jueves, 31 de marzo de 2016

Joan Brossa en la Galería Miguel Marcos

La exposición  Brossa reflejado: poemas visuales, libros y carteles, reúne un conjunto de obras que nos adentrarán en el imaginario de Joan Brossa. La muestra podrá visitarse desde hoy hasta el 13 de mayo en la galería barcelonesa Miguel Marcos.

Joan Brossa (Barcelona, 1919 – 1998), poeta, dramaturgo y artista plástico, es el poeta vanguardista catalán más importante de la segunda mitad del siglo XX. En el año 1948 fundó la revista Dau al Set con Antoni Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, Arnau Puig y Joan-Josep Tharrats. Su obra se distingue por su especial habilidad para trasladar el pensamiento poético más allá de sus fronteras habituales. Inclasificable, bebe tanto de la cultura popular catalana como de las vanguardias artísticas anteriores a la guerra civil española para entroncar con el conceptual y el arte povera. Libera el poema convirtiéndolo, sucesivamente, en imagen, objeto e instalación.

Durante los primeros años de los noventa, la relación entre la Galería Miguel Marcos y Joan Brossa, se afianzó, inseparables y testigos de una escena política y social que tantas veces inspiró la obra creativa del último. La Galería Miguel Marcos siempre ha impulsado la trayectoria del gran artista a nivel internacional.

Fue en el año 1992 la primera vez que la Galería Miguel Marcos expone la obra de Joan Brossa en su sede de Zaragoza, Poemas objeto e instalaciones. Ese mismo año, se organiza la primera exposición retrospectiva titulada Brossa 1986–1991, una itinerancia por Huesca, Vitoria, Logroño y Murcia fueron testigos de esa muestra.

A la vez, la Galería Miguel Marcos reivindicaba una presencia internacional merecedora de la creatividad del que es un personaje único. Fue así, que se sucedieron varias exposiciones que les llevaron a recorrer distintos países, dando a conocer la obra de Brossa más allá de nuestras fronteras y forjando una relación de complicidad que daría lugar a proyectos irrepetibles.


En el París de 1995 se expuso, por primera vez, la obra de Joan Brossa en el Instituto Cervantes bajo el epígrafe Poemas visuales. Colección Miguel Marcos. Unos años después, en 1997 Joan Brossa fue seleccionado para representar a España en la Bienal de Venecia, certamen internacional que logró consagrar la obra de Brossa a nivel global.

El 27 de febrero de 1998, la galería inaugura su sede en Barcelona con una exposición de instalaciones BROSSSSA quatre emplaçaments, que el poeta había creado ex profeso para la ocasión. Era un gesto de homenaje a una de las figuras más prominentes de la escena artística, a la vez que permitía a Brossa realizar aquello que el genio anhela: crear y mostrar, mostrar y crear. Basta recordar la impresionante jaula de hierro con una delicada pecera en su interior, un canto poético a la libertad, una alegoría a la magia…

Así mismo, la Galería Miguel Marcos ha promocionado su obra en distintas ediciones de ferias internacionales en las que ha participado como Art Basel, ARCOmadrid, Art Cologne, Art Chicago o FIAC París, por mencionar algunas. En esta muestra, la obra de Brossa se disfruta a través de poemas visuales que ilustran el imaginario del poeta. Los carteles, a su vez, suponen una continuación de esta poesía visual, que Brossa empezó a elaborar con la intención de acercar su obra al público y hacerla visible, inmiscuyéndose en el contexto cotidiano para llevar a cabo su acción comunicativa. Por último, los libros de artista constituyen un soporte que permite al poeta expresar su pensamiento con diferentes lenguajes, algunos de ellos, en colaboración con artistas como Miró, Chillida o Tàpies.

Tradición y modernidad, arte y literatura se aúnan en una obra contenedora de juegos de palabras, cadavres exquis, imágenes y ecos de sentido irónico. Lo eterno y lo inmutable concentrados en el canon de la estética brossiana, un estallido de realidad única que nos presenta a Brossa reflejado.

Brossa reflejado: poemas visuales, libros y carteles
Lugar: Galería Miguel Marcos.
Dirección: Jonqueras 10, 08003, Barcelona.
Fecha: Desde el 31 de marzo hasta el 13 de mayo de 2016.
web: www.miguelmarcos.com

miércoles, 30 de marzo de 2016

Joan Miró. La forza della materia en Milán


La Fundació Joan Miró organiza en el MUDEC de Milán la exposición Joan Miró. La forza della materia, una muestra que reúne un total de 114 obras del artista. la muestra pone de relieve la voluntad de Miró de llegar a la pureza del arte explorando más allá de la pintura convencional. La muestra evidencia la experimentación constante con técnicas, soportes y procedimientos diferentes que lo llevaron al desarrollo de una nueva cultura de la materia.

Bajo la dirección de Rosa Maria Malet, la Fundació Joan Miró de Barcelona organiza esta exposición, que cuenta con sesenta y seis obras de su fondo. La muestra incluye pinturas, dibujos, esculturas y obra gráfica realizados entre los años 1931 y 1981.La muestra se puede visitar desde 25 de marzo y hasta el 11 de septiembre de 2016 en el MUDEC, Museo delle Culture, en Milán, Italia, un centro dedicado a la investigación interdisciplinaria sobre las culturas del mundo, con el propósito de crear un lugar para el dialogo sobre los temas de actualidad a través de medios audiovisuales, escénicos y de arte sonoro, diseño y vestuario.

La exposición recoge una amplia representación de su experimentación matérica, con 114 obras de la Fundació Joan Miró y de la familia del artista, presentadas en cuatro salas. En la primera, se exhiben telas y dibujos de entre 1931 y 1944, la mayor parte de los cuales producidos bajo la influencia de la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. De esta manera, estas obras sintetizan la tragedia del momento y muestran el nuevo lenguaje simbólico que Miró acaba de configurar.

El traslado de Joan Miró en 1956 a Palma de Mallorca, donde su amigo el arquitecto Josep Lluís Sert le había diseñado un taller, es el punto de partida de las piezas expuestas en la segunda sala. Las obras pictóricas de este espacio muestran como Miró, con el deseo de alcanzar una manifestación artística cada vez más anónima, libera su gesto. En la madurez de su carrera, un interés continuado per la materia y sus posibilidades lo llevan a trabajar con profusión la escultura en bronce, representada también en esta sala. Miró utiliza el procedimiento de la cera perdida para dar vida a nuevos personajes a partir del ensamblaje de objetos provenientes principalmente del entorno natural y popular.

La tercera sala reúne una serie de obras de los años setenta, en las cuales Miró continua cuestionándose el sentido final de la pintura sin llegar nunca a abandonarla. Con la intención de eliminar todo aquello que la pintura tiene de ilusión, la somete a las prácticas más heterodoxas, por ejemplo agujereando sus telas, al mismo tiempo que utiliza o reaprovecha los soportes más inusuales, maderas, papel de lija, pinturas de estilo pompier, etc. Destruyendo y creando a la vez, el artista provoca al espectador y cuestiona el valor económico de la obra de arte.

El último espacio de la exposición está dedicado a la obra escultórica y gráfica de Miró, modalidades con inmensas posibilidades técnicas que se ven aumentadas por el trabajo de colaboración con los artesanos. Destacan sus trabajos con carborundo -un abrasivo artificial a base de carbón en polvo y silicio-, que le permiten enriquecer la materia y potenciar el trazo de los grabados. En cada una de estas disciplinas, Joan Miró desafía la técnica buscando la libertad de expresión que ha conseguido con la pintura.

Joan Miró. La forza della materia
Lugar: MUDEC, Museo delle Culture.
Dirección: via Tortona 56, 20144 Milán.
Fecha: Desde el 25 d emarzo hasta el 11 de septiembre de 2016
web: www.mudec.it

Loterías se suma al IV Centenario de Cervantes


Todos los billetes de Loterías y Apuestas del Estado correspondientes a los sábados 2, 16, 23 y 30 de abril llevarán imágenes de Miguel de Cervantes y su obra, pertenecientes a la Biblioteca Nacional de España.

La emisión de esta serie cervantina coincide con la conmemoración del IV Centenario de la muerte del literato, en concreto, el día 23, aniversario de su muerte, el décimo llevará la imagen de la estatua de Cervantes que se encuentra en la escalinata de entrada de la BNE. 

El resto de los décimos llevan las imágenes de Don Chisciotte della Mancia, calendario ilustrado con escenas de Don Quijote (1926), el 2 de abril; Célestin Nanteuil: Don Quijote y Sancho Panza ven El Toboso en la distancia al caer la tarde (Madrid, J.J. Martínez, ca. 1855), el 16; y Charles-Antoine Coypel, Estampa en Colección de estampas de Don Quijote de la Mancha (París, Suruge Montagne,ca. 1725), el 30.

Loterías y Apuestas del Estado se suma así a la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Cervantes, para la que hay una extensa programación de actividades durante todo el año, destacando la exposición que acoge la BNE, hasta el 22 de mayo, Miguel de Cervantes: de la vida al mito (1616-2016).

No es la primera vez que, recientemente Loterías apuesta por obras de la BNE para ilustrar sus décimos. La celebración del Tricentenario ya fue protagonista de la Lotería Nacional el 29 de diciembre de 2011con un billete que tenía como ilustración la fachada de la Biblioteca Nacional de España, coincidiendo su emisión con la fecha en la que se conmemoraba su 300 cumpleaños.

A partir del sorteo del sábado 2 de febrero de 2013, los billetes de lotería llevaron la imagen de una obra de la Biblioteca Nacional de España (BNE). Un homenaje de Loterías y Apuestas del Estado a la BNE se prolongó hasta principios de 2016, aunque la serie se fue intercalando con otras imágenes.

Las imágenes en los décimos de lotería comenzaron en los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado. Desde 1960, la Lotería Nacional empezó a ilustrar sus billetes con temas monográficos variados que muestran las más diversas materias artísticas, científicas, literarias… convirtiendo, de esta forma, el décimo en un excelente vehículo cultural.

martes, 29 de marzo de 2016

Fallece el pintor Juan Antonio Aguirre

Juan Antonio Aguirre (Madrid, 1945), falleció el pasado sábado 19 de marzo de una parada cardíaca tras una larga estancia hospitalaria en la que se recuperaba de un ictus sufrido en el mes de febrero. 

Pintor, reconocido crítico, teórico de arte y conservador de museos, su trayectoria marcó una época de apertura en el arte bajo la dictadura franquista. Cursó estudios de Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid, junto a Ignacio Gómez de Liaño y Fernando Savater, y pese a que no estudio Bellas Artes, tomó clases de pintura con el valenciano José Manaut Viglietti (discípulo de Sorolla) y acudió de forma libre a la escuela Central de Artes y Oficios.

J. A. Aguirre, Tarde en Flamengo, Río de Janeiro, 1980. Col. MNCARS
Su primera exposición tuvo lugar en 1965 en la Sala Amadís, espacio del que solo 4 años más tarde llegaría a ser director. Fue allí, con la promoción de jóvenes artistas, donde se le reconoce la detección de talentos de artistas como Carlos Alcolea, Carlos Franco, Rafael Pérez Mínguez, Guillermo Pérez Villalta, Mitsuo Miura, Nacho Criado, Santiago Serrano, Soledad Sevilla o Miguel Ángel Campano. 

Así, en 1969 publica Arte último: La Nueva Generación en la escena española, un libro que marca un época pictórica alejada del régimen franquista y la apertura a lo que entonces estaba sucediendo en Europa. 

En los años 70 Aguirre retomó su labor pictórica, que compaginó con su trabajo como conservador del Museo Español de Arte Contemporáneo, del que llegó a ser subdirector. En 1972, Aguirre rodó una película sobre los Encuentros de Pamplona, consistentes en un encuentro internacional de arte interdisciplinar: música, poesía, espectáculos audiovisuales, pintura y sobre todo happenings y actuaciones. 

La pintura de J. A. Aguirre, siempre figurativa, con una intención artística ecléctica, tras un breve periodo inicial en el que practicó una pintura cercana al naïf y series abstractas, evolucionó adoptando la rigidez compositiva neoconstructivista, que pronto configura el que será su estilo característico, dominado por el color y de formas desdibujadas, bajo la influencia de Bonnard, Matisse y Munch. 

“La imagen final poco tiene que ver con la de origen. La importancia del motivo decrece, en beneficio del poder envolvente del color”, aseguraba Aguirre.

Considerado renovador del arte contemporáneo español, con él se va un hombre que consagró su vida al estudio teórico, la crítica y el descubrimiento de nuevos talentos, pero sobretodo, y como el mismo decía, se va un pintor del color. 

Sus obras están presentes en numerosos museos y colecciones públicas como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo Español de Arte Abstracto de Cuenca, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia, el Palacio de Justicia del Gobierno Vasco en Vitoria-Gasteiz, el Ayuntamiento de Quesada en Jaén, la Biblioteca Nacional de Madrid o el museo Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz. 

El funeral por su recuerdo está previsto el próximo 12 de abril en San Manuel y San Benito (C/ Alcalá 83, Madrid), a las 20.30 horas.

jueves, 17 de marzo de 2016

Artículo sobre Blu en Homines.com

El trabajo de Blu: Street art y coherencia
Susana Hermoso-Espinosa García
17/03/2016

El arte urbano (street art) vive un enorme auge en estos últimos tiempos, pero todo lo que está ocurriendo es bastante contradictorio. Los museos y centros de arte e incluso las fundaciones bancarias están haciendo acopio de este arte, pero en muchos casos sin contar tan siquiera con los propios artistas.

Este es el caso de Blu, pseudónimo de un artista conocido como el Bansky italiano, que lleva varios días ocupando titulares en Italia y en medio mundo. Blu, considerado desde hace cinco años por el periódico británico The Guardian, uno de los diez artistas callejeros más destacados del mundo, está eliminado los murales que durante 20 años ha estado realizando en las calles de Bolonia, Italia.

El sábado 12 de marzo el propio dibujante lo comunicó en su portal de internet (http://blublu.org). En él publicaba fotografías en las que se ve como algunos de sus colaboradores arrancaban sus grafitis elaborados con la técnica del 'wheatpaste' de las paredes o los cubrían con pintura gris.

  
 

Blu protesta así contra una poderosa institución cultural, la Genus Bonoiae, apoyada por una fundación bancaria Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, que inaugurará mañana jueves 18 de marzo en el Palacio Pepoli, una gran exposición sobre el arte urbano: Street Art – Banksy & Co. L’arte allo stato urbano. En la muestra se incluyen algunas de sus piezas que han sido arrancadas de las paredes de Bolonia, con el pretexto de que debían ser salvaguardadas de una eventual demolición, sin permiso del artista.

“El museo no me tendrá”, ésta es la contundente respuesta de Blu, que abre de nuevo la batalla entre los artistas callejeros y el sistema cultural oficial. Blu, no quiere a los visitantes de museos, prefiere los habitantes de las periferias y los barrios populares. Considera que el arte urbano no debe ser privatizado. Sus murales están en medio mundo, Sao Paulo, Managua, Londres, Praga, Madrid o Barcelona, donde ejecutó un gigantesco tiburón formado por una acumulación de billetes en el barrio del Carmel, como denuncia de la especulación financiera, ya que el propósito de Blu, como de otros artistas callejeros, es el de hacer una dura crítica de la sociedad, ya sea por temas sociales, medioambientales, económicos, etc…

Continuar leyendo en Homines.com: