espera de la próxima fiesta. Una reflexión que retrata a los protagonistas y a una serie de elementos comunes y definitorios. La palabra fiesta se contorsiona a través de piezas de vídeo, instalación, fotografías e ilustraciones.

Entre los participantes, destacar la presencia de Marygarlic, en cuyo stand podemos ver una serie de obras turbadoras que dejan entrever su universo caótico y embarrado, en el que del más absoluto caos aflora la lucidez anárquica de su desconcertante espíritu.  Como ella misma dice: “La celebración adormece a las masas, controlan desde el poder, mentes dormidas sin alma, violadas por el sistema, folladas sin permiso, amputadas sin cerebro, babean en el camino a los cielos, insertadas sin preocupación, su destino debería ser la muerte. Mientras los demás celebran todo se va a la mierda”.

jueves, 11 de julio de 2013

¿Qué pasa con Eugenio Merino?

Eugenio Merino, Always Franco, 2012
Las últimas semanas están siendo muy intensas para el artista Eugenio Merino (Madrid, 1975), aunque el origen de la polémica viene de lejos.

Una pieza suya en ARCO 2012, titulada Always Franco, en la que el dictador español aparecía dentro de una nevera de refrescos, fue el detonante de una serie de acontecimientos que lo han llevado a juicio esta semana. Debido a su escultura del dictador en ARCO, la Fundación Francisco Franco presentó una demanda contra el artista, que el Juzgado de Primera Instancia número 26 de Madrid admitió a trámite, exigiéndole al autor de la obra 18.000 euros de indemnización por "daños al honor". Además, la Fundación Franco pidió la retirada de la obra en una carta dirigida a José María Álvarez del Manzano, antiguo alcalde de Madrid y presidente de la junta rectora de IFEMA, y como declara el autor en una entrevista, no lo lograron gracias a la presión de los medios, pues la voluntad del presidente era retirar la pieza, "intentó por todos los medios que fuera retirada del stand. Por suerte, a veces los medios de comunicación son nuestro escudo contra la censura".

Lo que resulta totalmente incomprensible y alarmante es que, debido a todos estos acontecimientos, la dirección de ARCO le impidiese a Eugenio Merino participar en la edición de 2013 de la feria. "Pese a todas las explicaciones que te puedan dar, estoy vetado", explicó Merino en una entrevista a 20minutos.

El culebrón ha seguido avanzando y coincidiendo con la resolución del juicio, la plataforma de Artistas Antifascistas ha organizado unas jornadas contra Franco, "un evento para el escarnio público del dictador y por la defensa de la libertad de expresión".

Palabras como veto o censura, aparecen en este pequeño resumen y ya no nos causan sorpresa. Nosotros desde Anotaciones de Arte nos preguntamos, ¿qué pasa con Eugenio Merino? ¿Qué le ocurre a la sociedad española? ¿Realmente ha llegado el siglo XXI?

Recopilamos aquí una selección de enlaces para entender algo mejor este asunto:
http://www.elmundo.es/elmundo/2012/02/16/cultura/1329389727.html
http://www.abc.es/20120216/cultura/rc-fundacion-franco-demandara-artista-201202161704.html
http://www.publico.es/culturas/422381/la-fundacion-francisco-franco-demandara-al-autor-de-always-franco
http://www.20minutos.es/noticia/1715212/0/eugenio-merino/escultor/obra-de-arte/
http://www.elmundo.es/elmundo/2013/07/02/cultura/1372774089.html
http://cultura.elpais.com/cultura/2013/07/06/actualidad/1373103073_413610.html
http://www.publico.es/458359/eugenio-merino-el-arte-puede-servir-para-darle-una-bofetada-al-poder

martes, 9 de julio de 2013

Dan Flavin en la Galería Elvira González

La Galería Elvira González inaugurará el 10 de septiembre la nueva temporada artística con su segunda exposición individual del autor minimalista estadounidense Dan Flavin. La muestra incluirá una selección de obras realizadas en los años 80 y 90 por este artista, pionero en el uso de los fluorescentes de color como material escultórico.

Sus obras esculpen la luz y se redefinen cada vez que son expuestas en un espacio distinto al integrarse con la arquitectura. Tal y como lo describe la crítica y comisaria Tiffany Bell, “al colocar estratégicamente las luces fluorescentes, Dan Flavin era capaz de transformar la percepción del espectador sobre cualquier espacio y otorgarle una experiencia nueva y dinámica”. 

Dan Flavin (Nueva York, 1933-1996) está considerado como uno de los artistas plásticos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Con una trayectoria personal muy diversa, que le llevó a pasar por el seminario de Brooklyn y por las fuerzas aéreas del ejército estadounidense, Flavin pudo dedicarse al arte a partir de finales de los años cincuenta. Pero su trayectoria previa fue determinante ya que su obra, “basada en atmósferas cromáticas de intensa resonancia mística, resuelve en una solución revolucionaria las inquietudes religiosas que marcaron la formación del artista”, señala el crítico Fernando Huici.

Su primera exposición de piezas realizadas utilizando luces fluorescentes tuvo lugar en 1964 en la Green Gallery (Milwaukee, EE.UU.). Desde entonces su obra ha sido expuesta en galerías y museos de relevancia internacional, como el Kunstmuseum y el Kunsthalle de Basilea, el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris o la Fundación Proa de Buenos Aires, así como en la National Gallery of Canada, en Ottawa donde, en 1969, se llevó a cabo la primera retrospectiva de su obra.
A lo largo de su carrera realizó más de 750 esculturas de luz, algunas de las cuales se han exhibido a modo de instalaciones permanentes integradas en la arquitectura de edificios e instituciones como la Grand Central Station o el lobby del edificio MetroTech Center en Nueva York, la fachada del museo Hamburger Bahnhof de Berlín (1996), los seis edificios de la Chinati Foundation en Marfa, Texas o incluso la iglesia de Santa Maria Annunciata en Chiesa Rossa, Milán. 

lunes, 8 de julio de 2013

Subodh Gupta en el CAC Málaga


El artista indio Subodh Gupta (Khagaul, Bihar, la India, 1964) presenta la primera exposición individual en España denominada The imaginary order of the things en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. La exposición, comisariada por el director del CAC, Fernando Francés, está formada por diecinueve obras, entre las que se incluyen tres piezas inéditas.

Sus esculturas, instalaciones, vídeos y pinturas se caracterizan por mostrar elementos cotidianos, en un contexto y con uso diferentes para los que fueron creados, convierte objetos cotidianos en monumentales instalaciones escultóricas.

Gupta, que fue actor durante una época, compara su propio proceso creativo con la forma de trabajar en el teatro: ‘De alguna manera, mi trabajo está un poco teatralizado. Se puede ver que hay un casting detrás, y todo lo que se emplea es bastante teatral’.

Con su obra, el artista busca representar la unión entre el mundo urbano y el rural, el mundo espiritual y el material. Por un lado, evoca la idea de la emigración de las familias hacia las áreas de mayor desarrollo. El cambio social sufrido en las últimas décadas en la India ha empujado a la emigración hacia áreas urbanas de familias procedentes de las zonas agrarias. En The imaginary order of the things se representa esta forma de vida nómada y para ello el artista emplea elementos y utensilios que carga de simbolismo, como la barca que transporta los enseres de la familia en la migración, y en la que hay hueco para albergar toda una vida (All in the same boat, 2012-2013).

Y, por otro lado, la tradición y los rituales relgiosos también tienen una fuerte presencia en su obra, ya que para una sociedad tremendamente religiosa como lo es la india, la forma de cocinar, los horarios y toda clase de liturgia que acompaña al acto de sentarse en una mesa están implícitos en su trabajo. Subodh Gupta representa los objetos vacíos porque: ‘están llenos de sí mismos únicamente; esto nos recuerda que todavía mucha gente tiene un plato vacío ante ellos. Su importancia no es sólo social, sino ideológica y también religiosa’.

Para crear todo su universo creativo, toma elementos que ha visto desde niño como, las cacerolas thali, bicicletas o los recipientes para la leche. Estos elementos y materiales también evidencian la clasificación de clases sociales de su país: utensilios brillantes y modernos, que se usan en las familias acomodadas de las zonas desarrolladas, en contraste con los objetos simples y tradicionales que se emplean en las áreas rurales. Su obra persigue reflejar fielmente la realidad que le rodea, ser un puente entre la cultura de su país y el resto del mundo.

La obra de Gupta posee una belleza poética que enmascara delicadamente una importantísima carga conceptual. Un juego de ida y vuelta que formalmente se hace evidente si paseamos por la muestra del CAC Málaga y nos detenemos en dos piezas que aparentemente estan fuera de contexto, como es un templo o una gran vasija de barro, si miramos en su interior veremos que nos aguarda una sorpresa. A pesar de emplear muchos elementos cotidianos, a lo largo de toda la exposición nos envuelve una sensación de estar rodeados de un universo lleno de armonía y de belleza impregnado del aroma del país asiático, un cascarón que envuelven un universo muy comprometido y personal con el que el artista nos narra la realidad de la India.

Ricardo Basbaum. Diagramas


Diagramas es la primera exposición retrospectiva en España del brasileño Ricardo Basbaum. Desde mediados de los años noventa, su obra ha ganado creciente visibilidad internacional mediante exposiciones que combinan objetos, textos, instalaciones y la participación de terceros en la construcción de situaciones que cuestionan los efectos, las condiciones y las posibilidades del arte contemporáneo. Sus Diagramas constituyen una memoria del cuerpo organizada mediante dispositivos visuales y conceptuales que funcionan como una membrana perceptiva entre el yo y el tú en la construcción de nuevas capas sensoriales y participativas.

Ricardo Basbaum (São Paulo, 1961) es un agente cultural que mantiene una intensa actividad, no solo artística, sino también docente, investigadora y curatorial. Es profesor del Instituto de Artes de la Universidad del Estado de Río de Janeiro.

Entre sus exposiciones individuales más recientes destacan Would you like to participate in an artistic experience? (Logan Center for the Arts, Chicago, 2012) y conjs., rebancos*: exercícios & conversas (Museu de Arte da Pampulha, 2011). Participó en la 30ª Bienal de São Paulo (2012), en la 7ª Bienal de Shanghái (2008) y en la documenta 12 (2007), entre otras muestras. En 2012 desarrolló proyectos para ReaKt - Olhares e Processos (Guimarães, Portugal), Counter-Production (Generali Foundation, Viena), Garden of Learning (Busan, Corea del Sur, 2012) y aberto fechado: caixa e livro na arte brasileira (Pinacoteca do Estado de São Paulo). Es autor de Ouvido de corpo, ouvido de grupo (Universidad Nacional de Córdoba, 2010) y Manual do artista-etc (Azougue, 2013).

La exposición, comisariada por Miguel von Hafe & Ricardo Basbaum, puede visitarse en el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC), hasta el 6 de octubre de 2013.