domingo, 19 de febrero de 2017

#DiálogosThyssen arrancan el lunes 20 de febrero con Fernando y David Trueba


Durante sus 25 años de vida, el Museo Thyssen ha sido uno de los protagonistas de la vida cultural española y para conmemorar este aniversario va a invitar a personalidades del arte, el cine o la literatura para conversar sobre ello. Son los #DiálogosThyssen, que arrancan mañana lunes 20 de febrero con Fernando y David Trueba.

viernes, 17 de febrero de 2017

La Fundació Joan Miró presenta Autogestión

La Fundació Joan Miró presenta Autogestión, una genealogía de las prácticas do-it-yourself desde los artistas pioneros de los años sesenta hasta la actualidad, que podrá verse hasta el 21 de mayo de 2017.

Comisariada por el artista Antonio Ortega, la muestra brinda una mirada histórica a las actitudes y los posicionamientos autogestionarios en el arte contemporáneo. Se trata de una selección personal de artistas que han incorporado en su dinámica de trabajo un giro con el que empoderarse de su propio relato y velar por su autoridad de su obra. Con el apoyo de la Fundación Banco Sabadell, la exposición reúne más de sesenta obras de artistas como Esther Ferrer, Joan Hernández Pijuan, Michelangelo Pistoletto, Sílvia Gubern, Cesare Pietroiusti, Jiří Kovanda, Henk Peeters y François Curlet, entre otros.

La selección se despliega en cuatro espacios que abordan desde trabajos realizados a partir de un posicionamiento en la autogestión hasta ejemplos de artistas que han naturalizado estas prácticas, pasando por la exploración de los gestos espontáneos de empoderamiento y de contestación al sistema artístico que han ensayado algunos creadores a lo largo del periodo examinado. La muestra incluye pintura, escultura, dibujo, fotografía y vídeo, así como cuatro instalaciones e intervenciones en las cuales han trabajado directamente en las salas los artistas Adam Nankervis, Laura Porter y Mariona Moncunill. Entre otros documentos, Autogestión incorpora también un cómic en el que Carla Fernández esboza la relación entre el arte y la vida en la obra de Gustav Metzger, precursor de la autogestión como práctica artística. La exposición recoge, además, la decena de reproducciones al óleo que Pere Llobera ha pintado para ilustrar la publicación que acompaña la muestra.

Autogestión 
Del 16 de febrero al 21 de mayo de 2017 
Comisario: Antonio Ortega 
Con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell
Más información: www.fmirobcn.org/es/

MUSAC inaugura tres exposiciones monográficas de los artistas Babi Badalov, Juan Cruz y Amable Arias

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León inaugura el sábado 18 de febrero tres nuevas muestras que continúan la exploración del espacio híbrido entre la escritura y las artes visuales, eje de la programación expositiva del museo durante el primer semestre de 2017.

Babi Badalov. To Make Art to Take Clothes Off 
En este proyecto específico para la Sala 3 del museo Babi Badalov despliega su particular poesía visual, en la que los errores del lenguaje, los juegos de palabras y la relación entre elementos lingüísticos y visuales le permiten realizar una exploración poética y política mundo contemporáneo y de las ideologías que subyacen en las lenguas que se emplean para pensarlo, describirlo y comunicarlo. 

La práctica artística de Badalov implica una exploración constante de los límites del lenguaje, con un especial énfasis en el modo en el que la lengua aísla a los individuos de una colectividad con la que no comparten el idioma. De este modo, aborda temas sociopolíticos de actualidad que reflejan sus propias experiencias como refugiado. 

A lo largo de su vida Badalov ha vivido en varios países, cuyas lenguas —inglés, francés, ruso, o turco— utiliza junto con sus lenguas maternas —el azerí y el talysh— para crear obras en las que la poesía, la aliteración o las onomatopeyas conviven con errores y deformaciones que ayudan a desvelar los significados poéticos y políticos presentes en las palabras y las imágenes. Badalov introduce a menudo sus propios textos poéticos en su obra: combinándolos con imágenes manipuladas crea instalaciones, murales, pinturas, collages, o libros de artista que él mismo define como poesía visual, en las que emplea la lengua como un dispositivo de investigación en el que diversas cuestiones culturales, sociales o políticas se entremezclan, abarcando territorios como el activismo y las lecturas políticas ('Turkie Kurdkie'), de género ('Musulman Musulwoman o Whoman'), social ('Di Screami Nation'), cultural ('Dalila Derrida') o lingüístico ('Language Landuage'). 

Juan Cruz. 'Catalogue: It Will Seem a Dream' 
'Catalogue: It Will Seem a Dream' es un proyecto que da cuenta de más de treinta años de trayectoria del artista nacido en Palencia pero residente en Londres desde los diez años Juan Cruz. La obra de Cruz explora la traducción —literal y metafórica, cultural y lingüística— y cómo ésta ejerce un papel central en la práctica artística, apuntalando a la vez la construcción de la identidad personal y cultural. 

En la obra de Cruz el proceso de traducción sirve como una metáfora de la representación visual que el artista extiende a un amplio espectro de medios, entre los que se incluyen la performance, el dibujo, la escultura, la fotografía y, en los últimos tiempos, las retransmisiones a través de streaming. A lo largo de su trayectoria, Juan Cruz ha empleado asimismo la escritura de modos muy diversos. Uno de ellos, del que parte y en el que se centra este proyecto, tiene que ver con aquellos textos realizados por el artista que se refieren, se originan, acompañan o aluden a algunas de sus piezas más conocidas. 

Juan Cruz inicia su actividad artística y expositiva a finales de la década de los 90, de la mano de espacios expositivos independientes. Desde entonces, su obra ha sido expuesta en numerosos centros de ámbito internacional, tales como la Fundación Serralves (Oporto, Portugal), Witte de With (Rotterdam, Países Bajos) o Bregenzer Kunstverein (Bregenz, Austria). 

Amable Arias. El teorema de la anamnesis. La barrera contemplativa
'El teorema de la anamnesis. La barrera contemplativa' es un proyecto expositivo que recorre los caminos discursivos más experimentales y menos transitados en la extensa obra del artista berciano Amable Arias. La muestra ha sido co-producida por MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; la Diputación de León a través del Instituto Leonés de Cultura (ILC); el Ayuntamiento de Bembibre y el Instituto de Estudios Bercianos (IEB). 

Nacido en Bembibre (León) en 1927 y residente en San Sebastián desde los 15 años, la trayectoria vital y creativa de Amable Arias está marcada por un afán de superación personal constante, por el compromiso social y político y, en su etapa final, por el autoaislamiento del sistema artístico. A lo largo de su vida mantiene de manera intermitente una estrecha vinculación con el Bierzo donde, en los años 50, comienza su experimentación pictórica con la realidad y su espacio. 

La muestra podrá visitarse hasta el 16 de abril en tres centros expositivos: la Casa de las Culturas de Bembibre, el Laboratorio 987 del MUSAC y el Centro Leones de Arte [CLA] del Instituto Leonés de Cultura [ILC], con las obras sonoras de Arias como nexo de unión entre los tres espacios. Los tres apartados de la muestra llevan por título 'La fuerza y el poder. Reflexiones sobre el conocimiento' (Laboratorio 987), 'La libertad y el azar. Universo personal' (CLA), y 'El pulso y la decisión. La mirada comprometida ' (Casa de las Culturas Bembibre).

David Lamelas presenta en el Reina Sofía Time as Activity

El creador argentino David Lamelas (1946) presenta los días 24 y 25 de febrero en el Museo Reina Sofía, y en el marco del Programa Argentina Plataforma/ARCO, su mítica serie fílmica titulada Time as Activity. Se exhibirán al completo sus grabaciones iniciadas en 1969 hechas en distintas ciudades del mundo en momentos concretos.

La doble sesión que se presenta en el Museo Reina Sofía de Time as Activity, constituye la serie más prolongada del artista que cruza cuatro décadas de trabajo. Iniciada en 1969 con Time as Activity-Düsseldorf, la obra parte de la premisa de rodar la ciudad en tomas estáticas en tres localizaciones durante tres momentos pautados del día. Cada uno de estos momentos se acota indicando la duración previa en minutos, con lo que el tiempo real de rodaje se iguala al tiempo ficticio de proyección. Tras Düsseldorf, Lamelas rodó Berlín, Londres, Los Ángeles, Nueva York, St. Gallen, Buenos Aires, Varsovia, Nápoles y Milán, en un tránsito internacional que describe el propio desplazamiento vital del artista. Este programa incluye una obra inédita producida para la ocasión: Time as Activity-Madrid, que tiene en su centro la relación entre museo y ciudad. 

Lamelas es uno de los artistas que ha incorporado con más profundidad la noción de duración y tiempo real a diferentes medios. Su trabajo ha abordado la crisis del objeto escultórico en el espacio expositivo y la llamada condición “posmedia” de la obra de arte a través de las distintas manifestaciones y tiempos de la imagen. En poco más de una década Lamelas pasó de la vanguardia conceptual argentina a su establecimiento entre los pioneros del vídeo en Los Ángeles, y de ahí al Londres más experimental, transitando por diferentes planteamientos estéticos con una rapidez inigualable y atravesando sin prejuicios los campos de la 'alta' y la 'baja' cultura. 

Desde sus primeros trabajos fílmicos, próximos al cine estructural, ha desarrollado un tratamiento muy particular del tiempo y el espacio. Sus películas, instalaciones y fotografías indagan cómo los medios de comunicación inciden en nuestra construcción del mensaje. Son obras experimentales que relacionan las convenciones de la narrativa fílmica con nuevas formas de construcción del relato y consiguen crear procesos alternativos de comunicación y cognición.

David Lamelas Se formó en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, donde entró en contacto con Lucio Fontana, George Vantongerloo y el grupo Madi, y expuso con regularidad en el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, una institución privada sin ánimo de lucro que concentraba la vanguardia del país. 

Desde que participó en la Bienal de Venecia (1968), presentó su primera película en el Camden Arts Center de Londres (1969) y participó en la Documenta 5 de Kassel (1972), la obra experimental de Lamelas se ha podido ver en múltiples exposiciones en Europa y América. Destacan la primera retrospectiva celebrada en Europa, en el Witte de With de Rotterdam y en el Kunstverein de Múnich (1997) y la gran retrospectiva del Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (1995). También ha expuesto en la Whitechapel Art Gallery de Londres (2000), la Fundació Joan Miró de Barcelona, el Museum Fridericianum de Kassel, la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea de Oporto (2003-3004) y el Museo Reina Sofía de Madrid (2005). Su obra forma parte de las colecciones del The Metropolitan Museum of Art y el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery de Londres y el MOCA de Los Ángeles, entre otros.

David Lamelas. Time as Activity (1969-2017)
24-25 febrero, 2017-18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Comisariado: Chema González
Organiza: Museo Reina Sofía
En el marco de: ARCO Argentina

lunes, 13 de febrero de 2017

Obras maestras de Budapest en el Museo Thyssen

Del 18 de febrero al 28 de mayo de 2017, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias, una exposición que mostrará por primera vez en España una destacada selección de pinturas, dibujos y esculturas procedentes de las colecciones del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría. Noventa obras de escuelas como la italiana, alemana, flamenca o española, desde el siglo XV al XX, que incluyen grandes nombres de la historia del arte como Durero, Leonardo da Vinci, Rubens, Velázquez, Tiepolo, Cézanne y Manet, además de interesantes ejemplos de artistas húngaros, que permitirán ofrecer a los visitantes una muestra representativa de las colecciones de estas instituciones.

La exposición, comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, y Mar Borobia, jefa del Área de Pintura Antigua, está organizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Budapest -cerrado por obras de renovación hasta marzo de 2018-, y la Galería Nacional de Hungría -donde se exhibe temporalmente parte de su colección-. Esta será la primera cita del programa expositivo con el que en 2017 se celebra el 25 aniversario de la apertura al público del Museo Thyssen, un programa que irá acompañado de todo tipo de actividades.

El recorrido por las Obras maestras de Budapest estará articulado en torno a siete secciones: el Renacimiento en el Norte, que mostrará la pintura alemana del siglo XVI a partir de artistas como Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo y Hans Baldung Grien; el Renacimiento en el Sur, que contará con ejemplos de Leonardo da Vinci, Lotto, Rafael y Bronzino; el Barroco en Flandes y Holanda, una sala en la que encontraremos obras de Peter Paul Rubens y Anton van Dyck; el Barroco en Italia y en España, que exhibirá lienzos de Annibale Carracci, Alonso Cano y Velázquez; el siglo XVIII en Europa, con una excelente representación de la escuela veneciana de la mano de Sebastiano Ricci y Giambattista Tiepolo, magníficas piezas de maestros centroeuropeos poco conocidos en España, así como un excepcional conjunto de esculturas de Franz Xaver Messerschmidt; una sala monográfica dedicada a la nueva imagen de la mujer, con obras de Manet a Kokoschka, y, por último, la modernidad: de Pissarro a Bortnyik, que presentará el arte internacional desde el siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN:
Título: Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias
Organizadores: Museo Thyssen-Bornemisza, Museo de Bellas Artes de Budapest y Galería Nacional de Hungría
Sede y fechas: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, del 18 de febrero al 28 de mayo de 2017
Comisarios: Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, y Mar Borobia, jefa del Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza
Comisaria técnica: Dolores Delgado, Área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza
Número de obras: 90
Publicaciones: Catálogo con textos de Gábor Bellák -basado en textos previos de Anna Jávor y Andrea Czere- y Adriána Lantós, guía didáctica y publicación digital en la app Quiosco Thyssen.
Más información: www.museothyssen.org

sábado, 11 de febrero de 2017

Another distinguée de La Ribot

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en Madrid de Another Distinguée, la 5ª serie del proyecto Piezas distinguidas de La Ribot. Este espectáculo estará en la Sala Negra del 22 de febrero al 5 de marzo.

Han pasado veintitrés años desde que La Ribot presentó por primera vez las Piezas distinguidas (acciones cortas organizadas en serie) y el proyecto no ha dejado de desplegarse y transformarse desvelando cada vez nuevas capas y significados. Another Distinguée, la nueva serie de piezas recién estrenada, añade al proyecto distinguido un nuevo estrato llevándolo a un lugar sorprendente en el que, todo lo creado hasta ahora, adopta un nuevo significado.

La Ribot, acompañada en escena por el actor Juan Loriente y el bailarín Thami Manekehla, invita a adentrarse en un espacio particular, en un lugar característico y único que se puede designar como un «cubo negro». El espacio apela a la experiencia individual y directa: cada espectador debe hacerse cargo de su propia presencia y es libre para decidir dónde y cómo quiere estar en cada momento. Pero no solo tendrá que tener en cuenta los otros cuerpos que le acompañan en el espacio. En Another Distinguée no sólo hay sombras: una enorme presencia oscura y opaca gobierna este lugar estableciendo un principio de invisibilidad que multiplica al infinito los posibles puntos de vista y que limita profundamente cualquier intento de controlar visualmente lo que sucede. La única salida aquí es aceptar la derrota visual y entregarse a lo que cada uno de nuestros cuerpos es capaz de hacer y entender.

Más información: www.teatroscanal.com/...-la-ribot-performance

viernes, 10 de febrero de 2017

Cristina Lucas en la galería Juana de Aizpuru

¿Es posible para el espectador contemporáneo percibir el color y la forma atendiendo a composiciones y sensaciones puras como las que se establecen en las investigaciones históricas de Newton, Goethe, Wittgenstein, Kandinski o Heller?

Todas esas investigaciones sobre los colores y las formas intentaban desentrañar los efectos provocados por unos y otras en la percepción del espectador; intentaban clarificar cómo las incidencias de ciertas hondas de luz sobre los receptores ópticos tienen un efecto en nuestras emociones, algo que el arte, y sobre todo la pintura, aprovechó para acentuar su intencionalidad comunicativa, muy especialmente en una época en la que la pintura ya no era la única que reflejaba el mundo visible y se dirigía hacia un intento de manifestación de lo interior. Ver y sentir.

Pero el permanente transcurrir del tiempo ha situado los colores y las formas en un lugar fundamental en la cultura hipervisual que no solo pertenece al arte. El consumo se expresa en términos estéticos también a través de la publicidad mediante todos los medios de distribución imaginables. No olvidemos que empresas, instituciones, partidos políticos y entidades de todo tipo van siempre acompañados de las marcas y logotipos que encarnan su carácter, algo así como una clave identitaria, que revela las profundas virtudes o intenciones de la organización que representan. Todas esas instituciones se desviven por comunicar algo más que su nombre o su producto; contratan asesores para establecer una comunicación de valores intangibles, valores que desean grabar en el interior de los sujetos consumidores, ligarlos a emociones que se mantengan independientes del producto concreto que se vende en cada momento; es una cuestión capital.

La cuarta exposición de Cristina Lucas en la galería Juana de Aizpuru está centrada en las series Monocromos y Figuras. Estas dos series están orientadas a un análisis y clasificación del lenguaje de los colores y las formas tomadas de la vida cotidiana, capturando cuantos logos le saltaban a la vista con la intención de devolverlos a su vitrina para ofrecérselos al espectador dentro de su contexto formal. Cristina Lucas observa ese mundo corporativo que habitamos y extrae de él formas y colores que clasifica. Cada una de sus obras (tanto pictórica como escultórica) se construye con los múltiples logos que nos asaltan diariamente en la calle o en internet, clasificándolos por color y forma, enmarcándolos en las teorías que parecen justificar su elección. El marco es importante, no cierra la cuestión sino que la expande y la contextualiza. Podría decirse incluso que la explica, que aclara el regreso al arte de lo que un día le fue propio y ahora ha de compartir con la realidad mercantilizada del presente: visibilidad y comunicación. Se trata de un camino de vuelta en el que desde la más prosaica realidad (incluidas las calculadas dimensiones de los medios de comunicación publicitaria para que puedan visualizarse en el ajetreado devenir de nuestros tiempos) se establecen guiños a las varias tentativas abstractas que la historia del arte ha desarrollado a lo largo del siglo XX, y, al mismo tiempo, se plantea como una nueva revisión de los códigos de lectura de los elementos estéticos que nos rodean y con los que dialogamos a diario. Una revisión artística en la que se pone a cada cual en su lugar, al arte y a la comunicación institucional, y hace muy pertinente la pregunta inicial: ¿es posible para el espectador contemporáneo percibir el color y la forma atendiendo a composiciones y sensaciones puras? Es a ese espectador contemporáneo al que le corresponde contestar a partir de su experiencia personal frente a estas obras y ante los logos y formas que las constituyen.

CRISTINA LUCAS, INFORMAL COLORS
Lugar: Galería Juana de Aizpuru (Madrid)
Dirección: Barquillo 44, 28004 Madrid. España
Inauguración: 11 de febrero de 2017