tag:blogger.com,1999:blog-17833436983227979562024-03-13T00:36:58.808+01:00Anotaciones de Arteanotacionesdearte.com, el blog de arte y Cultura de Homines.comUnknownnoreply@blogger.comBlogger308125tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-25237045509153246372023-11-06T11:33:00.004+01:002023-11-06T11:33:50.343+01:00Marc Montijano expone en el Espacio 5 del CAC Málaga El lenguaje de los pájaros<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeLOFB2O60aPtV3YnVdl13wPjJvm0O4LQbTO0IqA_U_wxKcaY2TW-KCphLySOLlLmXl_ordbEhNQB5Gcirun0K9DukB4Ws9_UjRiTgGANJmRkc4nZq4wihUB9OUmfwBOONEZrBaMEOb_wqsDpNaa6RlJ8kNnP6F0RJt8DjAa3hl-G1e69Dn_7Mjc5FNA/s800/Montijano_10l.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="800" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeLOFB2O60aPtV3YnVdl13wPjJvm0O4LQbTO0IqA_U_wxKcaY2TW-KCphLySOLlLmXl_ordbEhNQB5Gcirun0K9DukB4Ws9_UjRiTgGANJmRkc4nZq4wihUB9OUmfwBOONEZrBaMEOb_wqsDpNaa6RlJ8kNnP6F0RJt8DjAa3hl-G1e69Dn_7Mjc5FNA/s320/Montijano_10l.jpg" width="320" /></a></div>El CAC Málaga presenta por primera vez, la obra inédita <i>El lenguaje de los pájaros</i> (2023), del artista Marc Montijano, en la que propone una exploración de la naturaleza profunda del ser humano y su conexión con lo espiritual. Inspirado en el lenguaje místico de los pájaros, concepto proveniente de las antiguas tradiciones persas y sufíes, este proyecto sumerge al espectador en un universo cargado de simbolismo y reflexiones sobre la sociedad contemporánea.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El lenguaje de los pájaros, además del título de una obra del Farid al Din Attar —poeta persa del siglo XII, vinculado al sufismo—, es un lenguaje místico. Es un lenguaje perfecto o divino, un sistema de comunicación secreto, usado por los iniciados.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Marc Montijano bucea en su trabajo en la naturaleza profunda del hombre. Le interesa lo que guardamos en nuestro interior, lo espiritual en contraposición a lo material. Articula, en su obra, una serie de elementos fijos y cargados de simbología —cuerdas, sacos, personajes desnudos—, para crear un clima que envuelva al espacio y nos introduzca, como espectadores, en su universo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Movido por esta inquietud espiritual, que está en la base de todo su trabajo, en este proyecto se produce una aproximación a la naturaleza como creación divina. Una espiritualidad de matiz panteísta, una naturaleza inspiradora reflejo de un secreto como lo entendía San Francisco de Asís o Giordano Bruno, con sus infinitos matices.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Casi como un rito iniciático, en <i>El lenguaje de los pájaros</i>, se centra en la construcción de la obra, en el proceso creativo pausado y paciente como metáfora del proceso de autorrealización. Las cuerdas toman el protagonismo, el artista se refugia y centra la atención en ellas —eje de todo su trabajo—, que en este proyecto recuerdan a raíces, como entidades orgánicas que atrapan a los personajes, que los atan a lo material.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es un proyecto luminoso, aunque como en todos sus trabajos reflexiona con espíritu crítico, sobre distintos aspectos de la sociedad actual. En <i>El lenguaje de los pájaros</i> sobrevuela la preocupación por el colapso de nuestra sociedad, fruto del materialismo desmedido y el consumismo irracional. De ahí la doble mirada hacia la naturaleza, como maestra y símbolo de lo trascendente y como alternativa al caos y a la destrucción generada por el hombre.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aunque ligado fuertemente a la performance, su trabajo de fuerte base conceptual se expande a otros lenguajes. Como el artista ha indicado: “He encontrado en el video un campo de investigación y experimentación formidable que me abre otras posibilidades. Lo mismo me ocurre con la instalación o las intervenciones de objetos. Realmente el lenguaje con el que trabajo es secundario, parto de una idea e intento materializarla del modo más efectivo posible”.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La videoperformance podrá verse hasta el 28 de enero de 2024 en el Espacio 5 del CAC Málaga, espacio dedicado al video arte en el que ha expuesto en los últimos años obras de Marina Abramovic, Bruce Nauman, Lawrence Weiner, Alicia Framis, Nan Goldin, Rinus Van de Velde o Valie Export, entre otros.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Marc Montijano en <i>El lenguaje de los pájaros</i> da forma a todo un trasfondo literario y filosófico, complejo y profundo. Fruto de casi dos décadas de investigación. Desde la práctica, pero también desde la teoría. Además de su carrera artística, Montijano también se dedica a la investigación y a la docencia universitaria. Ha llevado a cabo una labor intensa de investigación relacionada con la performance, lo que le ha permitido adquirir un enfoque global del arte de acción.</div> Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-20559528426780761242023-10-13T18:28:00.009+02:002023-10-13T18:31:16.868+02:00La relación del ser humano con la naturaleza, argumento central del nuevo ciclo de cine del Reina Sofía<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-sevvwZau7gk/Vw4And-GbfI/AAAAAAAABUI/mzh-gh3L2P4y-bXpOvpwc_27SWGN_ugsACLcB/s320/logoMNCARS.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="160" data-original-width="320" height="160" src="https://2.bp.blogspot.com/-sevvwZau7gk/Vw4And-GbfI/AAAAAAAABUI/mzh-gh3L2P4y-bXpOvpwc_27SWGN_ugsACLcB/s320/logoMNCARS.jpg" width="320" /></a></div>El 5 de octubre arrancó <i>La cámara de la naturaleza</i>, un ciclo de cine organizado por el Museo y comisariado por James Lattimer, que reúne películas recientes de diferentes géneros —ficción, documental, ensayo y cine experimental— procedentes de diversos países del mundo y que ponen su mirada en la relación entre lo humano y la naturaleza.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los ocho programas de este ciclo combinan cortometrajes, mediometrajes y largometrajes de artistas emergentes y nombres consagrados, algunos de los cuales han dedicado toda su carrera a examinar cómo nos relacionamos con el mundo natural. Las obras exploran una gran variedad de cuestiones desde nuevas perspectivas no antropomórficas, desdibujando así las fronteras establecidas entre naturaleza y cultura, y demostrando la asombrosa versatilidad del cine a la hora de retratar el mundo natural que nos rodea cuando lo animal, lo mineral y lo vegetal cobran protagonismo. Escuchar a la naturaleza resulta necesario para comprender la magnitud de nuestro impacto en el planeta, y el cine es un medio perfecto para hacerlo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Así pues, en las películas de este ciclo, es posible oír el zumbido de los insectos revoloteando sobre una cama por la noche, los barritos de un elefante al cruzar la selva, el murmullo incesante de un arroyo o el viento que sopla en islas deshabitadas; sumergirse en todos estos espacios sin salir de la sala de cine. Se puede observar cómo un gran felino y un caimán se pasean por un apartamento, divisar especies extinguidas o ver el mundo como lo hacen los animales cuando ellos mismos se adueñan de la cámara. Es posible estremecerse ante plantas que se abren paso a través del hormigón o se extienden por nuestra carne haciéndonos llegar a estados de contemplación extasiada y a la vez comprender en qué medida su supervivencia depende de la tecnología humana. Se puede sentir el estremecimiento y el temblor de la tierra a nuestro alrededor, deambular por los paisajes generados por nuestras acciones e imaginar una época en la que las rocas sean lo único que quede.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Más información: https://www.museoreinasofia.es/actividades/camara-naturaleza</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-70859106443447958672023-10-13T18:05:00.008+02:002023-10-13T18:13:14.928+02:00Málaga rinde homenaje al legado artístico de Evelyn Botella<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="text-align: justify;"><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://www.malagahoy.es/2023/10/10/ocio/comisario-exposicion-Manuel-Barbadillo-coleccion_1837626888_194462767_667x375.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="375" data-original-width="667" height="180" src="https://www.malagahoy.es/2023/10/10/ocio/comisario-exposicion-Manuel-Barbadillo-coleccion_1837626888_194462767_667x375.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption">© Fotografía Málaga Hoy</td></tr></tbody></table>Las salas expositivas del CAC La Coracha albergan, hasta el próximo 12 de noviembre, la exposición 'El pacto visible. Donación Evelyn Botella', organizada por el Área de Cultura y la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y Otros Equipamientos Museísticos y Culturales.</span></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hace seis años, la destacada galerista Evelyn Botella donó un conjunto de obras a la ciudad de Málaga, marcando así el inicio de este proyecto. La colección 'El pacto visible' consta de casi 60 obras, seleccionadas cuidadosamente de entre las mejores propuestas de 16 artistas con los que Evelyn Botella trabajó durante años. Estos artistas expusieron sus obras en su galería y las presentaron en diversas ferias de arte internacionales a las que asistió la galería.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ahora, el Ayuntamiento de Málaga, a través de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y Otros Equipamientos Museísticos y Culturales, rinde homenaje al gesto altruista de Evelyn Botella con la exposición 'El Pacto Visible', comisariada por Juan Francisco Rueda, que presenta 49 de las obras donadas por la galerista.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La presentación ha tenido lugar este martes con la presencia del alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; la concejala de Cultura y Patrimonio Histórico, Mariana Pineda; el director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Picasso y Otros Equipamientos Museísticos y Culturales, José María Luna; el comisario de la exposición, Juan Francisco Rueda; y el representante legal de Evelyn Botella, Diego Acedo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esta colección sirve como testimonio de una época significativa en el panorama artístico español, que abarca desde la Transición hasta fechas muy recientes. El trabajo de la galerista y su equipo siempre ha buscado reflejar los movimientos artísticos de este período, abordando de manera única la función de las galerías en el mundo del arte y su estrecha relación con los artistas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">'El pacto visible. Donación Evelyn Botella' se convierte en una oportunidad única para apreciar la evolución de destacados artistas como Marisa González, Paloma Navares, Rufo Criado y Cruz Novillo. Se incorporan también al patrimonio municipal varias obras del artista sevillano Manuel Barbadillo, pionero en el arte computacional y modular, profundamente ligado a la capital malagueña en la que vivió hasta su muerte.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La muestra permite al público descubrir una parte sustancial del arte de las últimas décadas del siglo XX, con un enfoque particular en la pintura y la escultura. La exposición está organizada en grupos de obras que comparten características similares, proporcionando así un enfoque coherente y una narrativa histórica para los visitantes.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Evelyn Botella</b></div><div style="text-align: justify;">Desde que en 1975 accediera a la dirección de la Galería AELE, en Madrid, el nombre de Evelyn Botella (Evelyn Piquet de Botella. Nueva York, 1928) ha sido esencial en la historia del galerismo español. Así, su figura participa de un exclusivo grupo de galeristas mujeres que comandaron el mercado del arte nacional en la segunda mitad del siglo XX -y hasta nuestros días-, empezando por Juana Mordó, quien fue para Evelyn, como para tantas otras colegas, un inicial apoyo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Evelyn Botella también destacó por su proyección en el mercado internacional del arte, gracias a su temprana participación en ferias internacionales y a su sólido vínculo con el arte contemporáneo latinoamericano, representado por artistas como Sarah Grilo y Roberto Matta. Además, su galería ha destacado por apoyar y promover el arte creado por mujeres, incluyendo artistas españolas trascendentales del último medio siglo como Marisa González y, especialmente, Paloma Navares.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La trayectoria galerística de Evelyn Botella concluyó en 2013, tras más de cuatro décadas de contribución esencial al sector del arte. Durante ese tiempo, anudó su nombre al de artistas insustituibles del arte contemporáneo español, como Marisa González, Paloma Navares, Rufo Criado, Cruz Novillo y Manuel Barbadillo, entre otros. Asimismo, figuras internacionales como Pierre Alechinsky, Dieter Roth o Dennis Oppenheim pasaron por su galería en los distintos espacios madrileños que ocupó, demostrando así su enfoque internacional y su impacto en el mundo del arte.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-83884233597612091462023-10-05T18:33:00.002+02:002023-10-05T18:33:23.492+02:00Marc Montijano aborda la problemática del Alzheimer<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV4cZ62QDvPETEp0zzVYVXukh3bQOhIt6y2IqoyLJ0WjQBe4RP-igVlb26VuXrWxefodMIvvx4XXEouHwlAbCRfqugY48FdbRH9RirKkwbSXVrAa2-Wy6e8dkRAaqRwsiVU6GiMVSfR71zzJOAWY1p9y_AjEQDGMEu6VjkEcK3qmxYNfY4QY3sd83_aQ/s800/cartel_AFA_marc_montijano.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="719" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV4cZ62QDvPETEp0zzVYVXukh3bQOhIt6y2IqoyLJ0WjQBe4RP-igVlb26VuXrWxefodMIvvx4XXEouHwlAbCRfqugY48FdbRH9RirKkwbSXVrAa2-Wy6e8dkRAaqRwsiVU6GiMVSfR71zzJOAWY1p9y_AjEQDGMEu6VjkEcK3qmxYNfY4QY3sd83_aQ/s320/cartel_AFA_marc_montijano.jpg" width="288" /></a></div>El próximo viernes 6 de octubre Marc Montijano llevará a cabo la acción <i>Las Tres Muertes</i> en apoyo a la Asociación de familiares de enfermos de Alzheimer y otras demencias de Mijas (AFA Mijas).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En los actos de conmemoración del 20 aniversario de AFA Mijas, el artista Marc Montijano realizará una acción artística en el Museo de Mijas en la que incluirá a un grupo numeroso de voluntarios de la asociación, dentro de una gran instalación hecha con cuerdas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La acción lleva por título <i>Las Tres Muertes</i> en alusión a las etapas del proceso de deterioro progresivo que sufren los enfermos de Alzheimer y sus familiares. Ya que cuando una persona padece Alzhéimer, no es la única que se ve implicada en el largo camino de esta enfermedad.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La primera “muerte” se produce con el diagnóstico, en la que se experimenta una oleada de frustración ante una enfermedad irreversible, en la que se irá produciendo un deterioro cognitivo y de conciencia. La segunda “muerte” se origina cuando se rompe la relación entre el enfermo y los familiares, cuando está físicamente presente, y sin embargo no está; y la tercera es la muerte real, la física.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como indica el artista: “Es un proyecto duro en el que intento, en la medida de lo posible y con todo el respeto, ponerme en el punto de vista de los familiares. A los participantes en la acción, en este caso, no les cubro el rostro con un saco, son personas concretas, que trabajan en la asociación. El objetivo de esta acción es apoyar la extraordinaria labor de AFA Mijas con los enfermos de Alzheimer. Pero, sobre todo, planteamos un proyecto para dar visibilidad a la asociación, después de 20 años de duro trabajo, necesitan el apoyo de todos, para que se conozcan y atiendan sus necesidades”.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Entiendo el arte como herramienta social, y para ello hay que salir a la calle e implicarse de primera mano con problemáticas reales. Cuando te proponen hacer un proyecto para ayudarles, después de ver las instalaciones de AFA Mijas y el inmenso y sobrecogedor trabajo que realizan con los enfermos, solo puedo estar agradecido porque me permitan echarles una mano”.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La Asociación de familiares de enfermos de Alzheimer y otras demencias de Mijas es una entidad sin ánimo de lucro cuya finalidad es promover un estilo de vida activo que mantenga la autonomía de las personas afectadas por la enfermedad de Alzheimer y otras demencias en todo el Municipio de Mijas, tratando de conservar unos niveles funcionales satisfactorios, evitando así el deterioro cognitivo y procurando el mayor grado de autonomía de la persona afectada, frenando su proceso de dependencia para las Actividades Básicas de la Vida Diaria (ABVD).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otro de sus fines es cubrir la variada problemática psicosocial que conlleva la enfermedad de Alzheimer y el resto de las demencias en las personas afectadas por esta enfermedad y en su entorno familiar. Desde AFA MIJAS tratan de cubrir las necesidades de información, apoyo y asesoramiento psicosocial a las familias, así como concienciar sobre la realidad del Alzheimer a la población en general.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La performance <i>Las Tres Muertes </i>de Marc Montijano tendrá lugar en la Casa Museo de Mijas pueblo el 6 de octubre a las 20h., en paralelo, en la sala expositiva se inaugurará una exposición de fotografías por el 20 aniversario de AFA Mijas.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-77293170852191498132023-09-30T18:51:00.002+02:002023-10-05T19:02:15.390+02:00Fieramente humanos. Retratos de santidad barroca en el El Museo Carmen Thyssen Málaga<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://cadenaser.com/resizer/kp6Z8xmq3bETT5Z6VbWcmjgYDPk=/736x552/filters:format(jpg):quality(70)/cloudfront-eu-central-1.images.arcpublishing.com/prisaradio/3BPW3TMDB5BRVOOXDDZZH5TOHA.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="552" data-original-width="736" height="252" src="https://cadenaser.com/resizer/kp6Z8xmq3bETT5Z6VbWcmjgYDPk=/736x552/filters:format(jpg):quality(70)/cloudfront-eu-central-1.images.arcpublishing.com/prisaradio/3BPW3TMDB5BRVOOXDDZZH5TOHA.jpg" width="336" /></a></div><div style="text-align: justify;">El Museo Carmen Thyssen Málaga ha presentado este viernes 29 de septiembre su exposición temporal ‘Fieramente humanos. Retratos de santidad barroca’, que podrá visitarse a partir del día siguiente y que permanecerá hasta el 18 de febrero de 2024 en la Sala de Exposiciones Temporales del Palacio de Villalón. Al acto de presentación han acudido el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; la concejala de Cultura, Mariana Pineda; el conservador general de la Colección Carmen Thyssen, Guillermo Cervera; el presidente de la Fundación Bancaria Unicaja, José M. Domínguez, institución patrocinadora de la exposición; el director general de Coanfi, Sergio Angusto, entidad colaboradora de la muestra; así como la directora artística del Museo Carmen Thyssen Málaga, Lourdes Moreno, acompañada por el comisario de la muestra, Pablo González Tornel, director del Museo de Bellas Artes de Valencia. Esta exposición, la más ambiciosa que el Museo Carmen Thyssen Málaga ha planteado hasta la fecha, es resultado de una colaboración con este museo valenciano, principal prestador de la muestra, y propone, a través de 35 obras maestras de los principales pintores y escultores españoles del siglo XVII, una mirada actual a la representación de los santos y santas en el barroco español, que ofrece, en palabras de Pablo González Tornel, “una reflexión acerca de la relación emocional entre el espectador y la imagen artística partiendo del barroco y extendiéndose hasta el mundo actual".</div></span></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Así, y según Lourdes Moreno, el Museo Carmen Thyssen Málaga quiere mostrar “cómo el intenso realismo que define estas imágenes y que permitió estimular la devoción de sus contemporáneos sigue cautivando hoy a los espectadores”. Lourdes Moreno añade que “varios siglos después, aquellos seres divinos, tan realistas en su aspecto y sus emociones, mantienen el impacto visual de su verismo sin ambages, su carácter más fieramente humano y conservan intacta su capacidad de apelar a la empatía y sensibilidad de quienes los contemplan”. Al respecto, y sobre la actualidad y larga pervivencia de la tradición de este barroco, dan testimonio tres obras contemporáneas que se han integrado en el discurso, confrontando a sus antecesoras del XVII.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Para articular este discurso, ‘Fieramente humanos. Retratos de santidad barroca’ expone obras de grandes maestros de la pintura barroca como Murillo, Ribera, Velázquez, Ribalta, Orrente, Pereda, Giordano, Vaccaro, entre otros, y de dos de los escultores principales del período: Mena y Martínez Montañés. Un repertorio de artistas y piezas que hace de la exposición un acontecimiento de especial relevancia en el panorama expositivo del Museo Carmen Thyssen Málaga y de la ciudad de Málaga. Frente a estas piezas, ‘Fieramente humanos. Retratos de santidad barroca’ incorpora tres obras contemporáneas de Equipo Crónica, Darío Villalba y Antonio Saura, que subrayan la pervivencia en la actualidad de los recursos de dramatismo y expresividad propios de Siglo de Oro y, a su vez, proponen una lectura alternativa al resto de la exposición, en un sorprendente y novedoso cruce de miradas entre dos épocas que, con recursos diferentes, retrataron las tribulaciones vitales de sus coetáneos. La exposición cuenta con el patrocinio de Fundación Bancaria Unicaja, que impulsa desde 2017 varios proyectos expositivos del Museo Carmen Thyssen Málaga, y con la colaboración de Coanfi, recientemente incorporada como Empresa Amiga.</div><div><br /></div><blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><div style="text-align: left;"><i>Fieramente humanos. Retratos de santidad barroca</i> </div></blockquote><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px; text-align: left;"><div>Del 30 de septiembre de 2023 al 18 de febrero de 2024</div><div>Comisariado: Pablo González Tornel, director del Museo de Bellas Artes de Valencia</div><div>Más información:</div><div>Sala de exposiciones temporales (tercera planta)</div><div>Exposición organizada en colaboración entre el Museo Carmen Thyssen Málaga y el Museo de Bellas Artes de Valencia</div></blockquote><div style="text-align: justify;"></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-91746298556592268912023-09-22T18:27:00.001+02:002023-10-05T18:29:53.514+02:00Un dibujo del iPad de David Hockney establece un nuevo récord<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://homines.com/noticias/venta_dibujo_ipad_hockney.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="229" data-original-width="170" height="229" src="https://homines.com/noticias/venta_dibujo_ipad_hockney.jpg" width="170" /></a></div>Una representación de la primavera de 2011 fue vendida por más del doble de su estimación en una venta especial de Phillips dedicada a las ediciones de David Hockney.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La venta especial del 20 de septiembre se organizó como un evento inaugural tras de su año récord de subasta en 2022. La venta incluyó algunos aspectos destacados, en particular “The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011 (twenty eleven) - 31 May, No. 2”, que se vendió por 214.200 libras esterlinas frente a una estimación de 100.000 libras esterlinas.La obra, que estableció un récord mundial para esa edición en particular, pertenece a su serie fundamental, “The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire”, que documenta la lenta transición estacional de la naturaleza del invierno a la primavera. Compuesto por 61 dibujos de iPad, fue concebido en anticipación de la histórica retrospectiva del artista de 2012, “A Bigger Picture”, en la Royal Academy de Londres.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El famoso artista inglés había regresado a la casa de su difunta madre en Bridlington en 2006 para experimentar el florecimiento de la primavera, centrándose en el cercano bosque de Woldgate.</div><div style="text-align: justify;">A partir del 1 de enero de 2011 y culminando a principios de junio, la serie "La llegada de la primavera" revela cómo las ramas heladas florecen gradualmente hasta convertirse en deliciosos verdes. También fue una de las primeras incursiones de Hockney en el dibujo con iPad, un método que le permitió trabajar rápidamente y crear capas con una paleta muy saturada.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-55461390803993801252023-09-15T18:20:00.013+02:002023-10-05T18:26:19.660+02:00Adiós al artista colombiano Fernando Botero<div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://efe.com/wp-content/uploads/2023/09/Botero2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="800" height="216" src="https://efe.com/wp-content/uploads/2023/09/Botero2.jpg" width="325" /></a></div>Fernando Botero, pintor, dibujante y escultor colombiano ha fallecido este viernes a los 91 años en su casa de Mónaco.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">‘El más universal de los artistas colombianos', como ha sido llamado Botero, había sufrido una neumonía, pero el jueves salió del hospital para recuperarse en casa. Botero nació en Medellín el 19 de abril de 1932 y ha sido uno de los artistas plásticos colombiano con más reconocimiento internacional.</div></div><div style="text-align: justify;">El pintor y escultor se autodefinió como 'el más colombiano de los artistas colombianos', a pesar de que vivió fuera de su país desde 1960.</div><div style="text-align: justify;">En 1948, a los 16 años publicó sus primeras ilustraciones en la revista dominical de “El Colombiano”. Al terminar la secundaria, se trasladó a Bogotá, en 1951.</div><div style="text-align: justify;">En 1955 se casó con la gestora cultura Gloria Zea, con quien tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos. En 1964 volvió a casarse con Cecilia Zambrano, con quien tuvo un hijo que murió a los cuatro años en un accidente de tráfico en España.</div><div style="text-align: justify;">Años después, en 1973, se trasladó a Francia donde se estableció y conoció a la escultora y pintora griega Sophie Vari, con quien se casó en 1978, y con la que permaneció hasta su muerte acontecida el pasado 5 de mayo.</div><div style="text-align: justify;">Botero inició su andadura artística en el campo del dibujo y posteriormente pasó a la pintura y la escultura. En la década de 1950 estuvo entre Europa, México y EE.UU.</div><div style="text-align: justify;">En España pasó, aunque muy brevemente, por la Academia de San Fernando de Madrid y en Italia por la Academia de San Marcos de Florencia. Sin embargo, él mismo afirmó que se considera "autodidacta" y que su aprendizaje lo obtuvo "leyendo, mirando museos y, sobre todo, pintando".</div><div style="text-align: justify;">El artista colombiano dijo en distintas ocasiones que no pinta 'gordos', sino que trabajaba con el volumen. Al definir sus creaciones, expresó que eran "una protesta contra la pintura moderna", a pesar de que se valía de recursos conocidos como el arte figurativo y realista.</div><div style="text-align: justify;">El artista será homenajeado en Bogotá y en Medellín, y será enterrado en Pietrasanta (Italia), ciudad en la que vivió las últimas décadas.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-45371158202744952322023-02-22T19:16:00.001+01:002023-10-05T19:20:05.997+02:00JustMAD 2023 sigue apostado por el arte emergente<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/wp-content/uploads/2022/12/JUSTMAD-2023.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="342" src="https://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/wp-content/uploads/2022/12/JUSTMAD-2023.jpg" width="342" /></a></div>La feria internacional de arte contemporáneo JUSTMAD vuelve a sus orígenes apostando por nuevas galerías y artistas que liderarán el panorama artístico del futuro inmediato.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La feria JUSTMAD, toda una referencia de vanguardia dentro de la escena de arte emergente en España, tendrá lugar entre el 23 al 26 de febrero en el Palacio de Neptuno de Madrid.La feria internacional de arte contemporáneo JUSTMAD vuelve a sus orígenes apostando por nuevas galerías y artistas que liderarán el panorama artístico del futuro inmediato. De este modo, el 50% de las galerías de esta edición participan por primera o segunda vez, consolidándose como una feria de descubrimiento.</div><div style="text-align: justify;">Asimismo, JUSTMAD 2023 contará con un creciente número de jóvenes creadores y promesas del arte. Nuevas galerías, con menos de un año de vida, como DOMO (Sevilla), Tnot Area (Hondarribia) o Casa Bancal (Alicante), compartirán edición con otros galerías con mas trayectoria como Galería Trinta (Santiago de Compostela), Loo & Lou Gallery (París), Hidden Gallery (Málaga) o Galería Fúcares (Almagro).</div><div style="text-align: justify;">Esta edición toma un nuevo rumbo con Óscar García García, que asume la dirección artística en una apuesta arriesgada por la juventud y el descubrimiento de nuevos talentos. “Nuestro reto es continuar sorprendiendo a los amantes del arte con las tendencias artísticas más actuales. JUSTMAD lleva 14 años marcando el pulso del arte más actual, como la cantera del arte contemporáneo”.</div><div style="text-align: justify;">Como en sus primeras ediciones, JUSTMAD 2023 presenta una selección de PROYECTOS INVITADOS que regresan a la feria la transversalidad de sus propuestas artísticas. Esta vez, la sección reúne a artistas y proyectos cuya dinámica creativa los conduce por diversos itinerarios, manifestaciones e intereses dentro del arte contemporáneo, y experimentan con las disciplinas y los formatos a tono con las más recientes corrientes estéticas y creativas. En la vuelta a sus orígenes que plantea esta nueva edición de la feria, se apuesta por la reedición de un espacio activo y dinámico, para lo cual se han seleccionado proyectos con una variedad de medios, como intervenciones pictóricas en vivo, instalaciones site specifics, escultóricas y arte digital.</div><div style="text-align: justify;">También destacar el ciclo de performance que contará con Elsa Miravalles, Alba Soto, David Trullo y Martín Tolosa, comisariados por Hidden Gallery y el artista Marc Montijano.</div><div style="text-align: justify;">Un año más, los proyectos de residencias artísticas serán parte esencial de esta feria, que renueva su compromiso con el medio ambiente con la residencia Ras de Terra y el nuevo proyecto LEA Lab of Experimental Art como laboratorio de experimentación e investigación artística.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">EXPOSITORES JUSTMAD 2023</div><div style="text-align: justify;">Galería de Arte A Ciegas (Madrid) / Art Dispersion (Lisboa, Portugal) / Galería Beatriz Pereira (Plasencia) / Casa Bancal (Alicante) / Casa Sur (Madrid) / DOMO (Sevilla) / Emerge UFV (Madrid) / Es Arte Gallery (Marbella) / Espacio Lobo (Madrid) / Espacio Mados (Madrid) / Est Art Space (Madrid) / Fúcares (Almagro) / Galería Casa Zóbel (Cuenca) / Galerie Panoptikum (Viena, Austria) / Gerhardt Braun Gallery (Palma de Mallorca) /Hidden Gallery (Málaga)/ Jinsan Art Gallery (Seúl, Corea del Sur) / Juca Claret (Madrid) / La Trini Espai d ´art (Valencia) / Loo & Lou Gallery (París, Francia) / Krystel Ann Art (Lisboa) / MAC Florencio de la Fuente (Huete, Cuenca) / Martín de Vidales Art (Madrid) / Materna y Herencia (Madrid) / Metro (Santiago de Compostela) / Galería Modus Operandi (Madrid) / Navel Art (Madrid) / NFTManía (Metaverso) / Olga Julián Proyects (Zaragoza) / P55.ART (Oporto, Portugal) / Perve Galeria (Lisboa, Portugal) / Rampa Estudio (Linares, Jaén) / S Gallery (Madrid) / Soraya Cartategui (Madrid) / Tnot Area (Hondarribia) / Galería Trinta (Santiago de Compostela) / Ulf Larsson (Colonia, Alemania) / Yoko Gallery (Barcelona) / 25 & Marte (Madrid).</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-45315856720835261412023-01-25T18:41:00.007+01:002023-10-05T18:43:25.707+02:00Blanca Portillo, Premio Málaga – Sur del 26 Festival de Málaga<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivY-ZtAf4Lixwodfnhlw3GWy__0SaFYopwENrjMAJtifnv5uLxeUT-fn-4ovaj-b4FqYXRvVV8BK2kdExaYYRdao2A3lyb7FxpkZ77Ov9oK2xudyJkMDm6K-bXA4z42-0mIj_pOlu2CdHz46NQccD6CtjcImgV9yWzSnPFlDv-ap8xF55YF85KoGO9/s320/blanca_portillo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="318" data-original-width="320" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivY-ZtAf4Lixwodfnhlw3GWy__0SaFYopwENrjMAJtifnv5uLxeUT-fn-4ovaj-b4FqYXRvVV8BK2kdExaYYRdao2A3lyb7FxpkZ77Ov9oK2xudyJkMDm6K-bXA4z42-0mIj_pOlu2CdHz46NQccD6CtjcImgV9yWzSnPFlDv-ap8xF55YF85KoGO9/s320/blanca_portillo.jpg" width="320" /></a></div>Festival de Málaga concederá en su 26 edición (del 10 al 19 de marzo) el Premio Málaga – Sur a la actriz Blanca Portillo. El Festival premia con este galardón -que entrega en colaboración con Diario Sur- a profesionales de larga y reconocida trayectoria cinematográfica, como es el caso de Blanca Portillo, una de las actrices más prolíficas y brillantes de España, productora y directora de teatro.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Blanca Portillo nació en Madrid en 1963 y es licenciada en Arte Dramático por la RESAD. El teatro es el medio que la vio nacer como actriz y del que nunca se ha separado. Comenzó en funciones como “Bodas de sangre”, “Las troyanas”, “Cuento de invierno”, “Oleanna”, “Terror y miseria del Tercer Reich” o “Mujeres frente al espejo”. Debutó en la dirección teatral en 1997 con “Hay amores que hablan” y en 1999 dirigió “Shakespeare en pedazos”. Durante toda su carrera ha combinado sus papeles en cine y televisión con el teatro.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En su carrera cinematográfica ha trabajado con algunos de los más grandes directores españoles: Pedro Almodóvar, Icíar Bollaín, Mario Camus, Álex de la Iglesia o Gracia Querejeta entre otros.” El color de las nubes”, de Mario Camus, le valió su nominación al Goya a Mejor Actriz Revelación. Destacan sus trabajos en películas como “Volver “y “Los abrazos rotos” (Pedro Almodóvar), “Secuestro “(Mar Tarragona) y “Maixabe”l (Icíar Bollaín), por la que obtuvo el Premio Goya a la mejor Actriz Protagonista.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Fue galardonada en Cannes, junto con sus compañeras de reparto en” Volver”, con el Premio a Mejor Interpretación Femenina y recibió la Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián por su trabajo en “Siete mesas de billar francés”.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Entre sus muchísimos trabajos en teatro destacan “Mujeres soñaron caballos” o “Barroco”, adaptación de “Las amistades peligrosas”, junto a Chema León y Asier Etxeandía. En 2012 estrenó La vida es sueño, dirigida por Helena Pimenta, en la que Blanca interpretaba a Segismundo. Ese mismo año, ganó el Premio Max a Mejor Dirección de Escena por “La avería”, y el Premio Nacional de Teatro. Agustí Villaronga la dirigió en “El testamento de María”. Ha colaborado en múltiples ocasiones con Juan Mayorga, la última ha sido en “Silencio”, obra con la que aún continúa de gira.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ha estado nominada trece veces en los Premios de la Unión de Actores y Actrices por distintos trabajos en cine, televisión y teatro, ganando seis estatuillas por “Eslavos2 (teatro), “7vidas” (televisión), “Como en las mejores familias” (teatro), “La hija del aire” (teatro), “Volver” (cine) y “La vida es sueño” (teatro).</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-19531590283431876662022-05-18T11:17:00.000+02:002022-05-18T11:17:40.592+02:00Marc Montijano habla de violencia vicaria en su nuevo trabajo<p><span style="text-align: justify;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, "sans-serif"; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8y_ko1FEG6S39n8JK3cauZICb8L3h_GfSErkf6efQquM3ctva4RGr5datFbLSX1kt6xxhl0m2M6CH8r7ehAvMQB9CnV1xEHx-3vHjoMtM4OvaK-38ym0F5O49VbFJraA5_r2UaWtuXUMTX4aKYXzheM5Fu8NmSvCpsb55RNvZpeqXprvW20Yl8g0g/s900/montijano_matar_madre_03.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="653" data-original-width="900" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8y_ko1FEG6S39n8JK3cauZICb8L3h_GfSErkf6efQquM3ctva4RGr5datFbLSX1kt6xxhl0m2M6CH8r7ehAvMQB9CnV1xEHx-3vHjoMtM4OvaK-38ym0F5O49VbFJraA5_r2UaWtuXUMTX4aKYXzheM5Fu8NmSvCpsb55RNvZpeqXprvW20Yl8g0g/w400-h290/montijano_matar_madre_03.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: arial;">El
último trabajo llevado a cabo por el artista Marc Montijano, titulado </span><span style="font-family: arial;"><i style="text-align: justify;"><b>Matar a la madre</b>,</i><span style="text-align: justify;"> reflexiona
sobre la violencia vicaria, aquella violencia que tiene como objetivo
dañar a la mujer a través de sus seres mas queridos, sus
hijos. Este tipo de violencia busca conseguir causar un dolor extremo a la
madre, aunque no se la asesine directamente, de alguna manera la mata.</span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En
su performance, Montijano se centra en la ausencia y el desgarro de la madre,
un tema extremadamente duro que aborda desde una óptica íntima. La acción
indaga en el sentimiento de soledad y de pérdida que va mucho más allá del
plano físico. Creando un clima con una fuerte carga psicológica, en el que
explora el vacio a través de una madre, que sentada en una mecedora, abraza el
aire ante la ausencia de su hijo arrebatado. Mientras, completado el ambiente, se
interpretaba una nana, en directo durante la performance.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El
asesinato de los hijos, para dañar a la madre, es una de las formas más
retorcidas y malvadas de la violencia de género. El artista bucea en la figura
de la madre y sus sentimientos de ausencia y profundo vacío. En esta acción ha
puesto el foco en las emociones de la madre, indagando en esa herida abierta
que sabe que nunca va a cerrar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La
violencia de género es un tema que el artista ha trabajado en varias ocasiones,
como en la performance <i>De cuerpo presente</i> realizada en Madrid
en 2018 o <i>Invisibles</i> en el CAC Málaga en 2010. E incluso el
proyecto Metamorfosis, que es la base de su característico universo, surge por
una performance en apoyo a las mujeres víctimas de violencia hacia la mujer.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Sobre
la performance Marc Montijano ha indicado:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">“La
violencia que se ejerce contra la mujer es un problema de toda la sociedad,
aunque la sufran las mujeres, por eso creo que las soluciones no serán
efectivas si se quedan exclusivamente en el núcleo femenino, la lucha debe ser
global. Los hombres son los causantes de este mal, son los que deben cambiar. Y
por eso es importante que seamos partícipes, que nos impliquemos y
visibilicemos el problema, para operar un cambio en la mentalidad masculina.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Entiendo
mi papel como observador de la sociedad, retrato nuestro tiempo con todos sus
demonios. Creo en el arte como herramienta social, para dar visibilidad a
diversas problemáticas, invitar a pensar y, con suerte, sembrar ideas y generar
cambios”.<o:p></o:p></span></p>
<span style="font-size: 11pt; line-height: 115%;"><span style="font-family: arial;">La performance <i>Matar
a la madre</i> tuvo lugar el 15 de mayo de 2022 en el Laboratorio de
Performance en Villanueva del Rosario, Málaga, España. Un nuevo espacio
dedicado a la creación e investigación sobre el arte de acción</span></span>La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-59696501045488780312022-02-01T21:11:00.002+01:002022-02-01T21:11:50.986+01:00‘Código emperador’, de Jorge Coira inaugurará el 25 Festival de Málaga<div style="tab-stops: 35.4pt 70.8pt 106.2pt 141.6pt 177.0pt 212.4pt 247.8pt 283.2pt 318.6pt 354.0pt 389.4pt 424.8pt 460.2pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgZca2Q8bs-QujoRcqAI_H-gyBTPbLWMzek4O20Uz0WO1IGlsrwz3l6BBIb2ITW4NavGEvXifgx-l_NHwQJ577z4b3icuU658bk_OSRK3wm7cMwwyDp5607kKXGqXuQsNHxIr-d8vDSiezSBZAkB26m7qKcb0kyWV3ybCNH22zfvbxDvC-wxzckHbeM=s900" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="609" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgZca2Q8bs-QujoRcqAI_H-gyBTPbLWMzek4O20Uz0WO1IGlsrwz3l6BBIb2ITW4NavGEvXifgx-l_NHwQJ577z4b3icuU658bk_OSRK3wm7cMwwyDp5607kKXGqXuQsNHxIr-d8vDSiezSBZAkB26m7qKcb0kyWV3ybCNH22zfvbxDvC-wxzckHbeM=s320" width="217" /></a></div>El 18 de marzo
comienza la 25 edición del </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;">Festival de
Málaga</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;"> y lo hará de una manera muy especial. Por primera vez, el certamen
traslada su gala de inauguración al Palacio de Deportes José María Martín
Carpena, con el objetivo de acoger a más público en una fecha tan especial. Y
tras la gala, llegará el momento de la película inaugural, que será </span><i style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;">Código
emperador</i><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;">, dirigida por </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;">Jorge Coira</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;"> y protagonizada por </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;">Luis
Tosar</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;">.</span></div><div style="tab-stops: 35.4pt 70.8pt 106.2pt 141.6pt 177.0pt 212.4pt 247.8pt 283.2pt 318.6pt 354.0pt 389.4pt 424.8pt 460.2pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt; text-align: justify;"><br /></span><span class="Ninguno"><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;">Código emperador</span></i></span><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;">, producida por Vaca
Films, es un thriller de intriga inspirado en la cara más oculta de la
realidad social y política española. El filme nos introduce en “una unidad
especial del Centro Nacional de Inteligencia, conformada por varios agentes.
Uno de ellos es Juan, un agente que está en proceso de crisis personal,
ideológica y profesional”, explica Luis Tosar. “En principio están encargados
de velar por la seguridad nacional. Y en medio de toda esta investigación se
ven inmersos en una serie de acontecimientos que no tienen tanto que ver con la
seguridad nacional como con salvaguardar la imagen de la patria”, añade el
actor, ganador de tres Premios Goya.</span></span></div><div style="tab-stops: 35.4pt 70.8pt 106.2pt 141.6pt 177.0pt 212.4pt 247.8pt 283.2pt 318.6pt 354.0pt 389.4pt 424.8pt 460.2pt; text-align: justify;"><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;"><br /></span></span><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;">Luis Tosar acompañado por </span></span><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;">Alexandra Masangkay, Georgina Amorós, Laura
Domínguez, Miguel
Rellán, María Botto,
Arón Piper, Denís Gómez y Santi Prego , entre otros componen el elenco. </span></span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Con guión de </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Jorge
Guerricaechevarría</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;"> y ambientada en las altas esferas del poder y el
espionaje, </span><i style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Código emperador</i><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;"> está dirigida por </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Jorge Coira</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">,
director de la multipremiada </span><i style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Hierro</i><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">, cuyas dos temporadas han sido un
éxito de crítica y público y ha sido galardonada como Mejor Serie de Ficción en
los Premios Forqué.</span></div><div style="tab-stops: 35.4pt 70.8pt 106.2pt 141.6pt 177.0pt 212.4pt 247.8pt 283.2pt 318.6pt 354.0pt 389.4pt 424.8pt 460.2pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;"><br /></span><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-font-family: Calibri;">En <i>Código emperador</i></span></span><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;">, Jorge Coira se
adentra en las mecánicas del poder en la sombra, revelando a través de la
ficción una reconocible realidad de la España reciente: “En los últimos años
han empezado a salir con cierta frecuencia noticias sobre esos mundos oscuros,
las denominadas ‘cloacas del Estado’. Queríamos investigar y adentrarnos en ese
terreno para poder hablar sobre eso que está ocurriendo y que es opaco y está
escondido…”, explica el director.</span></span></div><div style="tab-stops: 35.4pt 70.8pt 106.2pt 141.6pt 177.0pt 212.4pt 247.8pt 283.2pt 318.6pt 354.0pt 389.4pt 424.8pt 460.2pt; text-align: justify;"><span class="Ninguno"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.5pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: Calibri;"><br /></span></span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">“Nuestro objetivo
ha sido meternos a fondo en los entresijos del poder: en los del poder
económico, en el empresarial, político, del show business y del mundo del
deporte…”, comenta su productora </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Emma Lustres</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">.<br /></span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">La nueva película
de Vaca Films bebe de la realidad para sumergirnos en los recovecos de un
sistema en el que las apariencias son engañosas, la mentira está a la orden del
día y el chantaje es la mejor moneda de cambio. La información y la
desinformación, la verdad y el engaño, el bien y el mal… términos que, en
ocasiones, se tocan, se cruzan y conviven hasta confundir sus límites.</span></div><div style="tab-stops: 35.4pt 70.8pt 106.2pt 141.6pt 177.0pt 212.4pt 247.8pt 283.2pt 318.6pt 354.0pt 389.4pt 424.8pt 460.2pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;"><br /></span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Su rodaje se ha
desarrollado en ciudades como Bilbao, Madrid, A Coruña, Budapest y Ciudad de
Panamá. Código emperador es una producción de Vaca Films (</span><i style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Hasta el cielo, El
desorden que dejas, La Unidad, Quien a hierro mata, El niño, Celda 211</i><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">) y </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Proyecto
Emperador AIE</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">, en coproducción con la compañía francesa </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">Playtime</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">,
con la participación de </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">RTVE, Netflix, TVG</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;"> y que cuenta con el apoyo de </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">ICAA
(Ministerio de Cultura), Agadic </span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">y</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;"> Programa Media</span><span style="font-family: Calibri, "sans-serif"; font-size: 11.5pt;">.</span></div>
La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-48480622658557473142020-02-06T12:35:00.005+01:002020-02-06T12:35:31.398+01:00La Fundación ARCO presenta una nueva edición de ARCO GalleryWalk en Madrid<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">FUENTE: ARCOmadrid</span></div>
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<br /></div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-hAKELmtDpqs/Xjv53uUErqI/AAAAAAAAC1M/kTEKk6R4hDQV50EKQBZZxsRWuI8sLSbqwCLcBGAsYHQ/s1600/ArcoGalleryWalk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="756" data-original-width="1134" height="212" src="https://1.bp.blogspot.com/-hAKELmtDpqs/Xjv53uUErqI/AAAAAAAAC1M/kTEKk6R4hDQV50EKQBZZxsRWuI8sLSbqwCLcBGAsYHQ/s320/ArcoGalleryWalk.jpg" width="320" /></a>La Fundación ARCO organiza, previo al arranque de ARCOmadrid 2020 (26 febrero – 1 marzo), visitas guiadas a las principales galerías madrileñas los días 6, 7 y 8 de febrero. </div>
<div>
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<br /></div>
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Una nueva edición de ARCO <i>GalleryWalk</i>, que en esta ocasión contempla cinco recorridos por las galerías de los barrios madrileños de Centro, Dr. Fourquet, Barrio de las Letras, Salamanca y Salesas. </div>
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<br /></div>
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Con la voluntad de acercar al público el trabajo de las galerías de arte contemporáneo y promover el coleccionismo, la Fundación ARCO propone visitas gratuitas a las exposiciones programadas en coincidencia con la feria, algunas de las más importantes de todo el año en la ciudad de Madrid. </div>
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<u><div style="text-align: justify;">
<u>RECORRIDOS</u></div>
</u><div style="text-align: justify;">
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<b>Jueves 6 de febrero</b></div>
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12:00h. Fourquet</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
17:00h. Salamanca-Salesas</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
17:00h. Salesas</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<b><div style="text-align: justify;">
<b>Viernes 7 de febrero</b></div>
</b><div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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12:00h. Letras</div>
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12:00h. Salamanca-Salesas</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
17:00h. Salesas</div>
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<br /></div>
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17:00h. Centro</div>
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<br /></div>
<b><div style="text-align: justify;">
<b>Sábado 8 de febrero</b></div>
</b><div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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12:00h. Centro</div>
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<br /></div>
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12:00h. Letras</div>
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<br /></div>
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12:00h. Fourquet</div>
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Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-67678555150613537732019-12-18T17:37:00.000+01:002019-12-18T17:37:46.106+01:00Migraciones forzadas vistas por Marc Montijano<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-TIP5HlWohA8/XfpUgz52vjI/AAAAAAAABLY/gFc5xKKgYO4uu4gt77hffxF3vslohXQKACLcBGAsYHQ/s1600/expo1.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="846" data-original-width="1600" height="211" src="https://1.bp.blogspot.com/-TIP5HlWohA8/XfpUgz52vjI/AAAAAAAABLY/gFc5xKKgYO4uu4gt77hffxF3vslohXQKACLcBGAsYHQ/s400/expo1.JPG" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
El proyecto <i>Hope and Pain</i> de Marc Montijano, podrá verse por primera vez al completo en la Escuela de Arte de San Telmo de Málaga, España.</div>
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<br /></div>
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Del 12 diciembre 2018 al 30 de enero de 2019, el artista Marc Montijano exhibe por primera vez completo el proyecto <i>Hope and Pain (Esperanza y dolor)</i>. Un trabajo al que le ha dedicado el último año y con el que busca visibilizar e invita a reflexionar sobre la problemática de las migraciones forzadas.</div>
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<br /></div>
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<i>Migraciones forzadas. Esperanza y dolor</i>, es el título de la exposición que puede verse en la Escuela de Arte de San Telmo a partir del 12 de diciembre. Este proyecto es el fruto de una estancia de trabajo y de investigación de seis meses en las costas de Cádiz del artista Marc Montijano, que se inició en noviembre de 2018. Fecha en la que se cumplían 30 años de la aparición del primer cuerpo de un migrante en las costas españolas, de la primera muerte documentada.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No es la primera vez que este artista trata el tema de la inmigración, en 2013 realizó la acción <i>Welcome to Paradise (Bienvenido al Paraíso)</i>. Y desde 2017 estaba trabajando sobre las migraciones con el proyecto Mediterráneo, pero no es hasta que se traslada a Cádiz, para vivir in situ la situación, cuando todo se precipita y toma forma este trabajo. </div>
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<br /></div>
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El proyecto gira en torno a una tragedia puntual, que Montijano ha empleado como símbolo. El 5 de noviembre de 2018 naufragó una patera en la playa de Los Caños de Meca, en el término municipal de Barbate (Cádiz, España). Su embarcación chocó contra unas rocas a 150 metros de la orilla, en la patera viajaban 45 inmigrantes procedentes de Marruecos, según los supervivientes. La playa se llenó de restos de madera de pateras, vestimenta, calzado y de cuerpos. Día a día iban apareciendo cuerpos de inmigrantes fallecidos, hasta 23 cadáveres, en un goteo dramático.</div>
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<br /></div>
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Durante los seis meses siguientes el artista fue recogiendo restos de naufragios en esa playa y documentándolos con fotografías, dibujos y textos. Producto de esa vivencia y con el material que iba recopilado, principalmente maderas rotas, de colores vivos o desgastadas por el mar, comenzó a elaborar las obras que componen la exposición.</div>
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<br /></div>
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El eje central de este proyecto es la pieza <i>Hope and Pain (Esperanza y Dolor)</i>. Una instalación compuesta por 23 cruces en forma de aspa de diversos tamaños confeccionadas con restos de pateras devueltos por el mar. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-tyBb8iFNZQc/XfpUv9BVErI/AAAAAAAABLc/NXjnley_xPoDI9Q2mlRK1svil3xy2AguwCLcBGAsYHQ/s1600/montijano_migraciones2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-tyBb8iFNZQc/XfpUv9BVErI/AAAAAAAABLc/NXjnley_xPoDI9Q2mlRK1svil3xy2AguwCLcBGAsYHQ/s320/montijano_migraciones2.jpg" width="240" /></a> <img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-tA0LSWMIQQE/XfpUw6RqxKI/AAAAAAAABLk/mPPaMFAYf5gSWh9n2cR0Pw1T5Eto-wUEQCLcBGAsYHQ/s320/montijano_migraciones4.jpg" width="240" /></div>
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<br /></div>
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Podrían ser miles de cruces, se han contabilizado casi 8.000 muertos en treinta años en la Frontera Sur, pero Montijano ha escogido el 23 para que no sea simplemente un número frío y distante. Quiere visibilizar y subrayar una tragedia, pero también humanizarla, más allá de los datos o cifras que nos insensibilizan. Esas cruces, una por cada persona fallecida en el naufragio del 5 de noviembre, remarca su ausencia real, como símbolo de todos los migrantes que han fallecido y seguirán muriendo intentando llegar a Europa.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En palabras del artista: “<i>Hope and Pain,</i> es el fruto de un proceso reflexivo y maduro de investigación. No son obras de digestión fácil, es un proyecto duro. Para su elaboración he dedicado un año, seis meses en Cádiz y otros seis en mi estudio en Málaga. Son unas piezas cargadas de energía, porque están hechas con objetos reales, con una historia muy dura detrás. Hablan de valentía, de dolor, de esperanza y de supervivencia y, a veces, de falta de empatía y de poca humanidad. </div>
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<br /></div>
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En un momento en el que el arte tiende cada vez más al decorativismo y a la superficialidad, reivindico el papel comprometido del artista. El artista como cronista de su tiempo, aunque sea un aguafiestas. Siempre he creído en el arte como herramienta social, planteo un trabajo que invita a pensar, una obra que no está ideada para que cuelgue en el salón de nadie, ni para obtener muchos likes en las redes sociales”.</div>
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<br /></div>
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Marc Montijano no plantea su trabajo desde el buenismo, ni la candidez. Es un problema que no tiene soluciones fáciles. Con piezas como <i>La frágil memoria del privilegiado</i> o <i>23 almas</i>, obras que podrán verse en la muestra, nos habla de la falta de empatía y personifican una tragedia, para alejarnos de la frialdad de los números. Esta exposición nos acerca a todas las personas que intentan llegar a Europa por la frontera sur y, en general, a todos los emigrantes que tienen que abandonar su tierra forzados por las duras circunstancias económicas, sociales o políticas en todo el mundo. Algo que, por nuestro pasado, deberíamos entender especialmente bien en España. E incluso por nuestro futuro. Si se cumplen las predicciones, “tal vez pronto todos seamos migrantes climáticos”, como ha escrito el artista en una de las obras que integran la exposición.</div>
La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-64100684473703295792019-05-13T08:30:00.000+02:002019-05-13T08:30:09.159+02:00El arte en vivo se instala en Málaga de la mano de JM Galería y Marc Montijano<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-2XpGd6fHAS0/XNhTFVJpDzI/AAAAAAAACr0/b-8XDdJHiPEAiSPkTugKEIgPnSK5Jo2NQCLcBGAs/s1600/performance_art.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="900" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-2XpGd6fHAS0/XNhTFVJpDzI/AAAAAAAACr0/b-8XDdJHiPEAiSPkTugKEIgPnSK5Jo2NQCLcBGAs/s320/performance_art.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
JMGalería presenta JMenvivo, un programa de <i>performances</i> y <i>live art</i> en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa. </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos <i>performances</i> vinculadas al actual proyecto expositivo <i>Los sueños de Dante</i>, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería. A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la <i>performance</i> actual. </div>
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<br /></div>
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No sólo se trata de <i>performances</i> en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o <i>live art</i>, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El <i>live art</i> es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El <i>live art</i> puede ser danza, teatro, música, <i>perfomance</i>, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la <i>performance</i>, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la <i>performance</i> o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”. </div>
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<br /></div>
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JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería. La primera <i>performance</i> que lleva por título <i>Santa Águeda en el burdel</i>, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano. </div>
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<br /></div>
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Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en <i>Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design</i>, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, <i>La corona de la Reina</i> (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y <i>The Cucumber Sandwich Club</i> (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-44777423785438275882019-05-08T13:02:00.000+02:002019-05-12T13:06:49.002+02:00Santiago Sierra en la Galería Helga de Alvear desde el 9 de mayo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-T_7jB3ykYj8/XNf-JYKZ_LI/AAAAAAAACro/Gq5fKXQr4JkbBDKzbljbdPtGKwifA_kfACLcBGAs/s1600/santiago_sierra_10%25E2%2582%25AC.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="283" data-original-width="425" height="213" src="https://2.bp.blogspot.com/-T_7jB3ykYj8/XNf-JYKZ_LI/AAAAAAAACro/Gq5fKXQr4JkbBDKzbljbdPtGKwifA_kfACLcBGAs/s320/santiago_sierra_10%25E2%2582%25AC.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Esta exposición es un recorrido por algunos de los últimos trabajos realizados por Santiago Sierra desde 2015 hasta nuestros días, cuya documentación se presenta por vez primera. Las obras giran en torno a los temas que vienen siendo habituales en él: guerra, fronteras, exclusión, denuncia de la desigualdad y de la precarización de nuestras vidas, etc. apuntando a los intereses económicos como agentes que subyacen a todos estos males.</div>
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Así, la performance de gran formato “Los nombres de los caídos en el conflicto sirio entre el 15 de marzo de 2011 y el 31 de diciembre de 2016”, en la que se leyeron los nombres de 144.308 víctimas (compilados por el Grupo de Investigación sobre el Conflicto en Siria coordinado por el catedrático Pedro Brieger) durante 8 días sin interrupción consecutivamente en Tel-Aviv, Viena, Londres y Buenos Aires, dialoga en el mismo espacio expositivo con la obra “25.000.000 !”, realizada en Arsenale Kiev durante la celebración de la Conferencia Estratégica Europea de Yalta, donde lo que se contaba era dinero, el equivalente en moneda local a un millón de dólares.</div>
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<br /></div>
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Del mismo modo, “Cubo de carroña de 100 cm. de lado” fue realizada en la Costa de Oaxaca en México el 27 de septiembre de 2015, aniversario de la desaparición forzada de 43 estudiantes de la Escuela Normalista de Ayotzinapa, pero incorpora un sentido más universal al ser contemplada junto a “Contador de desahucios”, que registra en tiempo real, mediante proyecciones estadísticas, los nuevos desahucios que se suman al total de los ejecutados en España desde el principio de la crisis.</div>
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<br /></div>
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La exposición se completa con la documentación de dos grandes proyectos recientes que hablan de exclusión: “10 €”, realizado para la exposición individual “Mea Culpa” en el PAC Padiglione d'Arte Contemporánea de Milán, y “333 M.”, estrenada el año pasado en la Bienal de Wiesbaden. Para el primero se convocaron mediante volantes y boca a boca a cientos de personas para permanecer en las puertas de museo a cambio de una pequeña remuneración. Para el segundo se utilizó una barricada desplegable de uso militar para trazar una barrera defensiva que partía en dos la ciudad alemana.</div>
<div style="text-align: justify;">
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La muestra, que lleva por título Últimos trabajos, puede visitarse desde el <b>9 de mayo hasta el 20 de julio</b> de 2019, en la galería madrileña Helga de Alvear.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Más información: <a href="http://helgadealvear.com/" target="_blank">http://helgadealvear.com</a></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-24149480016562161822019-05-08T12:40:00.000+02:002019-05-12T12:55:22.123+02:00Pabellón de España en la Bienal de Arte de Venecia 2019<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-a4dEJ9oMbWM/XNf33g-ZtgI/AAAAAAAACrQ/Xhlwsfj5-nMEcY2wW9EawByMQrmXu1iXACLcBGAs/s1600/perforatedby.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="390" data-original-width="630" height="198" src="https://4.bp.blogspot.com/-a4dEJ9oMbWM/XNf33g-ZtgI/AAAAAAAACrQ/Xhlwsfj5-nMEcY2wW9EawByMQrmXu1iXACLcBGAs/s320/perforatedby.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
El Pabellón de España en la 58ª Bienal de Venecia está comisariado por Peio Aguirre con el proyecto inédito 'Perforado por' que une por primera vez el trabajo de los artistas Itziar Okariz y Sergio Prego. La propuesta de Aguirre comprende, a través de nuevas creaciones, la práctica de ambos artistas durante los últimos diez años.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La exposición propone una perforación, en el sentido metafórico y literal, a través de performance, sonido, imagen, escultura y arquitectura. El proyecto de Sergio Prego ocupa el jardín trasero del Pabellón español con un conjunto escultórico en armonía con el paisaje veneciano y su vegetación. Mientras que el trabajo de Okariz se ubica en el interior convirtiéndose en la mayor instalación de sonido y performance que haya tenido lugar en el pabellón de España. Además, durante los días de inauguración, la artista desarrolla un programa de performance.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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El trabajo de Itziar Okariz se caracteriza por actuaciones que cuestionan las normas sobre el lenguaje y la producción de signos que nos definen como sujetos. A través de texto, vídeo y sonido, su trabajo interroga los desplazamientos entre el sujeto, el lenguaje y su presencia física.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Sergio Prego explora la naturaleza de la escultura en lo que se refiere a la arquitectura, cuestionando la materialidad con sus materiales livianos y flexibles que permiten que la forma solo exista en un estado específico o como resultado de una acción continua sobre el material. Ambos artistas reiteran las funciones alternativas del cuerpo en nuestra sociedad tecnificada. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Para su primera exposición juntos, El gesto y trazo principales de 'Perforado por' consiste en abrir, ensanchar el espacio desde una ocupación que en realidad es su contrario, una desocupación o vaciamiento. Todo cuerpo en el interior de un espacio vacío genera una tensión con el lugar donde se inserta, pues el volumen envolvente de la arquitectura nos devuelve la materialidad mínima del cuerpo. El rasgo principal del arte de Itziar Okariz y Sergio Prego es un principio de permanencia, de un modo inseparable, en esta relación cuerpo-espacio, que se traduce en una obra austera y contundente, compleja a través de la simplicidad.</div>
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El pabellón de España en la Biennale di Venezia está organizado por el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas, en co-organización con Acción Cultural Española (AC/E), como viene siendo habitual desde 2005.</div>
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Comisariado: Peio Aguirre<br />
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Creadores / artistas: Itziar Okariz y Sergio Prego<br />
Organizado por: Acción Cultural Española. Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID)</div>
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Más información: <a href="https://www.labiennale.org/it/arte/2019" target="_blank">www.labiennale.org</a></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-11253495949793320862019-04-28T12:51:00.000+02:002019-05-12T12:53:09.687+02:00La Fresh Gallery presentará a finales de mayo `Margenes` de Eduardo Casanova<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-U0HuNBVQ0Xk/XNf6Dj0rAKI/AAAAAAAACrc/FOvEBighHu0CDGLNh7C0niuQxJOGKWNqQCLcBGAs/s1600/fresh_eduardo-casanova.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="650" data-original-width="650" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-U0HuNBVQ0Xk/XNf6Dj0rAKI/AAAAAAAACrc/FOvEBighHu0CDGLNh7C0niuQxJOGKWNqQCLcBGAs/s320/fresh_eduardo-casanova.jpg" width="320" /></a></div>
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Con el subtítulo “Un ensayo artístico sobre el ser humano y la estética”, la obra supondrá el personalísimo trabajo de Eduardo Casanova, uno de los cineastas más vanguardistas y prometedores de la escena española. </div>
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La editorial Grijalbo, perteneciente a Penguin Random House Grupo Editorial, publicará el próximo 6 de junio de 2019 el primer libro de Eduardo Casanova, un ambicioso y complejo trabajo multidisciplinar que a través de textos y fotografías aportará su personal perspectiva sobre la condición humana, relacionada esta con su particular universo estético. </div>
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A la publicación del libro se le suma la primera exposición fotográfica en solitario del artista. <b>Del 27 al 31 de mayo</b>, se expondrán en la Fresh Gallery las fotografías más polémicas e impactantes del libro. </div>
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Conformada por más de 120 fotografías y acompañada por las reflexiones del propio Eduardo, la obra transitará a modo de reflexión visual y escrita a través de los principales temas y obsesiones del autor: desde lo que significa vivir en la marginalidad, con el retrato de personas que se han visto obligadas a vivir en los márgenes de la sociedad, pasando por el análisis de figuras e iconos sociales como Kim Jong-il o John y Jackie Kennedy, hasta llegar a reflexiones sobre el papel de la mujer en la sociedad y la maternidad. Se trata de fotografías que muestran la realidad de forma cruda. El artista ha llevado a llevado a su casa y metido en su cama a gente que habita la marginalidad en casos extremos, consiguiendo, como ya viene siendo frecuente en su obra imágenes muy polémicas y explícitas. </div>
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"Nunca he sido capaz de rehuir la mirada a alguien o a alguna situación comprometida o incómoda. Siempre miro, no lo puedo evitar", explica el autor. </div>
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La mayoría de las películas que Eduardo Casanova ha rodado están inspiradas en imágenes que ha visto y que ha intentado comprender y reproducir. Pero con el producto final siempre ha sentido una misma frustración: en la ficción estas imágenes pierden su halo de verdad. Porque desde que se captan esas imágenes hasta que estas se convierten en una película pasa mucho tiempo, y esa espera transforma la realidad en maquillaje. </div>
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"Esta vez, no he permitido que eso suceda. He cogido una cámara, he buscado y he invitado a mi casa a todas esas personas que me interesan y les he tomado fotos. Su mundo y mi mundo unidos al fin", explica Eduardo. </div>
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MÁRGENES. Un ensayo artístico sobre el ser humano y la estética supondrá un personalísimo proyecto de uno de los cineastas más vanguardistas y prometedores de la escena española.</div>
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Más información: <a href="http://www.lafreshgallery.com/" target="_blank">www.lafreshgallery.com</a>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-37847236209113072432019-03-20T13:13:00.002+01:002019-03-20T13:13:53.610+01:00Nancy Fraser dará una conferencia el próximo 22 de marzo en el Museo Reina Sofía<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-HQqjalS_GFU/XJIudtOShxI/AAAAAAAACpU/19W0nQtRvFQfxyAbZQ_kiJLd6uC_QVX2ACLcBGAs/s1600/Nancy_fraser.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="737" data-original-width="882" height="267" src="https://3.bp.blogspot.com/-HQqjalS_GFU/XJIudtOShxI/AAAAAAAACpU/19W0nQtRvFQfxyAbZQ_kiJLd6uC_QVX2ACLcBGAs/s320/Nancy_fraser.jpg" width="320" /></a></div>
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El Auditorio del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía será escenario el próximo <b>viernes 22, a las 19.00 horas</b>, de la intervención de la reconocida filósofa Nancy Fraser (Baltimore, 1947), quien analizará la evolución del movimiento feminista desde la década de los setenta hasta la actualidad, intentando anticipar una nueva fase de pensamiento y de acción, más radical e igualitaria. Bajo el título Repensar el capitalismo, la clase y el género la pensadora disertará sobre las relaciones entre el feminismo histórico, su afirmación como propuesta política a partir de las luchas de 2017 y su incidencia en las actuales transformaciones políticas y sociales. </div>
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La intervención en el Reina Sofía de Nancy Fraser, coincide con un seminario que se celebrará el sábado 23 entre las 10.00 y las 14.00 horas, en Medialab Prado: “Feminismo, teoría crítica, política” en el que participa también la filósofa.</div>
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Nancy Fraser es filósofa de la política e intelectual feminista. Titular de la cátedra Henry A. and Louise Loeb de Ciencias Políticas y Filosofía en la New School de Nueva York, actualmente ocupa también la cátedra de Justicia Global en el Collège d'Études Mondiales de París y es profesora en el Centre for Gender Research de la Universidad de Oslo. Fundó la revista <i>Constellations</i>, de la que fue coeditora durante muchos años y de cuyo consejo editorial sigue formando parte. Entre sus numerosos libros traducidos al español se incluyen <i>¿Redistribución o reconocimiento?: un debate político-filosófico</i>, escrito junto con Axel Honneth (Fundación Paideia Galiza, 2006); <i>Escalas de justicia</i> (Herder, 2008); <i>Fortunas del feminismo. Prácticas constituyentes</i> (Traficantes de sueños, 2015); <i>Capitalismo: una conversación desde la teoría crítica</i>, con Rahel Jaeggi (Morata, 2019) y <i>Manifiesto de un feminismo para el 99%,</i> con Cinzia Arruza y Tithi Bhattacharya (Herder, 2019). </div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-41506374961394959852019-03-18T13:22:00.005+01:002019-03-18T13:22:45.831+01:00Jacobo Castellano en ARTIUM hasta el 19 de mayo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-5rHlFXY5AQA/XI-NVGH_qgI/AAAAAAAACo8/dkaq4zNR7b4YGqkngwy-wfYTOaLr5PAFgCLcBGAs/s1600/Jacobo-Castellano-12.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="810" data-original-width="1500" height="172" src="https://3.bp.blogspot.com/-5rHlFXY5AQA/XI-NVGH_qgI/AAAAAAAACo8/dkaq4zNR7b4YGqkngwy-wfYTOaLr5PAFgCLcBGAs/s320/Jacobo-Castellano-12.jpg" width="320" /></a></div>
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El título de esta exposición de Jacobo Castellano, <i>riflepistolacañon</i>, nace de un dibujo que el visitante encontrará nada más entrar en la sala. Realizado por un niño y encontrado en la calle por el artista hace años, el dibujo muestra un número de armas como si de un belicoso archivo se tratara. «riflepistolacañon» se escribe y se pronuncia como lo haría ese niño, sin importarle el rigor de la gramática, como escupido. Una parte importante del trabajo de Jacobo Castellano tiene su origen en el recuerdo de una infancia poblada de imágenes abyectas y fragmentarias. Son imágenes que, veladas en mayor o menor medida, aparecen repetidamente a lo largo de toda su obra, y que han contribuido a configurar, en estos casi veinte años de carrera, uno de los cuerpos de obra de carácter escultórico más singulares de nuestro país.</div>
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Coproducida con el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, donde pudo verse el pasado verano, <i>riflepistolacañon</i> revela con notable nitidez el tránsito que ha experimentado la escultura de Jacobo Castellano desde sus primeras tentativas nada más terminar sus estudios en la Universidad de Granada hasta nuestros días, fundado en la superación de un quehacer inicial basado en la recuperación del retal y el deshecho. A medida que ha dejado de lado precarios fragmentos de enseres y arquitecturas que alguna vez usó o vivió y que ensamblaba en frágiles y complejas amalgamas, se ha ido imponiendo la que hoy es la seña de identidad más reconocible en su obra: la extraordinaria intuición con la que recontextualiza objetos con una historia propia y el modo en que estos se imbrican en la materia dura y recia, madera casi siempre, una materia que evoca el cuerpo mismo del artista. En los últimos años se ha venido definiendo un quehacer que tensa dos prácticas antagónicas, la del tratamiento de la madera y la del encuentro de objetos, aunque a Jacobo Castellano le cansa ya la voz «objeto encontrado» tan gastada en nuestro ámbito artístico, pues él dice buscar con decisión lo que a la postre encuentra, y lo que busca tiene que ver con la voluntad de reconectar con la fugacidad del recuerdo.</div>
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<i>riflepistolacañon</i> presenta obra realizada entre los primeros años 2000 y la actualidad. Tiene un carácter retrospectivo, pero esto no quiere decir que se acoja a procedimientos cronológicos. Más bien al contrario, se plantea como una lectura elástica y dúctil de su obra, que en el espacio tiene un núcleo central, un torno de clausura, un trabajo realizado de forma específica para Artium en torno al que se articula todo el recorrido. Hacia ese espacio y desde él se suceden trabajos que se vinculan más por asociaciones conceptuales, narrativas o formales, buscando su deslizamiento hacia un clima común. Dos trabajos se sitúan en los polos citados anteriormente. Por un lado, Casa I, presentada en los 16 Proyectos de Arte Español, una sección comisariada por María de Corral en la edición de ARCO de 2006 y, por otro, la obra Sin título (Proyector con olivo) de 2018, el gran proyector del cine que el abuelo del artista regentó en el pueblo de Villargordo, en Jaén, donde la familia pasaba los veranos. Casa I es la traslación de los fragmentos de aquella casa de verano, junto a fotografías y enseres, a una estructura temblorosa y liviana, aunque formen parte de ella puertas o partes de estructuras arquitectónicas. La pieza está ligada a un momento en la carrera del artista en el que la memoria se percibía como una frágil acumulación de imágenes y de formas. A esa misma época pertenecen fotografías que no se caracterizan precisamente por la nitidez o claridad de las cosas que representan, como si todo estuviera envuelto en una vidriosa membrana que todo lo confundiera. Cuando fue montada en Sevilla, Casa I tuvo una disposición ligeramente diferente a cuando fue instalada en Madrid muchos años antes, como si todo en la memoria de uno estuviera expuesto a una ineluctable caducidad, o al menos a contingencias e interpretaciones siempre variables. </div>
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<i>riflepistolacañon</i> ahonda en el afán de fijar y retener el carácter vernáculo de la experiencia. En tiempos en los que la investigación se impone como método esencial en las prácticas artísticas, Jacobo Castellano pone énfasis en la perpetuación de la experiencia y la memoria de lo propio como iconográfico. La ineludible presencia de la madera como emblema de un yo siempre activo en la recuperación de esos motivos, en oposición a la pléyade de trabajos contemporáneos en los que difícilmente vemos rastro de quien los crea, le sitúa en la punta de lanza de la más relevante escultura española de nuestro tiempo.</div>
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Más información: <a href="http://www.artium.org/" target="_blank">www.artium.org</a></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-45837714521707589972019-03-14T13:20:00.000+01:002019-03-14T13:20:42.612+01:00Luis Zahera presentará la gala inaugural del 22 Festival de Málaga<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-EGD06nSdEc4/XIpG28h2Q1I/AAAAAAAAA_o/ixQrlE-vltU9smrMHiHZlDjnglpER2BoACLcBGAs/s1600/zahera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="687" data-original-width="900" height="244" src="https://4.bp.blogspot.com/-EGD06nSdEc4/XIpG28h2Q1I/AAAAAAAAA_o/ixQrlE-vltU9smrMHiHZlDjnglpER2BoACLcBGAs/s320/zahera.jpg" width="320" /></a></div>
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El actor Luis Zahera, Goya al mejor actor de reparto, conducirá la Gala Inaugural del 22 Festival de Málaga mañana viernes 15 a las 20.00 h. en el Teatro Cervantes, y además contará con importantes actuaciones. Javier Limón y Nella, con la banda sonora de la película “Todos lo saben”, película del iraní AsgharFarhadi con Penélope Cruz y Javier Bardem. La cantante venezolana y el compositor español sorprenderán con una versión muy personal en la que fusionan dos de los temas de la película: “Se muere por volver” y “Una de esas noches sin final”, nominada en esta edición de los Goya como mejor canción original. </div>
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TravisBirds, interpretará el tema central de la banda sonora de la serie ‘El embarcadero’, con la que ha logrado un gran éxito antes de sacar al mercado su segundo álbum, ‘La costa de los mosquitos’. </div>
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Otra sorpresa de la gala será la actuación de la actriz y cantante mexicana Danna Paola, que regresa a la música, y para la ocasión interpretará el single “Final feliz”, una canción que, desde su propio título, “deja mucho a la imaginación, según la propia artista, quién también se encuentra inmersa en la actualidad en la exitosa serie “Elite”.</div>
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Por primera vez en su historia en España, Cirque du Soleil se une a un evento audiovisual, como ya hicieron en los Oscar y Bafta. El Festival contará con una muestra de uno de los números principales de su nuevo espectáculo “Kooza”. El número que se presenta en el Festival de Málaga, ofrece una nueva e intimista mirada sobre el arte del contorsionismo. </div>
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El punto final lo pondrá el Coro de Ópera de Málaga con una propuesta musical sorpresa.</div>
La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-48735361122510674752019-03-03T13:38:00.000+01:002019-03-18T13:44:54.799+01:00El Museo Reina Sofía refuerza su Colección con 19 nuevas obras adquiridas en ARCO 2019 <div style="text-align: justify;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-1DYe5NK-ALA/XI-SfpFGbXI/AAAAAAAACpI/SMLjy-K2lWkrtjNWfkWovLxpIw2udp46gCLcBGAs/s1600/adquisicion_arco.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="409" data-original-width="515" height="253" src="https://1.bp.blogspot.com/-1DYe5NK-ALA/XI-SfpFGbXI/AAAAAAAACpI/SMLjy-K2lWkrtjNWfkWovLxpIw2udp46gCLcBGAs/s320/adquisicion_arco.jpg" width="320" /></a>El Museo Reina Sofía ha ampliado los fondos de su Colección con la adquisición en ARCO 2019 de 19 obras de los artistas Maja Bajevic, Néstor Basterretxea, Andrea Büttner, June Crespo, Alejandro Garrido, Lugán, Rosalind Nashashibi, Marwan Rechmaoui y Azucena Vieites. El valor total de las obras asciende a unos 350.000 euros. El Museo ha diversificado sus compras en esta edición de la feria para reforzar al mismo tiempo la presencia de artistas internacionales y españoles, tanto contemporáneos como de otras tendencias del siglo XX. </div>
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<u>Apuesta por los nuevos valores españoles </u></div>
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Para acercar al público a los lenguajes y prácticas artísticas españolas que caracterizan el periodo comprendido entre finales de los años noventa del siglo XX y la actualidad, el Museo ha adquirido Juguemos a prisioneras (1993-1996), un conjunto de 36 dibujos originales de Azucena Vieites (Hernani, Guipúzcoa, 1967), que forma parte de una línea de sus investigaciones en las que dirige su mirada hacia el feminismo queer. Se trata de una obra emblemática del quehacer artístico de Vieites y data de la etapa inicial de su carrera. </div>
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De Alejandro S. Garrido (Madrid, 1986) se ha comprado la obra <i>Corea. A parallel story</i> (2017), una instalación de 88 fotografías y diversa documentación. Su trabajo se basa en la investigación de desarrollos urbanísticos en la España postfranquista, utilizando la fotografía como herramienta documental.</div>
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Por primera vez se incorpora a la Colección el trabajo de la singular escultora June Crespo (Pamplona, 1982), distinguida recientemente con diversos premios como el del programa El ojo crítico, de RNE, y la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Botín, en 2018. De ella se ha adquirido la escultura <i>Helmets </i>(2019).</div>
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<u>El arte de fuera de nuestras fronteras </u></div>
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Para incidir en la línea de arte internacional, especialmente de artistas no occidentales, que demuestran su capacidad de crítica frente a la sociedad, el Museo ha adquirido la obra <i>Blue Building</i> (2015), de Marwan Rechmaoui (Beirut, Líbano, 1964). El trabajo de este artista se inspira en la geografía y en la complejidad cultural de su ciudad natal, reflexionando sobre la urbanización contemporánea desde un punto de vista social y demográfico, incidiendo en las cuestiones socio políticas y en la historia y la etimología de cada comunidad. En este caso concreto refleja el descontrolado desarrollo urbano de Beirut presenciado directamente por el artista desde su propio estudio al otro lado del río. </div>
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La película <i>Bachelor Machines Part 1</i> (2007) es la primera creación que representará dentro de la Colección a Rosalind Nashashibi (1973, Londres), una artista que investiga los rituales o comportamientos sociales grupales y que tiene como lenguaje principal el cine. La temática de esta obra pone en entredicho los modelos de consumo y la historia contemporánea, y aporta discusiones clave del videoarte. </div>
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Cuatro obras de Maja Bajevic (Sarajevo, 1967) de la serie <i>Arts, Crafts and Facts</i> realizadas con bordados en 2017 y 2018 pasan también a formar parte de la Colección del Museo. Esta artista fundamenta su trabajo en una revisión poética y sutil de las fracturas sociales e históricas, en la que implica la toma de conciencia del espectador y analiza la relación entre violencia, poder y construcción identitaria. </div>
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De Andrea Büttner (Stuttgart, Alemania, 1972) se ha adquirido el video Little Sister. Lunapark Ostia (2012), dos xilografías de 2016 tituladas <i>Beggar </i>y una instalación. Es una artista multidisciplinar cuya obra abarca diversas técnicas pero sobre todo el videoarte y se centra en cuestiones sociales, con un interés particular en las nociones de pobreza, vulnerabilidad, dignidad, religión y los sistemas de creencias que las sustentan. </div>
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<u>Vanguardias históricas </u></div>
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Al objeto de ir complementando las líneas de investigación del Museo en torno a los fondos de la Colección, enriqueciendo esta labor con nuevas incorporaciones, el Museo ha prestado también atención a la producción artística española del siglo XX. En este sentido, del escultor, pintor y director de cine Néstor Basterretxea (Bermeo, 1924-Hondarribia, 2014), fundador junto a otros artistas de Equipo 57 y del grupo Gaur, el Museo ha adquirido un óleo sobre lienzo de su primera época: <i>Composición de grises</i> (1957). </div>
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Se trata de la primera obra de estas características que entra a formar parte de la colección, pues en estos momentos se exhibe en el Museo su película Operación H, de 1963. La obra ahora adquirida, corresponde a sus inicios como artista, en los años cincuenta, en los que fundamentalmente realizaba pinturas de carácter abstracto y geométrico en la que, a menudo, homenajea a otros artistas como Le Corbusier o Ben Nicholson. </div>
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A esta compra hay que sumar otras 5 obras de LUGÁN -Luis García Núñez- (Madrid, 1929), uno de los artistas españoles más originales de los años sesenta y setenta, cuyo trabajo se caracteriza en buena medida por unir constructivismo y dadaísmo, aglutinando en la misma obra los aspectos visuales, táctiles y sonoros. Se ha adquirido un dibujo vinculado al neoplasticismo y dos dibujos y collage -fechados todo ellos en 1962 y 1963- así como las piezas electrónicas <i>Siete variaciones tiempo-luz</i> (1967) y <i>Sin título</i> (1968). </div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-64696817951324150072019-02-14T13:26:00.000+01:002019-02-14T13:26:17.146+01:00Perú, país invitado de ARCOmadrid 2019 <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-mvPUlpZkryQ/XGVd8hj5sSI/AAAAAAAAA94/RDiug96prRQBsv3mPwoxoEtW33UB5pEYgCLcBGAs/s1600/arco_peru.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="835" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-mvPUlpZkryQ/XGVd8hj5sSI/AAAAAAAAA94/RDiug96prRQBsv3mPwoxoEtW33UB5pEYgCLcBGAs/s320/arco_peru.jpg" width="296" /></a></div>
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Del 27 de febrero al 3 de marzo, el arte contemporáneo peruano será el epicentro de uno de los eventos culturales más importantes de Iberoamérica: la feria ARCOmadrid 2019, donde Perú será país invitado. Las obras de más de 200 artistas peruanos podrán ser vistas por más de un millón de personas en las diversas exposiciones que se realizarán dentro y fuera del recinto ferial. Esto será el motivo para reflexionar en la contemporaneidad peruana como un viaje al pasado, que se nutre del presente y que se proyecta al futuro.</div>
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Perú quiere mostrar la producción contemporánea que se vincula con el pasado precolombino, aspecto que ha determinado el perfil de toda la participación en la feria. El Ministerio de Cultura del Perú, el Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú, la Embajada del Perú en España y Promperú vienen coordinando e impulsando esta presencia.</div>
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Contará con un Stand Institucional de 136m2 dentro de la feria donde se plantea el desarrollo del arte peruano como un proceso de definición contemporánea. Jorge Villacorta, Paulo Dam y Kiko Mayorga están a cargo de la curaduría del Stand bajo el concepto de 5000 años de visualidad peruana y que es producido por el Ministerio de Cultura del Perú.</div>
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Por otro lado, ´Perú en ARCO´, es la sección que cuenta con 24 artistas peruanos representados por galerías de diferentes países, y que han sido seleccionados por Sharon Lerner, curadora de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima. En ella ha intentado reunir a la generación más internacional de artistas peruanos, muchos de los cuales –menores de cincuenta años– han desarrollado buena parte de su carrera en otros países. El acento en la importancia del artista, y su origen por encima de otras limitaciones geográficas, se reflejará en esta sección, que pretende difundir el trabajo de los creadores plásticos peruanos desde el siglo pasado hasta ahora.</div>
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Además de esta presencia, la escena artística del país también estará reflejada en las conversaciones del Foro Perú que, organizado por Miguel A. López - co-director y curador en jefe de TEOR/éTica y Lado V, San José/Lima-, analizarán las particularidades del arte contemporáneo peruano. La participación del país se completará con las exposiciones en Madrid, que coordinadas por Fietta Jarque -periodista de arte y curadora independiente, extenderá una visión de la cultura plástica del país en sus diversas facetas. Todo ello permitirá analizar sus excelentes artistas y ofrecer una visión en torno al galerismo, el coleccionismo, el comisariado y la crítica en este país. </div>
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El programa ‘Perú en ARCO’ contará con la participación de siete galerías peruanas -80M2 Livia Benavides; Del Paseo; Forum; Ginsberg, Impakto, Revolver y Wu-, a las que se unirán otras galerías europeas -Barbara Thumm-, estadounidenses - Alexander and Bonin, Henrique Faria y Rolf Art-, y españolas -Casado Santapau, Elba Benítez, Juana de Aizpuru y ProjecteSD-; que representan a los artistas de Perú en la sección.</div>
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La arquitectura y el diseño del espacio de esta sección cobrarán un gran protagonismo concibiendo un nuevo formato dentro de ARCO, con una lógica más expositiva que ferial. Las arquitectas peruanas Mariana Leguía_Maya Ballén serán las responsables de proyectarlo, creando un ambiente fluido, que permitirá a los visitantes recorrer las propuestas de los artistas peruanos de manera clara y respetuosa con el espacio dedicado a cada proyecto.</div>
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La presencia de Perú como país invitado de ARCOmadrid 2019, a pocos años de la conmemoración del Bicentenario de la Independencia, constituye una importante ocasión para profundizar y reflexionar nuestros vínculos históricos y culturales con España. Por ello, el Proyecto Especial Bicentenario formará parte de la programación de los conversatorios de Foro Perú.</div>
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La presencia peruana en ARCOmadrid se completará con la entrega de un destacado premio, como es el galardón de los Premios ´A´ al Coleccionismo, otorgados por la Fundación ARCO, al Comité de Adquisiciones Contemporáneas del MALI, presidido por Alexandra Bryce Cisneros, por su importante labor de apoyo al Museo en el enriquecimiento de su colección permanente de arte contemporáneo y en la difusión del arte peruano.</div>
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En la ciudad de Madrid, Perú contará con un importante despliegue en los principales museos y centros de arte de Madrid con 16 exposiciones e intervenciones del Programa Paralelo que, coordinadas por Fietta Jarque, ofrecerán una amplia visión de la cultura plástica del país. Un viaje al arte peruano de hoy que empieza hace miles de años y, pasando por diferentes épocas, llega hasta movimientos de arte contemporáneo como el generado en la Amazonía; así como muestras dedicadas a la fotografía, videoinstalaciones y selecciones de artistas en diferentes contextos.</div>
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En total, se podrá apreciar la obra de aproximadamente 120 artistas peruanos. Este despliegue con diferentes exposiciones se extenderá a prestigiosos espacios y galerías de la urbe madrileña como el Museo Nacional Reina Sofía, el Museo del Prado, el Centro Cultural Conde Duque y el Museo de América, entre otros.</div>
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Dentro de este Programa Paralelo, el Ministerio de Cultura viene impulsando la presencia del arte shipibo-konibo a través de un mural Kené que será elaborado en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo Matadero por las artistas Olinda Silvano, Silvia Ricopa y Wilma Maynas. Además, se han programado talleres en el centro cultural La Casa Encendida y la creación de un mural del artista Elliot Tupac.</div>
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El Programa ofrecerá una amplia visión de la cultura peruana en diversas facetas, y acercará los aspectos menos conocidos del arte en Perú, tanto a través de un sorprendente viaje al pasado o a regiones en las que han surgido nuevos movimientos de arte contemporáneo.</div>
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La gastronomía peruana también será protagonista en ARCOmadrid 2019 gracias a la campaña Perú Lovers, puesta en marcha por Perú y el portal de ocio Atrápalo. Esta iniciativa persigue acercar Perú a todos los visitantes de ARCOmadrid, mostrando no sólo su propuesta artística, sino también su cocina y sus atractivos únicos como destino turístico.</div>
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El programa contempla un espacio gastronómico en la propia feria, y promociones especiales en diferentes restaurantes de cocina peruana de Barcelona, Madrid y Valencia entre el 22 de febrero y el 17 de marzo.</div>
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La participación peruana en este evento es fruto de la coordinación y liderazgo del Ministerio de Cultura del Perú, con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú, la Embajada de Perú en España y Promperú.</div>
La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-77861480843075339382019-02-01T10:57:00.001+01:002019-02-01T10:59:53.187+01:00El próximo 28 de febrero se inaugura 'Plats Bruts', de Ignasi Monreal en La Fresh Gallery<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-jBJur9_v5lw/XFQX0DPwjtI/AAAAAAAACm0/I7nuINm1lIg1dVuN4bHbNcFlSjh_ziw7QCLcBGAs/s1600/plats_bruts.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="628" height="244" src="https://4.bp.blogspot.com/-jBJur9_v5lw/XFQX0DPwjtI/AAAAAAAACm0/I7nuINm1lIg1dVuN4bHbNcFlSjh_ziw7QCLcBGAs/s320/plats_bruts.jpg" width="320" /></a></div>
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“Mi vida en Roma ha hecho del comer el eje principal de mi vida en comunidad, y teniendo en cuenta que está todo muy rico, he desarrollado una serie de memorias muy ligadas a los sentidos. Esta exposición captura para la posteridad un registro implícito de momentos de sobremesa, comidas y nuevas amistades”, resume Ignasi Monreal (Barcelona, 1990) de <i>Plats bruts</i>, su primera exposición en la Fresh Gallery. El artista catalán, que ha ilustrado campañas publicitarias con un iPad como única herramienta, realiza ahora el camino inverso: de lo digital a lo tangible, de la pantalla táctil al lienzo y el óleo. Inspirado por el Realismo madrileño y las naturalezas muertas del Barroco italiano y español, presenta aquí una serie de obras que adoptan la presencia de objetos cotidianos, platos y bandejas sucios que, vistos a cierta distancia, parecen reales. </div>
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Monreal recurre al realismo figurativo para explotar el trampantojo como elemento irónico. “Quizá Instagram, la posverdad o las fake news hayan sido inspiraciones inconscientes”, bromea a la vez que hace suya una máxima de Caravaggio: “El arte debe reflejar el pulso de la vida con todos sus matices y oscuridades, por triviales que parezcan”. <i>Plats bruts</i> es exactamente eso: una celebración sin pretensiones de lo mundano, una especie de Wabi-sabi cañí. </div>
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Dispuestas en mesas, y no sobre un muro, estas pinturas aspiran a convertirse en artefactos de carga subversiva. Son piezas aparentemente inanes condenadas a vivir entre otros objetos esperando a que alguien las descubra, infiltrándose en lo cotidiano como acto de guerrilla. </div>
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Esta serie es el resultado de lo que ha sido la vida de Monreal estos últimos meses: un merecido paréntesis tras meses de frenético trabajo comercial, realizando imágenes por encargo para firmas como Gucci, Four Seasons, Kartel, Dior y Louis Vuitton. En este tiempo, su estilo se ha refinado a la fuerza, filtrado por cientos de gigabytes de ilustraciones a contrarreloj, pero con estos platos sucios inicia su retorno a las Bellas Artes con una colección de obras creadas por iniciativa propia, siguiendo solo su instinto y enfrentándose a la dimensión material del arte: tiempos de secado, procesos químicos del óleo y el paso de las dos a las tres dimensiones. “Ha sido un proceso de reaprendizaje fascinante, como empezar a usar juguetes sexuales con tu pareja de toda la vida”. </div>
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Tampoco el aspecto de las obras tiene la pulcritud digital de sus creaciones anteriores, <i>Plats bruts</i> se presenta como algo nuevo y distinto a su trabajo más reconocido. “He aprovechado esta oportunidad para hacer algo 100% mío, esto es lo que pasa cuando me das tres meses de libertad”. </div>
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Texto: Lucas Arraut y Carlos Primo</div>
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PLATS BRUTS de Ignasi Monreal</div>
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Lugar: Galería La Fresh Gallery.</div>
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Dirección: Conde de Aranda, 5, Madrid.</div>
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Fecha: del 28 de febrero al 14 de abril de 2019</div>
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web: <a href="http://www.lafreshgallery.com/" target="_blank">www.lafreshgallery.com</a></div>
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Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-91327082674446765932019-01-23T11:35:00.000+01:002019-01-23T11:43:26.048+01:00II Festival de Cine Canadiense de Madrid<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-L51EZ7aI_7s/XEhC6Yu6oWI/AAAAAAAAA6o/ChonKLI7qL41pKBPa-LQtIfIVPRY0B3OgCLcBGAs/s1600/canada.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="630" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-L51EZ7aI_7s/XEhC6Yu6oWI/AAAAAAAAA6o/ChonKLI7qL41pKBPa-LQtIfIVPRY0B3OgCLcBGAs/s320/canada.jpg" width="224" /></a></div>
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Del 24 al 27 de enero se celebrará la II edición del Festival de Cine Canadiense de Madrid. Un encuentro anual que trae a la capital española las mejores películas canadienses recientes. Este año se realizará un recorrido por varias ciudades de Ontario y Québec, las montañas de Yukon y los paisajes de Manitoba.</div>
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La programación consta de 8 largometrajes y varios cortometrajes que abarcan géneros de ficción, animación y documental:</div>
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-“Giant Little Ones” de Keith Behrman</div>
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-“All the time in the world” de Suzanne Crocker</div>
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-“Les faux tatouages” de Pascal Plante</div>
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-“Les rois Mongols” de Luc Picard. </div>
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-Festival Banff. Selección de cortos del Banff Center Mountain Film Festival</div>
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- Chien de Garde de Sophie Dupuis</div>
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- Indian Horse de Stephen S. Campanelli</div>
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- Venus de Eisha Marjara</div>
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- Spark, una aventura espacial de Aaron Woodley</div>
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Además, contará con la presencia de los equipos de las películas para realizar coloquios con el público.</div>
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El festival que dará comienzo mañana, se celebrará en la Cineteca Matadero y para esta edición cuenta con la colaboración de Air Canada, la Embajada Canadiense en Madrid y la Oficina de Québec en Barcelona.<br />
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Mas información en : <span id="goog_1751892537"><a href="https://www.cinetecamadrid.com/ciclo/festival-de-cine-canadiense-de-madrid" target="_blank">www.cinetecamadrid.com</a></span><a href="https://www.blogger.com/"></a><span id="goog_1751892538"></span></div>
La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1783343698322797956.post-38470860894778253512019-01-13T18:48:00.000+01:002019-01-13T18:48:23.336+01:00Carlos Pranger saca a la luz Artículos y ensayos inéditos en español de Gearld Brenan<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-DkJB6iTx4sY/XDt5vpenkKI/AAAAAAAAA50/SrhElxQaAoQdSOwr-g0XTjF5T2W03Ud-QCLcBGAs/s1600/carlos.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="895" data-original-width="900" height="318" src="https://1.bp.blogspot.com/-DkJB6iTx4sY/XDt5vpenkKI/AAAAAAAAA50/SrhElxQaAoQdSOwr-g0XTjF5T2W03Ud-QCLcBGAs/s320/carlos.jpg" width="320" /></a></div>
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Artículos y ensayos inéditos en español de Gearld Brenan sobre Lorca, Picasso y Cervantes, y acerca del Museo del Prado, la romería del Rocío y el misticismo español, han sido reunidos en "Cosas de España" de Carlos Pranger, traductor y albacea de Brenan.</div>
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El libro "Cosas de España" de la editorial Fórcola, en colaboración con el Ayuntamiento de Málaga, Área Cultura Málaga y Casa Gerald Brenan, y cuya edición ha corrido a cargo de Carlos Pranger, editor de los ensayos, artículos y crítica literaria, es un compendio de textos inéditos en español. Tal y como lo ha definido el propio editor, es "un mosaico que reúne todas las miradas que tuvo de nuestro país, desde la sociológica a la antropológica, pasando por la cultural y siempre con un fuerte arraigo literario”.</div>
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Para esta edición, Pranger llevaba años reuniendo artículos y escritos de diferentes procedencias. No sólo podemos ver a un escritor serio y concienzudo, también muestra a un Brenan distendido y divertido. Como ese escritor que se pone romero y folclórico con su paso por la Aldea, que es como “si hubieran soltado a un poeta de la generación Beat en medio del Rocío y fuera descubriendo poco a poco la experiencia dejándose llevar por la fiesta”, señala el editor, que descubre aquí al hispanista más curioso y apegado por las tradiciones de su país de adopción.</div>
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El libro recoge una selección de artículos nada comunes en el corpus breniano. Contiene aportes singulares de la visión de España, país al que Brenan observó y estudió durante décadas. Brenan, como Pranger afirma en el prólogo, es “un voyeur entre bambalinas, vicario, que se proyecta en su tema predilecto: España”. Los temas tratados van desde el misticismo de San Juan y de Santa Teresa, el Siglo de Oro, Cervantes y El Quijote a la España de Galdós, Picasso, Machado, Lorca y el 27, llegando a Cela, Laforet, la postguerra, y hasta la impresión de cada una de sus visitas al Museo del Prado... “Hay muchas Españas en Gerald y no son lo mismo los estudios que dedica a San Juan de la Cruz que el relato epistolar de lo que vive en la celebración del Rocío”, explica Carlos Pranger. </div>
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En cuanto al título del libro, es un homenaje a “Las Cosas de España” que firmó Richard Ford y que prologó en una de sus reediciones Gerald Brenan (Sliema, Malta, 1894 - Málaga, 1987). “El inicio de la mirada española de Gerald parte de la mirada de Ford”, reconoce el editor que subraya que la gran influencia de Brenan en el hispanismo del siglo XX parte precisamente de su capacidad de observación y análisis de la realidad española. Sus artículos, ensayos y reseñas se publicaron en medios internacionales como “The New York Times”, “Holiday”, “Horizon”, o “The New York Review of Books” y recorren casi toda su vida literaria.</div>
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“Cosas de España”, a juicio del editor, es una excelente “puerta de entrada al mundo brenaniano”. “Me doy por satisfecho si despierta la curiosidad por su obra y el deseo de leer sus clásicos”, concluye Pranger.</div>
La Fábrica del Artehttp://www.blogger.com/profile/05930220956901705843noreply@blogger.com0