jueves, 6 de febrero de 2020

La Fundación ARCO presenta una nueva edición de ARCO GalleryWalk en Madrid

FUENTE: ARCOmadrid

La Fundación ARCO organiza, previo al arranque de ARCOmadrid 2020 (26 febrero – 1 marzo), visitas guiadas a las principales galerías madrileñas los días 6, 7 y 8 de febrero. 

Una nueva edición de ARCO GalleryWalk, que en esta ocasión contempla cinco recorridos por las galerías de los barrios madrileños de Centro, Dr. Fourquet, Barrio de las Letras, Salamanca y Salesas. 

Con la voluntad de acercar al público el trabajo de las galerías de arte contemporáneo y promover el coleccionismo, la Fundación ARCO propone visitas gratuitas a las exposiciones programadas en coincidencia con la feria, algunas de las más importantes de todo el año en la ciudad de Madrid. 

RECORRIDOS

Jueves 6 de febrero

12:00h. Fourquet

17:00h. Salamanca-Salesas

17:00h. Salesas


Viernes 7 de febrero

12:00h. Letras

12:00h. Salamanca-Salesas

17:00h. Salesas

17:00h. Centro

Sábado 8 de febrero

12:00h. Centro

12:00h. Letras

12:00h. Fourquet

miércoles, 18 de diciembre de 2019

Migraciones forzadas vistas por Marc Montijano

El proyecto Hope and Pain de Marc Montijano, podrá verse por primera vez al completo en la Escuela de Arte de San Telmo de Málaga, España.

Del 12 diciembre 2018 al 30 de enero de 2019, el artista Marc Montijano exhibe por primera vez completo el proyecto Hope and Pain (Esperanza y dolor). Un trabajo al que le ha dedicado el último año y con el que busca visibilizar e invita a reflexionar sobre la problemática de las migraciones forzadas.

Migraciones forzadas. Esperanza y dolor, es el título de la exposición que puede verse en la Escuela de Arte de San Telmo a partir del 12 de diciembre. Este proyecto es el fruto de una estancia de trabajo y de investigación de seis meses en las costas de Cádiz del artista Marc Montijano, que se inició en noviembre de 2018. Fecha en la que se cumplían 30 años de la aparición del primer cuerpo de un migrante en las costas españolas, de la primera muerte documentada.

No es la primera vez que este artista trata el tema de la inmigración, en 2013 realizó la acción Welcome to Paradise (Bienvenido al Paraíso). Y desde 2017 estaba trabajando sobre las migraciones con el proyecto Mediterráneo, pero no es hasta que se traslada a Cádiz, para vivir in situ la situación, cuando todo se precipita y toma forma este trabajo. 

El proyecto gira en torno a una tragedia puntual, que Montijano ha empleado como símbolo. El 5 de noviembre de 2018 naufragó una patera en la playa de Los Caños de Meca, en el término municipal de Barbate (Cádiz, España). Su embarcación chocó contra unas rocas a 150 metros de la orilla, en la patera viajaban 45 inmigrantes procedentes de Marruecos, según los supervivientes. La playa se llenó de restos de madera de pateras, vestimenta, calzado y de cuerpos. Día a día iban apareciendo cuerpos de inmigrantes fallecidos, hasta 23 cadáveres, en un goteo dramático.

Durante los seis meses siguientes el artista fue recogiendo restos de naufragios en esa playa y documentándolos con fotografías, dibujos y textos. Producto de esa vivencia y con el material que iba recopilado, principalmente maderas rotas, de colores vivos o desgastadas por el mar, comenzó a elaborar las obras que componen la exposición.

El eje central de este proyecto es la pieza Hope and Pain (Esperanza y Dolor). Una instalación compuesta por 23 cruces en forma de aspa de diversos tamaños confeccionadas con restos de pateras devueltos por el mar. 
 

Podrían ser miles de cruces, se han contabilizado casi 8.000 muertos en treinta años en la Frontera Sur, pero Montijano ha escogido el 23 para que no sea simplemente un número frío y distante. Quiere visibilizar y subrayar una tragedia, pero también humanizarla, más allá de los datos o cifras que nos insensibilizan. Esas cruces, una por cada persona fallecida en el naufragio del 5 de noviembre, remarca su ausencia real, como símbolo de todos los migrantes que han fallecido y seguirán muriendo intentando llegar a Europa.

En palabras del artista: “Hope and Pain, es el fruto de un proceso reflexivo y maduro de investigación. No son obras de digestión fácil, es un proyecto duro. Para su elaboración he dedicado un año, seis meses en Cádiz y otros seis en mi estudio en Málaga. Son unas piezas cargadas de energía, porque están hechas con objetos reales, con una historia muy dura detrás. Hablan de valentía, de dolor, de esperanza y de supervivencia y, a veces, de falta de empatía y de poca humanidad. 

En un momento en el que el arte tiende cada vez más al decorativismo y a la superficialidad, reivindico el papel comprometido del artista. El artista como cronista de su tiempo, aunque sea un aguafiestas. Siempre he creído en el arte como herramienta social, planteo un trabajo que invita a pensar, una obra que no está ideada para que cuelgue en el salón de nadie, ni para obtener muchos likes en las redes sociales”.

Marc Montijano no plantea su trabajo desde el buenismo, ni la candidez. Es un problema que no tiene soluciones fáciles. Con piezas como La frágil memoria del privilegiado o 23 almas, obras que podrán verse en la muestra, nos habla de la falta de empatía y personifican una tragedia, para alejarnos de la frialdad de los números. Esta exposición nos acerca a todas las personas que intentan llegar a Europa por la frontera sur y, en general, a todos los emigrantes que tienen que abandonar su tierra forzados por las duras circunstancias económicas, sociales o políticas en todo el mundo. Algo que, por nuestro pasado, deberíamos entender especialmente bien en España. E incluso por nuestro futuro. Si se cumplen las predicciones, “tal vez pronto todos seamos migrantes climáticos”, como ha escrito el artista en una de las obras que integran la exposición.

lunes, 13 de mayo de 2019

El arte en vivo se instala en Málaga de la mano de JM Galería y Marc Montijano

JMGalería presenta JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa. 

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería. A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual. 

No sólo se trata de performances en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El live art es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales. 

Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la performance, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la performance o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”. 

JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería. La primera performance que lleva por título Santa Águeda en el burdel, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano. 

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

miércoles, 8 de mayo de 2019

Santiago Sierra en la Galería Helga de Alvear desde el 9 de mayo

Esta exposición es un recorrido por algunos de los últimos trabajos realizados por Santiago Sierra desde 2015 hasta nuestros días, cuya documentación se presenta por vez primera. Las obras giran en torno a los temas que vienen siendo habituales en él: guerra, fronteras, exclusión, denuncia de la desigualdad y de la precarización de nuestras vidas, etc. apuntando a los  intereses económicos como agentes que subyacen a todos estos males.

Así, la performance de gran formato “Los nombres de los caídos en el conflicto sirio entre el 15 de marzo de 2011 y el 31 de diciembre de 2016”, en la que se  leyeron los nombres de 144.308 víctimas (compilados por el Grupo de Investigación sobre el Conflicto en Siria coordinado por el catedrático Pedro Brieger) durante 8 días sin interrupción consecutivamente en Tel-Aviv, Viena, Londres y Buenos Aires, dialoga en el mismo espacio expositivo con la obra “25.000.000 !”, realizada en Arsenale Kiev durante la celebración de la Conferencia Estratégica Europea de Yalta, donde lo que se contaba era dinero, el equivalente en moneda local a un millón de dólares.

Del mismo modo, “Cubo de carroña de 100 cm. de lado” fue realizada en la  Costa de Oaxaca en México el 27 de septiembre de 2015, aniversario de la desaparición forzada de 43 estudiantes de la Escuela Normalista de Ayotzinapa, pero incorpora un sentido más universal al ser contemplada junto a “Contador de desahucios”, que registra en tiempo real, mediante proyecciones estadísticas, los nuevos desahucios que se suman al total de los ejecutados en España desde el principio de la crisis.

La exposición se completa con la documentación de dos grandes proyectos recientes que hablan de exclusión: “10 €”, realizado para la exposición individual “Mea Culpa” en el PAC Padiglione d'Arte Contemporánea de Milán, y “333 M.”, estrenada el año pasado en la Bienal de Wiesbaden. Para el primero se convocaron mediante volantes y boca a boca a cientos de personas para permanecer en las puertas de museo a cambio de una pequeña remuneración. Para el segundo se utilizó una barricada desplegable de uso militar para trazar una barrera defensiva que partía en dos la ciudad alemana.

La muestra, que lleva por título Últimos trabajos, puede visitarse desde el 9 de mayo hasta el 20 de julio de 2019, en la galería madrileña Helga de Alvear.

Más información: http://helgadealvear.com

Pabellón de España en la Bienal de Arte de Venecia 2019

El Pabellón de España en la 58ª Bienal de Venecia está comisariado por Peio Aguirre con el proyecto inédito 'Perforado por' que une por primera vez el trabajo de los artistas Itziar Okariz y Sergio Prego. La propuesta de Aguirre comprende, a través de nuevas creaciones, la práctica de ambos artistas durante los últimos diez años.

La exposición propone una perforación, en el sentido metafórico y literal, a través de performance, sonido, imagen, escultura y arquitectura. El proyecto de Sergio Prego ocupa el jardín trasero del Pabellón español con un conjunto escultórico en armonía con el paisaje veneciano y su vegetación. Mientras que el trabajo de Okariz se ubica en el interior convirtiéndose en la mayor instalación de sonido y performance que haya tenido lugar en el pabellón de España. Además, durante los días de inauguración, la artista desarrolla un programa de performance.

El trabajo de Itziar Okariz se caracteriza por actuaciones que cuestionan las normas sobre el lenguaje y la producción de signos que nos definen como sujetos. A través de texto, vídeo y sonido, su trabajo interroga los desplazamientos entre el sujeto, el lenguaje y su presencia física.

Sergio Prego explora la naturaleza de la escultura en lo que se refiere a la arquitectura, cuestionando la materialidad con sus materiales livianos y flexibles que permiten que la forma solo exista en un estado específico o como resultado de una acción continua sobre el material. Ambos artistas reiteran las funciones alternativas del cuerpo en nuestra sociedad tecnificada. 

Para su primera exposición juntos, El gesto y trazo principales de 'Perforado por' consiste en abrir, ensanchar el espacio desde una ocupación que en realidad es su contrario, una desocupación o vaciamiento. Todo cuerpo en el interior de un espacio vacío genera una tensión con el lugar donde se inserta, pues el volumen envolvente de la arquitectura nos devuelve la materialidad mínima del cuerpo. El rasgo principal del arte de Itziar Okariz y Sergio Prego es un principio de permanencia, de un modo inseparable, en esta relación cuerpo-espacio, que se traduce en una obra austera y contundente, compleja a través de la simplicidad.

El pabellón de España en la Biennale di Venezia está organizado por el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas, en co-organización con Acción Cultural Española (AC/E), como viene siendo habitual desde 2005.

Comisariado: Peio Aguirre
Creadores / artistas: Itziar Okariz y Sergio Prego
Organizado por: Acción Cultural Española. Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID)
Más información: www.labiennale.org

domingo, 28 de abril de 2019

La Fresh Gallery presentará a finales de mayo `Margenes` de Eduardo Casanova

Con el subtítulo “Un ensayo artístico sobre el ser humano y la estética”, la obra supondrá el personalísimo trabajo de Eduardo Casanova, uno de los cineastas más vanguardistas y prometedores de la escena española. 

La editorial Grijalbo, perteneciente a Penguin Random House Grupo Editorial, publicará el próximo 6 de junio de 2019 el primer libro de Eduardo Casanova, un ambicioso y complejo trabajo multidisciplinar que a través de textos y fotografías aportará su personal perspectiva sobre la condición humana, relacionada esta con su particular universo estético. 

A la publicación del libro se le suma la primera exposición fotográfica en solitario del artista. Del 27 al 31 de mayo, se expondrán en la Fresh Gallery las fotografías más polémicas e impactantes del libro. 

Conformada por más de 120 fotografías y acompañada por las reflexiones del propio Eduardo, la obra transitará a modo de reflexión visual y escrita a través de los principales temas y obsesiones del autor: desde lo que significa vivir en la marginalidad, con el retrato de personas que se han visto obligadas a vivir en los márgenes de la sociedad, pasando por el análisis de figuras e iconos sociales como Kim Jong-il o John y Jackie Kennedy, hasta llegar a reflexiones sobre el papel de la mujer en la sociedad y la maternidad. Se trata de fotografías que muestran la realidad de forma cruda. El artista ha llevado a llevado a su casa y metido en su cama a gente que habita la marginalidad en casos extremos, consiguiendo, como ya viene siendo frecuente en su obra imágenes muy polémicas y explícitas. 

"Nunca he sido capaz de rehuir la mirada a alguien o a alguna situación comprometida o incómoda. Siempre miro, no lo puedo evitar", explica el autor. 

La mayoría de las películas que Eduardo Casanova ha rodado están inspiradas en imágenes que ha visto y que ha intentado comprender y reproducir. Pero con el producto final siempre ha sentido una misma frustración: en la ficción estas imágenes pierden su halo de verdad. Porque desde que se captan esas imágenes hasta que estas se convierten en una película pasa mucho tiempo, y esa espera transforma la realidad en maquillaje. 

"Esta vez, no he permitido que eso suceda. He cogido una cámara, he buscado y he invitado a mi casa a todas esas personas que me interesan y les he tomado fotos. Su mundo y mi mundo unidos al fin", explica Eduardo. 

MÁRGENES. Un ensayo artístico sobre el ser humano y la estética supondrá un personalísimo proyecto de uno de los cineastas más vanguardistas y prometedores de la escena española.

Más información: www.lafreshgallery.com

miércoles, 20 de marzo de 2019

Nancy Fraser dará una conferencia el próximo 22 de marzo en el Museo Reina Sofía


El Auditorio del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía será escenario el próximo viernes 22, a las 19.00 horas, de la intervención de la reconocida filósofa Nancy Fraser (Baltimore, 1947), quien analizará la evolución del movimiento feminista desde la década de los setenta hasta la actualidad, intentando anticipar una nueva fase de pensamiento y de acción, más radical e igualitaria. Bajo el título Repensar el capitalismo, la clase y el género la pensadora disertará sobre las relaciones entre el feminismo histórico, su afirmación como propuesta política a partir de las luchas de 2017 y su incidencia en las actuales transformaciones políticas y sociales. 

La intervención en el Reina Sofía de Nancy Fraser, coincide con un seminario que se celebrará el sábado 23 entre las 10.00 y las 14.00 horas, en Medialab Prado: “Feminismo, teoría crítica, política” en el que participa también la filósofa.

Nancy Fraser es filósofa de la política e intelectual feminista. Titular de la cátedra Henry A. and Louise Loeb de Ciencias Políticas y Filosofía en la New School de Nueva York, actualmente ocupa también la cátedra de Justicia Global en el Collège d'Études Mondiales de París y es profesora en el Centre for Gender Research de la Universidad de Oslo. Fundó la revista Constellations, de la que fue coeditora durante muchos años y de cuyo consejo editorial sigue formando parte. Entre sus numerosos libros traducidos al español se incluyen ¿Redistribución o reconocimiento?: un debate político-filosófico, escrito junto con Axel Honneth (Fundación Paideia Galiza, 2006); Escalas de justicia (Herder, 2008); Fortunas del feminismo. Prácticas constituyentes (Traficantes de sueños, 2015); Capitalismo: una conversación desde la teoría crítica, con Rahel Jaeggi (Morata, 2019) y Manifiesto de un feminismo para el 99%, con Cinzia Arruza y Tithi Bhattacharya (Herder, 2019).